На подиумы, представляя новые коллекции ведущих модных брендов, вместо привычных красоток в последнее время все чаще выходят модели с заметными изъянами внешности – плохой кожей, лишним весом, с откровенно болезненным «луком» – видом. Эксперты моды говорят об «атипичной» красоте – новом ее прочтении. Потребители же не на шутку встревожены: уж не «бьютифобия» ли нас накрыла – избегание демонстрации красоты как способа дискриминации менее красивых?!

В причинах и возможных последствиях явления «МК» разбирался вместе со специалистами.

«Мир, что с тобой происходит?! – задается вопросом опубликовавшая в соцсетях фото с показов этого года от известных кутюрье актриса Елена Анищенко. – В моде «нетипичная красота» и уже даже не унисекс… Дамы все безлики, волосы с эффектом немытости, липкие и неухоженные, грудь впалая, лица угрюмые, уставшие, озабоченные или болезного вида, будто живые мертвецы, ходят зачем-то косолапо… Но самое удивительное – это мода на некрасивость, которой подиум бравирует! И это самые дорогие модели, которые закрывают показы, которые являются лицами мировых брендов!»

Айрин – голливудская актриса российского происхождения, в свободное от кино время работает на фэшн-съемках и в курсе всей подноготной этого бизнеса.

– Кто следит за показами от-кутюр, тот знает, что на подиуме уже появлялись и возрастные модели, и полненькие. Это дань модной сейчас идее равенства – никакого эйджизма (дискриминация по возрастному признаку – авт.), никакого бодишейминга (осуждение в связи с несовершенством фигуры – авт.). А сейчас на волне пандемии и BLM сделали еще один шаг вперед, уравняв красивых и не очень, здоровых и не слишком.

– Вы считаете, что для индустрии красоты это шаг вперед?!

– Ив Сен Лоран когда-то первым вывел на подиум черную модель, что по тем временам казалось неслыханным экспериментом! А теперь это в норме вещей. Да, мода в первую очередь индустрия, бизнес, поэтому те, кто у руля, просто не могли не воспользоваться новым полем, которое открыли им пандемия и движение за всеобщую идентичность, понимаете? Мода пусть гротескное, но отражение реальности. Как цинично ни прозвучит, но в моду стремительно вошли страшненькие и несчастненькие, потому что сейчас их больше, чем цветущих и счастливых.

– То есть, из-за пандемии дизайнеры решили вывести в тренд «больной лук», а из-за BLM этих странных пятнистых людей?

– Белые пятна на коже – это болезнь, называется витилиго. На кастингах модели с витилиго сейчас очень востребованы. Кумир американцев – Винни Харлоу. Фанаты рисуют себе пятна на коже, как у нее, или накладывают трафарет, чтобы загореть пятнами на солнце или в солярии. Есть и так называемые «транс-блэк» – те, кто с помощью специальных инъекций становятся из белых черными. 30 лет назад Майкл Джексон делал все возможное, чтобы из черного стать белым, а теперь все наоборот.

– А почему модели с немытой головой и унылым выражением лиц? Ведь мода это все же праздник, шоу!

– На самом деле, волосы у них, конечно, чистые, а такой вид достигается за счет специального макияжа. Сейчас как бы создается новый «инклюзивный» образ красоты, с учетом реалий. Течение Inclusion (включение – авт.) подразумевает, что за бортом моды никто не остается, независимо от внешних данных. К примеру, на кастингах на фэшн-съемки раньше требовалась идеальная кожа, а теперь наоборот – приветствуются веснушки, шрамы, проколы, тату в самых невообразимых местах. Очень востребованы модели с не белым оттенком кожи – афроамериканцы, южноамериканцы, азиаты – это в угоду расовой идентичности. Полные модели – в поддержку людей с гормональным ожирением, таких в Америке очень много. Все для того, чтобы дети не росли с комплексами.

– Чтобы они не стремились похудеть и улучшить себя, а спокойно оставались толстыми?

– С детьми в США особая история. Считается, что навязывать диету толстому подростку неэтично.

– Выходит, вот это все – несовершенная кожа, унылый вид, лишний вес – наш сегодняшний общий портрет, который и отражает мода?

– Да, и такое происходит не впервые. Началось еще с Кейт Мосс с ее образом изможденной беспризорницы. В 90-е был стиль гранж и героиновый шик: модели были истощенные, с черными кругами под глазами. Когда Катрин Денев впервые увидела коллекцию Ив Сен Лорана, где на тощих девочек поверх комбинаций надели кожаные куртки, то чуть в обморок не упала, я своими глазами это наблюдала! Она всегда одевалась у Лорана и приехала на показ, а он ее убил этими комбинашками! Потом даже Денев привыкла. Так что все повторяется.

Что касается самих дизайнеров, то они в первую очередь художники. Коллекции от-кутюр – это полет фантазии, художественное виденье образа сегодняшней красавицы, как Пикассо рисовал своих женщин кубами. В магазины эти вещи в таком виде никогда не попадут. И образы моделей, спустившись с подиума в народ, утратят утрированные черты. Но общий смысл образа останется – сейчас мы не в самом цвету.

– Пандемия принесла новое понимание красоты, – подтверждает современный художник стиля концепт-арт Илья Смолин. – Это новый виток восприятия образов, который, войдя в моду и укоренившись в ней, станет новым эталоном естественности. На нашей памяти долгое время в топе была «гламурная» красота, некая ожившая барби, но так было не всегда. Вспомним Рубенса, Пикассо и множество других великих имен, у каждого из которых было свое виденье красоты и понимание прекрасного. В 19 веке воспевалась хрупкая болезненная – «чахоточная» – женственность – не только как своеобразный манифест против буржуазной «сытости», но и как отражение хворей и проблем того времени. Во все времена и люди, и искусство подстраивались под реальность, и сейчас происходит то же самое. Естественность может выглядеть болезненно, но это нисколько не умаляет ее природной красоты. Как и сама природа, она может быть как на подъеме, так и в упадке, но в любом случае самобытна и прекрасна.

История показов мод. Истоки высокой моды

Сегодня мы немного поговорим о дефиле. Все мы видели показы мод по телевизору, когда известные дизайнеры презентуют свои коллекции.

Давайте посмотрим, откуда пошла такая традиция, и какие цели она преследует на самом деле.

Дефиле — это не просто красочные шоу, на которые известные бренды тратят миллионы долларов, нанимая режиссеров, постановщиков и декораторов. Это еще и важный стратегический шаг в продвижении продукции, и конечно, возможность для компании громко заявить о себе.

Чарльз Фредерик Уорт

Считается, что отцом дефиле является Чарльз Фредерик Уорт, которого часто называют одним из величайших модельеров XIX века, стоявшего в ряду основоположников Haute Couture. Он в середине 1860-х годов первым ввел в обиход демонстрацию созданной им одежды не на эскизах, а непосредственно на молодых девушках-моделях, которых он называл «sosies» (двойники). Первой моделью, не долго думая, он назначил свою жену — Мари-Августина Верне, которую сейчас называют первой манекенщицой. Благодаря тэтому приему Уорт завоевал признание у всех клиенток ателье.

Показ мод в ателье Чарльза Фредерика Уорта

Однако показы Уорта не являлись дефиле в классическом понимании. Они проходили в специально оборудованной маленькой комнатке-шоуруме при ателье: клиент сидел, модели выходили и вставали перед ним. Слово же défilé (в переводе с французского «узкий проход между некими препятствиями: горами, водными преградами») в обозначении показов мод стало употребляться позже, со сменой «ландшафта» и декораций.

В 1860 году Чарльз Уорт организовал показ мод во время скачек на ипподроме Лоншан, заложив тем самым традицию, которую продолжали другие кутюрье вплоть до 1930-х годов. Опять же, это не был классический показ — модели просто красовались на мероприятии в светской обстановке и больше напоминали промоутеров. Тем не менее, задумка приносила свою долю публичности.

Париж, ипподром Лоншан — 1910 год

Естественно, идеи тут же взяли на заметку конкуренты. Вслед за Уортом они стали оборудовать свои магазины такими же комнатами-шоурумами. В 1905 году в Лондоне состоялось первое дефиле, напоминающее то, что мы видим сегодня на подиумах. Его организатором стала дизайнер по имени Люсилль Глин (Lucille) — одна из ведущих британских модельеров конца XIX – начала XX века. Она во многом была новатором: именно она, например, предложила сменить женские корсеты на более удобное бельё, чем-то напоминающее бюстгальтеры, и придумала юбки с разрезом.

Она возвела в своем ателье небольшую сцену и устроила целое шоу: одетые в ее дизайнерские платья девушки прохаживались перед гостями под музыку. Как оказалось, этот шаг принес Люсилль неплохой успех, ведь за следующие полгода объем продаж ее ателье вырос в два раза! Ее вечерние платья и нижнее белье полюбились не только простым жительницам Лондона, но и стали частью гардеробов английской богемы той эпохи. Ее наряды носили киноактрисы Гэби Дэслис, Джерти Миллар и Лили Элзи.

Показ мод Люсиль

Дефиле Люсилль

Дело развивалось дальше, и начало приобретать размах.

Следующим свой вклад внес французский модельер Поль Пуаре. Он смекнул, что неплохо было бы дать клиентам рассмотреть одежду со всех сторон и сделал импровизированный подиум во всю комнату, вдоль стен которой сидели гости. А также добавил к подиуму возможность переодеваться в маленькой комнатке (то, что сейчас зовется бэкстейджем). Он лично помогал им менять наряды и подгонял одежду на моделях. После шоу гостей ждали вечеринки вроде современных афтерпати. А уже в 1911 году Пуаре устроил в собственном саду яркое театрализованное шоу «1002 ночи, или Торжество по-персидски», сделав новый виток в истории модных показов.

Показ мод Поля Пуаре

Модели Пола Пуарэ в Париже — 1904 год

А вот моделей-мужчин начали использовать лишь в 1952 году. Это произошло во Флоренции благодаря модному дому Brioni.

20-е годы стали расцветом высокой моды в Париже. Больше всего нам знакомо имя Коко Шанель, но также наряду с ней тон в эту эпоху задавали Мадлен Вионне и Эльза Скиапарелли.

Продажи шли, не отходя от кассы: заказы делались через доверенное лицо кутюрье (pr-менеджер в наше время) прямо после показов.

Эльза Скиапарелли

Уже в 1931 году француженка (а по происхождению — итальянская аристократка), создательница понятия «прет-а-порте» Эльза Скиапарелли. создала привычный нам длинный подиум. Многие считают ее «матерью» дефиле в современном понимании этого слова — именно на её показах демонстрация мод обрела театрализованный характер, получив признаки удивительного, порой эпатажного — шоу.

Модели Скиапарелли на показе

Парарллельно с Европой свою дорожку протаптывала мода американского континента. Начиная с 1903 года крупные модные магазины и универмаги Нью-Йорка и Филадельфии устривали собственные показы для привлечения покупательниц, от которых после таких шоу отбоя не было. В те времена к моделям не предъявлялось особых требований, важными были красивое лицо и плавная походка.

Уже в 1915 году в Нью-Йорке прошла первая в истории масштабная демонстрация дамского белья. Пришли не только клиентки, но и за ними увязались поглазеть их мужья.

Показ в одном из салонов Нью-Йорка — 1925 год

КАК ПОЯВИЛИСЬ НЕДЕЛИ МОДЫ

До начала Второй мировой войны европейская и американская мода пользовались примерно одинаковой популярностью среди местного населения. Преимущество сохранялось за французкими дизайнерами до 1940-го, когда Германия оккупировала Францию. Париж фактически оказался закрыт, и мир американской моды остался без значительного влияния Европы.

В 1943 году американка Элеонора Ламберт собрала в Нью-Йорке модельеров и дизайнеров из США, чтобы провести «Пресс-Неделю». Это стало прообразом Недели моды — мероприятие было неофициальным, однако традицию заложило.

Модная «Пресс-Неделя» в Нью-Йорке, 1943 год

Тем не менее, понадобилось целых 30 лет для ее продолжения. Лишь в 1973-м прошла 2я неделя моды в Париже. Далее эстафету принял Милан (1979 год). Четвёртым стал Лондон — первая Неделя моды прошла тут в 1984 году. Первая же официальная нью-йоркская Неделя моды состоялась только через 50 лет после неофициальной, в 1993-м, однако именно этот город считается «прародителем» шоу.

Модная «Пресс-Неделя» в Нью-Йорке, 1943 год

«Press Week» получила огромный успех среди всего fashion-сообщества тех времен. Мода Америки перешла на новый уровень развития и получила признание модельеров из других стран, а покупатели-соотечественники наконец-то оценили творения своих дизайнеров. Таким образом, формальной датой возникновения Недели моды считается 1943 год, а местом – Нью-Йорк.

Отдельно нужно отметить одного из пионеров американской моды Нормане Норелле. Он знаменит тем, что его платья носила Мэрилин Монро.

Норелл с моделями на показе весна-лето 1949 года

НАЧАТЬ ЗАНОВО

Вернемся к моменту окончания войны в 1945 году. Среди прочих разрушенных стран Еврропы Франция чувствовала себя относительно неплохо, но индустрия моды за это время понесла серьезные потери — ее пришлось восстанавливать.

Сын легендарного кутюрье Нины Риччи, Роберт, подсказал экономичный вариант показа: он предложил делать миниатюрные версии своих работ. Этот способ представить публике свои достижения позволял не тратиться на большие объемы ткани. Такие мини-показы получили название «маленький театр моды» (Le Petit Théâtre de la Mode).

Модельеры Кристобаль Баленсиаги и Жанна Ланвен, одели в свои работы 200 манекенов в треть человеческого роста и выставили в Лувре в 1945 году, а затем отправили в турне по Европе. В следующем году эти же манекены одели в новую коллекцию и послали покорять США. Такой вот бюджетный модный показ.

Манекены с выставки, проходившей в Нью-Йорке в 1946 году

НОВЫЕ ПРАВИЛА

В довоенные годы показы от-кутюр проводили в тесных салонах — там же, где находилась мастерская дизайнера. На том же месте оформляли заказы клиентов, которые возвращались в салон в следующие 6 недель для снятия мерок. В те годы, до появления подиума, акцент был на клиентуре, а не на публичности. Но вскоре все изменилось.

В 1947 году Кристиан Диор разрешил фотографам отснять свою первую дизайнерскую коллекцию. Редактор модного журнала Harper’s Bazaar Кармэль Сноу назвал ставшую знаменитой коллекцию «Новый образ» (The New Look).

Из коллекции «Диор» 1947 года

Кристиан Диор с моделями

Италия

В Италии показы начались в 1950-х во Флоренции. Ведущие дома моды из Рима, Турина и Милана, включая такие бренды, как «Симонетта Висконти», «Шуберт» и «Эмилио Пуччи», выставляли коллекции в стенах грандиозного дворца Сала Бьянка.

Организованные под руководством Джованни Баттисты Джорджини, эти показы были попыткой соревноваться с модными домами Парижа и восстановить текстильную и модную индустрию итальянских ателье после войны.

Модный показ, Флоренция — 1951 год

В те годы шоу рекламировали как еще одну остановку для редакторов модных журналов после того, как те посетили показы в Париже и направлялись на лайнеры — домой, в Америку. Гостей таким образом подкупали, размещая их в роскошных отелях и наливая для них лучшие итальянские вина в попытке произвести на них впечатление до того, как те усядутся у себя в редакции и оповестят мировую общественность о том, чьи модельеры все-таки являются законодателями в этом сезоне.

Юбер де Живанши с актрисой Одри Хепберн

В 1952 году свою первую коллекцию представил Юбер Живанши. Его дружественные отношения с Одри Хепберн, которую он одевал для роли Сабрины в «Завтраке у Тиффани», стали предвестником рекламных отношений между крупными брендами и знаменитостями.

Показ коллекции Живанши 1970 года в Париже

А в 1956 году Габи Агьен, основательница бренда Chloé, пригласила прессу в легендарное Кафе де Флор, чтобы устроить самый неформальный показ того времени.

Дизайнер просто одела моделей в свою коллекцию, и они вместе провели вечер в заведении — общались, болтали и выпивали с редакторами и другими представителями мира моды.

Вечер в Кафе де Флор — 1956 год

Взлет прет-а-порте

Ив Сен-Лоран с моделями

Невзирая на все претензии высокой моды, в 60-х годах группа предприимчивых дизайнеров, объединившая как новичков на сцене (Ив Сен-Лоран), так и ветеранов модного мира (Нина Риччи), начала выпускать готовые коллекции «прет-а-порте» (с французского pret-a-porter — «готовый к ношению») за две недели до традиционного показа коллекции от-кутюр.

Так началось покорение модельерами массового рынка — а вслед за ним и открытие сети бутиков, и массовая узнаваемость.

Сексуальная революция 60-х быстро отразилась и на высокой моде — ведь что такое концептуальные показы, как не переосмысление культуры через внешний вид? Дизайнеры новой волны, такие как Пьер Карден и Пако Рабан, смело урезали юбки и использовали яркие цвета, импонируя молодым покупательницам.

Ив Сен-Лоран после показа — 1963 год

Подиум выходит на первый план

70-е ознаменовали век современной моды: коллекции прет-а-порте потеснили от-кутюр, а подиум стал главной площадкой для выражения дизайнерской мысли. В Париже стало появляться так много молодых дизайнеров, что показы мод проводились уже два раза в год, а в 1973 году официально открыли первую неделю моды в Париже.

Первая Неделя моды в Париже, 1973

Главными открытиями Парижской недели моды были японский дизайнер Кендзо Такада, Соня Рикель и бренд Chloé под творческим руководством Карла Лагерфельда.

Ренессанс Европы

Уже в следующем десятилетии центром креативности стал Лондон. На модную сцену ворвалась Вивьен Вествуд с ее характерной смесью исторических элементов, секса и анархии. Полчища ее поклонников одинаково фанатели и от панк-рока, и от ее одежды. Показы Вествуд ломали все устои, были непочтительны по отношению к канонам «изящной» моды и привнесли в модный мир элемент популярности и протеста.

Первый показ Лондонской недели моды — 1984 год

Вивьен Вествуд

Лондон стал кладезем для прессы и покупателей, которые отчаянно гнались за следующим большим хитом.

Другие дизайнеры протестного толка, переосмыслявшие идею показа мод, стремились разнообразить подиум, представляя на нем новые этнические группы, пол, возраст и размер моделей.

Эпоха супермоделей

Каждое десятилетие история моды претерпевала большой концептуальный разворот, смещение ракурса.

60-е были эрой новшества в подаче и конкуренции среди ведущих модных домов Европы. 70-е — веком прет-а-порте и смены нравов. 80-е воплотили в себе инновацию, протест и омоложение с выходом на сцену модельеров из-за пределов Европы и Америки.

В 90-х — эру зарождения массовых коммуникаций, глянца и телевизора — все внимание отвернулось от дизайнеров к супермоделям. Именно они стали звездами этого поколения, обретя небывалую славу — в популярности они сравнились с рок-звездами, а ведущие модные дома тратили целые состояния, привлекая их к участию в показах своих коллекций.

Gucci под руководством Тома Форда задали новый стандарт тона этого времени — здесь решающую роль играли секс, статус и гламур. На каждую модель наводили свет прожектора, чтобы подчеркнуть ее самые главные преимущества, а следующим ключевым элементом после одежды стала дамская сумочка как символ статуса.

Театр моды

Показ коллекции весна-лето — 2017 от Louis Vuitton, Рио-де-Жанейро

Когда кажется, что все способы впечатлить толпу уже исчерпаны, обязательно находится один бунтарь, готовый вновь произвести фурор и положить начало новому тренду.

В 90-х таким человеком стал бельгийский дизайнер Мартин Маржела — он полностью попрал установленные правила проведения показов, в то время проходивших в специально обустроенных залах, музеях и арендованных для проведения шоу зданиях театров. Для своей очередной коллекции он просто взял и вывез гостей в спальный район на окраине Парижа, где провел импровизированный показ прямо посреди детской площадки — ни подиумов, ни сидений, — пригласив туда же местные семьи с детьми.

Но по-настоящему переломным моментом стал показ 1996 года Александра Маккуина. Британский эксцентрик организовал шоу в заброшенной церкви, назвав свою коллекцию «Данте». С этого момента модные показы окончательно стали сравнивать по театральности, а локация стала такой же важной, как и сама одежда.

Показ Александра Маккуина 1998 года в Лондоне

Цифровой век

Наибольшие изменения в проведение модных показов внесли технологии — хотя порой консервативную индустрию моды и приходилось буквально тянуть за уши в цифровой век. Первым представил свою коллекцию в сети австрийский дизайнер Хельмут Ланг в 1998 году.

«Я понимал, что интернет превратится во что-то гораздо большее, чем мы можем себе представить, и думал, что было бы неплохо уже тогда принять это и бросить вызов стандартам. К тому же это ведь был прекрасный способ по-новому донести мою работу до массовой аудитории». Хельмут Ланг

Коллекция Ланга осень-зима 1998 года

А в 2010 году Александр Маккуин стал первым дизайнером, запустившим прямой эфир с показа в сети. Тренд, заданный британцем, снова покатился снежным комом. Уже со следующего года неделя моды в Нью-Йорке начала пускать все свои шоу в эфир, а сегодня любой показ можно посмотреть через канал в инстаграме.

Показ Александра Маккуина «Атлантида Платона» — 2010 год

Инстаграм сегодня стал главной площадкой, на которую опирается индустрия моды. Даже экстравагантные трехдневные поездки на круизных лайнерах, которые устраивают модные дома для тех, кто купил билеты на частные показы, — это продуманные рекламные кампании, цель которых — максимально осветить событие в инстаграме.

В 2017 году Louis Vuitton отвез своих гостей на лайнере в Рио-де-Жанейро, по прибытии представив свою грандиозную коллекцию на лестнице, ведущей в музей искусств, а в этом году свозил посетителей через океан в Токио. Эти поездки предназначены для того, чтобы вызвать фурор в инстаграме. Одежда почти не имеет значения.

Модный мир однозначно стал более коммерческим, хладнокровным местом, где конкуренция уничтожает слабых, а рядовых моделей, кому не повезло приглянуться влиятельным модельерам, индустрия пережевывает и выплевывает к 30 годам.

Но мода не стала от этого менее экстравагантной. Со стримингом показов и бесконечными возможностями инстаграма размах шоу с каждым годом только растет, а сами показы теперь доступны любому желающему.

Так мода, одна из самых скрытных и недоступных сфер в культуре, проделала свой путь от закрытых салонов Парижа до экрана вашего смартфона.

Благодарим за внимание, будем рады, если вам понравилась эта статья! 🙂

Модель на показах: особенности работы – Блог

Показ мод – каждый раз является уникальным событием, которое неизбежно привлекает внимание людей из самых разных сфер деятельности: не только имеющих отношение к модной индустрии, но и просто интересующихся данной темой, публичных людей: артистов, музыкантов, блоггеров, а также их поклонников. Чтобы показ прошел удачно, выбирать моделей следует заранее. Чтобы в вашем мероприятии приняли участие только самые лучшие и профессиональные модели, нужен строгий кастинг и жесткий отбор кандидаток.

Если раньше модели, участвующие в показах, назывались подиумными моделями, то сейчас этот термин не отражает реальную работу этих девушек. Во-первых, потому что изменился сам формат показов. Если раньше все показы проводились исключительно на подиумах, то сейчас они проходят в самых разных местах, в том числе и весьма экстравагантных и неожиданных: в парадных залах, на улице, на обеденном столе. Профессиональная модель должна уметь подстраиваться под любые декорации, выглядеть самой и демонстрировать свой наряд максимально естественно и гармонично в окружающем пространстве, подчеркивая все достоинства каждого элемента образа: не только одежды, но и аксессуаров, прически, макияжа.

Понятие подиумная модель означает именно профессиональных манекенщиц, чья работа заключается в том, чтобы уверенно пройти мимо гостей, завораживая их развевающимися нарядами, притягивать взгляд абсолютно каждого зрителя. Каждая модель должна обладать целым рядом профессиональных навыков и качеств, среди которых следующие:

• уверенная, профессионально поставленная походка, умение чувствовать ритм и музыку во время движения по подиуму;
• умение владеть своим лицом, выражая именно то эмоциональное состояние, которое требуется темой конкретного показа: от приветливой доброжелательной улыбки, до холодного равнодушия;
• прекрасная координация движений: безупречная походка должна быть дополнена движениями рук, четко выверенными поворотами и другими мельчайшими движениями, которые подчеркнут не только демонстрируемый наряд, но и индивидуальность девушки, сделают ее выход живым и запоминающимся;
• умение уверенно и легко ходить в любой обуви, на огромных каблуках или босиком, а также на любом покрытии, будь то скользкий подиум, неровный асфальт, песок;
• и, конечно, для модели крайне важна ее внешность: хоть профессиональные стилисты способны воплотить любой образ, но фигура, кожа, волосы модели должны быть в безупречном состоянии.

Профессиональная модель с индивидуальным талантом и харизмой может быть выбрана лицом бренда, если ее образ идеально вписывается в его концепцию и продвигаемые идеи.

Заказ моделей: преимущества для показа

Заказать профессиональную модель – лучшее решение для показа любого формата и любого масштаба. Такой выбор следует сделать по ряду преимуществ, некоторые из которых следующие:

• участие профессиональных моделей привлечет большое количество клиентов, для которых важно не только качество бренда и его продукции, но и всех мероприятий, в том числе уровень показов;
• качественный показ привлечет внимание потенциальных партнеров, представителей СМИ, блоггеров и известных авторитетных людей, которые могут существенно повлиять на известность и популярность бренда;
• сотрудничество с профессиональными моделями, которые имеют авторитет в модной сфере, повысит уважение к бренду;
• талантливые девушки, участвующие в показе, могут превратить его в настоящее шоу даже во вполне заурядных декорациях, а если привлечь еще и профессиональных режиссеров, показ может стать заметным событием высокого уровня;
• в среде профессиональных моделей можно намного проще и быстрее найти кандидаток с подходящим типом внешности и безупречной фигурой, чем среди любительниц или новичков.

Как еще модель может участвовать в мероприятии?

Как уже было отмечено выше, подиумный формат постепенно уходит в прошлое. Любой уровень показов сегодня – это уже не просто дефиле моделей, а настоящее масштабное торжественное мероприятие. Такое событие помимо непосредственно самого показа включает в себя автограф-сессию, пресс-конференцию с участием дизайнера, организатора события, фуршет для гостей, кинопоказы или тематические лекции, а также другие развлекательные и познавательные мероприятия.

В таких мероприятиях работа модели выходит за рамки показа: даже вне подиума они должны продолжать представлять бренд. Например, играть роль хостес, приветствуя гостей, которых не было на показе. Они могут беседовать с гостями, отвечая на вопросы о демонстрируемой коллекции, деталях своего образа, истории создания той или иной вещи и в общем об особенностях показа. Иногда модели выступают в роли официанток, предлагая гостям закуски и напитки. Или просто выступают как живые манекены, на которых каждый посетитель показа может вблизи рассмотреть заинтересовавшие предметы одежды, обуви, аксессуаров.

Где найти моделей для показа?

Показ, как и любое другое масштабное мероприятие, требует тщательного отбора персонала. Важно подобрать моделей такого уровня профессионализма, чтобы они смогли прославить демонстрируемый бренд или конкретную коллекцию на мировом уровне.

Обратитесь за помощью в наше агентство, и мы подберем для вас моделей, которые оптимально подойдут по внешним данным и профессиональным навыкам под формат вашего мероприятия.

Краткая история модных показов | Vogue Russia

Модный показ, длящийся, как правило, не более 15 минут, может не только помочь дизайнеру воплотить его видение сезона, но и оставить заметный след в культуре. Так было всегда, однако, сквозь года концепция модных шоу претерпевала грандиозные изменения. Традиция демонстрировать одежду зародилась в позолоченных парижских бальных залах еще в 1910-х годах. Позднее стараниями Чарльза Уорта, Поля Пуаре и Ива Сен-Лорана презентации для клиентов вещей на манекенах превратились в пышные шоу с участием моделей. Предлагаем сегодня вам вспомнить пионеров от моды, чьи идеи повлияли на зарождение феномена показов и тем самым сформировали современную индустрию.

Модный показ на верхней палубе лайнера RMS Franconia, 1925 

© Brooke

Манекены, модели и движение

Чарльз Уорт

Французский кутюрье английского происхождения Чарльз Фредерик Уорт прославился тем, что сделал изделия Haute Couture более носибельными. Он отказался от широких кринолинов и предложил модели прямого А-силуэта, которые пришлись по душе жене Наполеона III императрице Евгении. В таких нарядах было легче проходить через дверные проемы, присаживаться и передвигаться в целом.

В те времена кутюрье сами ходили по домам клиенток, чтобы сделать необходимые примерки, Уорт же принимал заказчиц у себя в ателье. Таким образом он зародил салонную традицию, которая, в частности, обеспечила успех его бренду. Особой виртуозностью исполнения отличались лифы Уорта. На их изготовление требовалось до 17 отрезов ткани, но такой подход гарантировал идеальную посадку. Уорт был не только одним из основателей высокой моды, но и первым дизайнером, который отказался от манекенов. Он предпочитал, чтобы его коллекции демонстрировали живые модели. Одной из них была его жена Мари-Августина Верне.

Чарльз Фредерик Уорт, около 1870 

© Hulton Archive

Модель миссис Фабер позирует в платье Чарльза Уорта, около 1900–1910

© Keystone-France

Поль Пуаре

Один из отцов-основателей современного Haute Couture, Поль Пуаре произвел настоящую революцию в моде — он отказался от традиционных жестких корсетов в своих изделиях и экспериментировал с показами мод еще в 1900-х годах. Как и современные дизайнеры, такие как Алессандро Микеле и Марк Джейкобс (на чьих показах можно увидеть все, что угодно, от каруселей и пассажирских конвейеров до экспериментальной хореографии), Пуаре стремился продемонстрировать свои творения в движении.

Организация светских балов для высшего общества Парижа считается одной из его важных находок. Например, настоящим успехом стал вечер «Тысяча и одна ночь», на котором миссис Пуаре появилась в позолоченной клетке. Благодаря блестящей сети социальных контактов модельера родилась еще одна важная тенденция в моде — в 1911 году фотограф Эдвард Штайхен сфотографировал платья Пуаре для апрельского номера журнала Art & Décoration. Эти снимки стали одним из первых модных редакционных материалов.

Поль Пуаре проводит примерку на модели во время тура по США, около 1930

© George Rinhart

Поль Пуаре и модели представляют французскую моду на улицах Лондона, около 1925

© Keystone-France

Иллюстрация художника Жоржа Лепапа, на которой изображена жена Пуаре Дениза на вечеринке «Тысяча и одна ночь», 1911

© Photo 12

Салоны высокой моды

Коко Шанель

Габриэль Шанель вошла в историю моды как дизайнер, освободившая женщин от тесных корсетов 1920-х годов. Она предложила наряды спортивного кроя из легкого джерси — материала, который в то время ассоциировался исключительно с мужским нательным бельем. Одежда Chanel отличалась непринужденным стилем и функциональностью, а фирменные полосатые бретонки и яхтенные брюки привнесли доселе невиданную универсальность в женский гардероб. Закономерно, что открытие салона на рю Камбон, 31, в Париже стало настоящим откровением. Здесь Шанель любила незаметно для посетителей наблюдать за их реакцией в отражении изогнутой зеркальной лестницы, ведущей в ее квартиру.

Коко Шанель любуется моделью, примеряющей вечернее платье из коричневого шифона с оборками, 1957

© Bettmann

Коко Шанель, Париж, 1937

© Horst P. Horst

Коко Шанель в одном из своих творений, 1937

© Horst P. Horst

Эльза Скиапарелли