БЕСПЛАТНЫЙ выпуск 3D – журнала «Музыкальный оливье» №1- 2013 г.

www.art-olive.ru

Дорогие коллеги! Представляем Вам первый выпуск ежемесячного электронного 3D – журнала «Музыкальный оливье». Это журнал для Вас! Для всех, кто связал свою деятельность и интересы с творчеством, детьми и педагогикой. «Музыкальный оливье» – это журнал без границ! Он вмещает в себя много полезной практический информации, видео, аудио, наглядность, а самое главное – дружеское общение!

Получите этот выпуск БЕСПЛАТНО, пройдя по ссылке и зарегистрировавшись на сайте

В этом выпуске:

• Великолепные Осенние сценарии от Лебзак Т.Н. Более удобного сценария Вы ещё не встречали! Здесь есть всё! К каждой песне есть ноты, на аудио плеере можно тут же прослушать аранжировку, в приложении есть качественная фонограмма. Все танцы и игры с описанием и аудио приложениями. Весь сценарий озвучен: выходы героев, музыкальные заставки, звуки ветра, дождя, рычание медведя и т.п.
• Более 10 песен: песня с элементами танца Людмилы Тимченко «Листочки», песня Зинаиды Яковлевны Роот «Ах, какая осень», пальчиковая игра-песня «Это осень» (музыка и слова Лебзак Т.Н.), песня- игра «Что любит мишка» (музыка и слова Лебзак Т.Н), песня «Бал осенних листьев» (музыка и слова Лебзак Т.Н.), песня «Осенний дождик» (музыка и слова Лебзак Т.Н.), песня «Черепашки» (музыка и слова Лыкова И.А.), песня «Топ, сапожки, шлёп, сапожки» (слова и музыка М.Еремеевой) песня «К нам гости пришли» (музыка Ан. Александрова, слова М. Ивенсен), песня -потешка «Пошёл котик на торжок» (музыка О.Лыкова, слова народные). Ко всем песням есть ноты и аранжировки, которые можно сразу прослушать на аудио плеере!
• Танцы с описанием и аранжировками! Танец «Ёжики и яблочки» для детей старшей группы от Лебзак Т.Н. можно посмотреть на видео.
• Отличная подборка игр для детей на улице, народных игр, подвижных и пальчиковых игр!
• Советы психолога в статьях «БРАННЫЕ СЛОВА И МАЛЫШ 1-3 ЛЕТ» и «СКОЛЬКО РАЗ ПОВТОРЯТЬ? или ПОЧЕМУ ДЕТИ НАС НЕ СЛЫШАТ»
• Интересно и без подготовки занять детей! Массовый танец-игра “Анимашки- ералашки” от Кирилловой Л. В. с аудио приложением автора.
• Викторина на осеннюю тематику «Собираем урожай» с приложением наглядности (12 рисунков овощей). Распечатайте, и пользуйтесь!
• Авторские аранжировки Алференко В. «Детская Полька» и «Марш на зарядку». Хороший музыкальный материал всегда пригодится в работе!
• Подборка из 25 звуковых эффектов для озвучивания мероприятий, сценариев. Они так необходимы для детского восприятия! Ветер бушующий̆ с ливнем, гром с дождем, дождь сильный̆ по стеклу, птицы в лесу, шаги по лужам и многое другое.
• Забавно и весело оформляем детский участок! Подборка фото поделок зверушек, сказочных героев от Кирилловой Л.В.
• Скоро День Дошкольного работника! Для Вас песня –переделка “В детском саде” от Тимченко Л.
• А ещё стихи, анекдоты, рецепты блюд и хорошее настроение!

Приятного Вам чтения!

Полезные ссылки – Сайт музыкального руководителя детского сада Любицкой Веры Михайловны

Коммуникативные игры 

Музыка и память 

Музыка интеллекта

Музыкальное образование будущего  

Проблема духовности в музыкальной педагогике

Музыкотерапия

http://www. yugzone.ru/articles/music_t.htm  в библиотеку статей музыкотерапия статья

http://www.prosv.ru/info.aspx?ob_no=16652 в библиотеку, конспект занятия “Музыка рассказывает о чувствах

http://www.osoboedetstvo.ru/biblioteka/text/ – библиотека статей по особому детству. Музыкотерапия

http://www.osoboedetstvo.ru/catalog/38.htmполезная книжка в библиотеку полезная книжка в библиотеку

Для родителей

http://mamarada.su/?page_id=15 – школа повышения квалификации мам

http://neposed.net – сайт по развитию детей

https://www.facebook.com/groups/moms.ru/ –  для  мам

Для музыкальных руководителей и воспитателей

http://neposed.net/muzika-for-kids/muzikalnoe-razvitie/ptitsa-i-ptenchiki.html  музыкально-дидактические игры

http://www.igraypodrastay.ru/prezentatsii.html презентации развивающих занятий с маленькими детьми

http://forums.vkmonline.com/forumdisplay. php?f=268 все для музыкальных работников

http://muzruki.0pk.ru/viewtopic.php?id=8 форум музыкальных руководителей

http://babymusic.jimdo.com/%D0%BC%D1%83%D0%B7%D1%8B%D0%BA%D0%B0/для музыкального руководителя

http://www.odnoklassniki.ru/group/44400505651408 –   группа Музыкант-учитель

http://www.odnoklassniki.ru/muzykantyp – группа музыкантов, исполнителей, композиторов группа музыкальных обзоров и рецензий

http://www.odnoklassniki.ru/muzru  – минусовки и плюсовки

http://www.odnoklassniki.ru/minusovkip

http://www.odnoklassniki.ru/group/50931404701860- раннее  музыкальное  развитие детей

http://www.odnoklassniki.ru/group/43919513157791  – раннее развитие детей

http://www.odnoklassniki.ru/detitsvet  –  группа  Дети-цветы жизни, для родителей

http://www.odnoklassniki.ru/happy.kids – группа  Счастливые дети, для родителей

http://www.odnoklassniki.ru/kachaemmuz  – качаем музыку бесплатно.

https://www.facebook.com/groups/255465967861301/- вести образования

Электронная библиотека журналов и книг

http://art-olive.ru/besplatno.html электронный журнал Оливье о музыке для детей и музыкальном воспитании

http://www.muspalitra.ru/ электронный журнал Музыкальная палитра

http://perluna-detyam.com.ua/forum/vse-dlya-muzykalnogo-rukovoditelya/17-zhurnaly-dlya-muzykalnogo-rukovoditelya.html?limit=6&start=66 журналы музыкального руководителя

http://razum.myinsales.ru/collection/Muzykalnyy-zhurnal-KOLOKOLCHIK музыкальный журнал Колокольчик

http://razum.myinsales.ru/collection/Literatura-dlya-muzykalnyh-rukovoditeley-DOU литература для музыкальных руководителей

 

 

Музыкальный журнал Европейского Севера

Петрозаводская государственная консерватория имени А. К. Глазунова предлагает отечественным и зарубежным исследователям (докторантам, аспирантам, соискателям учёных степеней, учёным, преподавателям) опубликовать результаты своей научно-исследовательской и научно-практической деятельности в научном электронном журнале «Музыкальный журнал Европейского Севера».

Основной целью данного периодического научного издания является публикация исследований по проблемам истории, теории и исполнительской практики музыкального искусства. Задачи издания:

• отразить результаты научно-исследовательской и научно-практической деятельности отечественных и зарубежных учёных, соискателей учёных степеней;
• осветить проблемы и тенденции современной музыкальной науки в разных ракурсах: история и теория музыки, социология и психология музыкального восприятия, философия музыки, этномузыкология, музыкальное источниковедение и текстология, музыкальный менеджмент;
• организовать открытую научную дискуссию, способствующую повышению качества диссертационных исследований, эффективности экспертизы научных работ;
• обеспечить информационное сопровождение научных инновационных проектов в сфере музыкальной культуры;
• совершенствовать издательскую деятельность Петрозаводской государственной консерватории имени А. К. Глазунова в научно-исследовательской сфере в соответствии с требованиями, предъявляемыми Высшей аттестационной комиссией Министерства образования и науки РФ, а также международных индексов научного цитирования, в частности Web of science, Web of Knowledge, Scopus.

Редакция журнала принимает научные статьи по тематике:

• Современные проблемы музыкознания и композиторского творчества;
• Исторические и современные формы музыкальной практики;
• Классическая музыка в современном мире;
• Музыкознание в контексте гуманитарных наук;
• Этномузыкальные культуры финно-угорского мира;
• Музыкальная культура Европейского Севера;
• Образовательные технологии в творческом вузе.

Редакция также принимает к публикации рецензии на издания (монографию, учебник, учебное пособие) и материалы обзорного характера научной жизни.

Журнал выпускается четыре раза в год. Все материалы проходят процедуру рецензирования, что призвано обеспечить качество публикуемых в журнале научных статей в области музыковедения.

Пианист Геннадий Пыстин об абсолютном слухе и музыкальном успехе

Герой проекта «Люди как книги», заслуженный артист России, пианист ГЕННАДИЙ ПЫСТИН не только ответил на вопросы собравшихся в новосибирской областной научной библиотеке поклонников, но и научил — как основоположник инструментального театра – музицированию с неподготовленными зрителями «с ходу» вдвоём и даже втроём  за одним фортепиано. Если бы не стеснительность гостей — его бы качали.

— Абсолютный слух – приговор или счастливый билет?

— Музыкальность у меня по маминой линии – она унаследовала свой абсолютный слух от своего папы. Она великолепно пела, а мой дедушка замечательно по слуху играл на баяне. По линии папы у меня был спорт. Папа, носитель фамилии (кстати, мы коми, а «пыстя» – это «синица») воевал, был военным медиком, мастером спорта по лыжам.Не удивительно, что в три года он поставил меня на лыжи, а в пять у меня уже были жесткие крепления! К шестому классу я стал чемпионом Северска по лыжам среди школьников.

Музыкальность развивал параллельно. И не слишком торопился. Где-то с четырех лет подбирал сам. Сначала одной рукой, потом двумя. Когда мне стукнуло шесть в гости к родителям зашел знакомый музыкант, заинтересовался, решил меня испытать. Я угадал все ноты. Благодаря этому гостю меня отдали в музыкальную школу. Но учился я плохо — на первом месте оставались лыжи. Все изменилось после переезда в Новосибирск. В музыкальной школе №1 г.Новосибирска, куда я поступил, меня распределили к мудрой учительнице, Анне Ефимовне Аптекарь. Она и определила мой путь – училище, консерватория. То, что я недополучил в самом начале пришлось наверстывать каторжным трудом. Я занимался по 10-16 часов в день.

— Музыкальный успех – счастье для мамы и ее родни. А что сказал папа?

— Папа продолжал гнуть свою линию, но я все меньше находил времени. Музыка довольно быстро заполнила всю мою жизнь. Папа привил любовь к спорту, создал задел здоровья, который до сих пор держит меня на гастролях. В детстве он меня гонял как сидорову козу. Я бегал 10 км с мастерами спорта. Думаю, только благодаря этому выдерживаю сейчас темп в 100-120 концертов в год. Вот только что вернулся из Пермского края, по возвращении с утра до ночи заседал в жюри на фортепианном конкурсе – и ничего!

— Ваш дядя занимал видный пост, был значимым человеком для властей своего времени. Вы ощущаете свою связь с тем героическим поколением?

— У моего папы было три брата. Младший погиб на фронте, второй умер перед войной, третий, как и мой отец, много лет прожили в Новосибирске. Анатолий Васильевич, папа, был майором медслужбы, служил в 163 кавалерийском полку, прошел всю войну, получил медали за взятие Будапешта, Вены, Праги и Берлина, ордена Красной звезды и Отечественной войны. И я преклоняюсь перед своим отцом, потому что он был горячим патриотом своей страны. Прошел такие испытания, какие мне и не снились, но о войне рассказывал мало, всего несколько случаев. Они все трагически-курьезные.

Один – о том, как перекур спас его от верной гибели. Его помощник фельдшер  Вася Субботин как-то отвлек от прибывшего обоза с ранеными. Дескать, пойдем покурим. Отец не курил, отказывался, отказывался, но все же согласился постоять «за компанию». Едва они отошли в сторонку, налетели Мессершмитты, расстреляли обозы, в живых осталось только их двое. Папу, конечно, контузило, он долго лечился, до конца жизни плохо слышал, но смог вернуться с войны домой. Благодаря этому перекуру, можно сказать, и я появился на свет.

А его брат был заместителем Совнаркома. Я Ивана Васильевича прекрасно помню, это был невероятного задора и таланта человек, мощный харизматический руководитель. С ним вот какой случай был. На войне он был начальником артиллерийского расчета. И вот перед ним поставили задачу – взять высоту. Они сражались яростно, но вскоре всех положили, он остался один. И уже без прицела подбил три танка, когда из-за взрыва потерял сознание. Пришел в себя, видит – часть ноги болтается на сухожилиях. Он хладнокровно достал нож, отрезал оторванную ногу и уполз с расстрельного места. А вскоре потерял сознание. Когда наши все же взяли высотку, его нашли и спасли. Через много лет прибалтийские школьники выяснили все обстоятельства этого героического поступка, рассказали о нем прессе. Дядя получил орден Ленина.  После войны часто очень лихо выплясывал цыганочку на протезе. Вот такие люди заложили мое отношение к отечеству.

— Вы знаете, о чем говорите – кажется, лучше всех наших общих знакомых знаете, какие города, деревни и поселки входят в понятие «Родина». Как получилось, что вы так много гастролируете?

— За последние 5-6 лет я изъездил все пространство от Татарстана до Дальнего Востока. Причем, филармонические концерты – только часть моей гастрольной работы. Я много выступаю в музыкальных школах. Главное направление у меня сейчас – дети. Недавно подсчитал, что побывал где-то в 330 городах, поселках и деревнях. Мне нравится выступать перед маленькими, меня окрыляет поиск талантов.

— Вы можно сказать, сформировали отношение публики к дуэтам. Это теперь вы лауреат Международной премии «DUO KODAMA», артистический директор Международных фестивалей фортепианных дуэтов в Сибири, лидер международного движения. Но ведь на старте это была чистая экзотика!

— К окончанию консерватории я был уже вполне сложившимся сольным пианистом. Играл с замечательным Арнольдом Михайловичем Кацем концерты для рояля с оркестром. Исполнил, между прочим, одиннадцать концертов сибирских композиторов. Такого в Новосибирске до сих пор никто не сделал. Но судьба вечно вносит свои коррективы- это встреча с Игорем Цыганковым. Мы сыграли несколько дуэтных концертов и уже не смогли остановиться.

Игоря я знал по консерватории, но как концертмейстера, не более. А «историческая встреча»у меня с ним произошла в хоровой студии «Журавушка». Игорь там трудился… фотографом! Все началось с капустника. Так уж повелось, что мы еще в консерватории приучились устраивать такие феерии, наши капустники становились настоящими арт- бомбами! Попасть на наш капустник оказывалось практически невозможно. В числе почетных гостей всегда бывал Арнольд Михайлович Кац, мы любили его пародировать. И вот эта «капустная» линия положила начало целому жанру  — инструментальный театр. А мы с Игорем стали ее основоположниками. Во второй половине XX века до нас такого никто не делал в  фортепианном дуэте. Мы произвели фурор, композиторы начали писать произведения специально «под нас». Довольно быстро подбирался репертуар. Часть наших выступлений поставил выдающийся новосибирский театральный режиссер Вадим Иванович Суховерхов. Потом команда НГУ – трижды чемпионы КВН–взяли с собой на гастроли во Францию. Умение импровизировать, составлять сценическую драматургию «на лету» меня научил тогда еще новосибирский композитор Григорий Гоберник. Благодаря его школе на ура прошли наши выступления с Владленом Бирюковым и Галиной Алехиной, Валерием Чумичевым и Валентиной Широниной, с клоуном Юрием Куклачёвым. Начался настоящий «театральный период». Целую неделю я выступал с Геннадием Хазановым в битком набитом Оперном. Следом отработал масштабный цикл с Ириной Мирошниченко…

— Трудный момент, когда первый ваш дуэт распался, а новый еще не появился. Вернее, когда на место статного состоявшегося Цыганкова пришел совсем юный Дмитрий Карпов. Вы сильно рисковали!

— У каждого музыкального коллектива своя судьба. Долгая жизнь в дуэте требует значительных усилий. По 80-100 концертов в год вдвоем – это невероятная нагрузка, в том числе психологическая. Зная, что это не может продолжаться вечно, мы заранее договорились, как будем действовать. Я сказал партнеру: «Если дуэт распадется – я буду вот с Димой играть. Он еще маленький мальчик, но скоро вырастет в большого артиста». Я Диму Карпова заметил, когда он был  еще студентом –  играл на сольных конкурсах и со своей партнершей Татьяной Абрамовой в дуэте. И когда мы в самом деле разошлись с Цыганковым — сразу пригласил Дмитрия. И он действительно оказался невероятно талантливым человеком. Теперь его разноплановость еще более усилилась. Посмотрев на меня, он начал писать стихи, потом увлекся транскрипциями. Сейчас он великолепно выступает с самыми разными музыкантами, он завидный концертмейстер и великолепный сольный пианист, да и джаз ему не чужд.

— Есть несколько ложных убеждений о музыке. Что живое и яркое – оно веселое и достаточно простое, а современная, тем более авангардная музыка – измождающе сложная и угрюмая. У вас не только музыкальная, но и дружеская связь с «родителями» новой музыкой. Как вы выдерживаете этот диапазон от яркого театрального до иссушено авангардного амплуа?

— В начале прошлого века Россия считалась родиной авангарда. Великий Стравинский, Прокофьев, Шостакович,  далее — Кабалевский, Мосолов, Рославец… Потом их задавили. Но появилась вторая волна — Губайдулина, Денисов, Шнитке… Авангардная музыка возродилась. Их запрещали, им не давали ходу. Но их музыку в профессиональной среде знали все. Эта триада дала толчок поколению поставангарда, в том числе моему другу Виктору Екимовскому – он сейчас секретарь Союза композиторов России, член Правления Союза московских композиторов и Председатель Ассоциации современной музыки в России. Я часто бывал у него в Москве, и он вправлял мне мозги. Благодаря ему я играл очень спорную по тем временам музыку. Тогда ведь многое из классики запрещали. Скажем, я первым в Новосибирске исполнял пьесы классика ХХ века французского композитора Оливье Мессиана. Никто не спорил, что он гений, но названия у его произведений сплошь «непроходные», глубоко религиозные: Двадцать взглядов на Младенца Иисуса», «Рождество Господне», «Образы Слова Аминь» и.т.д. Я получал за него шишки, но играл – еще при Брежневе. Исполнял и музыку своих современников, сибирских композиторов Юрия Ащепкова, Андрея Пономарёва, Сергея Кравцова, Олега Иванова, включая самого Екимовского. И до сих пор рад, что ничего не испугался, играл так, как хотел жить. А теперь живу так, как играл в юности. Свободно.

Редакция «КС» открыта для ваших новостей. Присылайте свои сообщения в любое время на почту [email protected] или через наши группы в Facebook и ВКонтакте Подписывайтесь на канал «Континент Сибирь» в Telegram, чтобы первыми узнавать о ключевых событиях в деловых и властных кругах региона.

Нашли ошибку в тексте? Выделите ее и нажмите Ctrl + Enter

ФЕСТИВАЛЬ ДЛЯ ОПЕРНЫХ ГУРМАНОВ | Петербургский театральный журнал (Официальный сайт)

После недолгих минут стремительного разгона среди полей лаванды и подсолнечника сверхскоростной поезд TGV из Марселя останавливается в Экс-ан-Провансе — университетском городе, основанном римлянами еще до нашей эры. Экс восемь веков удерживал (и только в начале ХХ века уступил Марселю) звание административной столицы. Здесь наиболее живописна средневековая часть города и дома провансальской знати XVII—ХVIII веков. Пройдя от центральной площади со знаменитым фонтаном «Ротонда» мимо ратуши с часами, легко найти старинный «Театр епархии» — центр оперного фестиваля, который в этом году проводился в 61-й раз и был посвящен теме «Опера и миф». Оперы и концерты дают также в городском театре, построенном два года назад в новом жилом районе. С его смотровой площадки открывается самая широкая панорама старинного города. Рядом размещен трехэтажный дворец танца, сквозь его затемненные стекла просматриваются репетиционные классы. Дворец сейчас «облюбовал» Анжлен Прельжокаж. Чуть дальше детская библиотека с примыкающими к ней огромными, в два этажа, макетами книжных томов. На «переплетах» — имена Мольера, Экзюпери и Камю. Напротив библиотеки выставочный зал с экспозицией Пикассо. Великий франко-испанский художник этим летом будто заглянул на фестиваль в Эксе. Шествиями и перформансами с участием детей здесь вспоминали оформленный им в Париже 1916 года балет «Парад», манифест зрелища нового типа, где дерзко смешивались разные жанры искусства.

Вообще французы большие мастера поговорить об искусстве, к чему можно относиться серьезно, как к части их менталитета, а можно и с иронией. Бывает забавно услышать целую лекцию о трактовке той или иной музыки, о мыслях создателя театрального спектакля. И убедиться, что замысел гораздо богаче воплощения. Что же касается истории, то здесь французы фактов не перевирают и вполне адекватно оценивают свои достижения. Ночью после спектаклей по местному телевидению можно было увидеть фильм об истории фестиваля. Легко прослеживалась его эволюция: сначала Экс-ан-Прованс, подобно многим, культивировал оперы бельканто и приглашал для выступлений М. Кабалье, Х. Каррераса, М. Хорн и К. Риччарелли. Затем репертуар стал расширяться в обоих направлениях — за счет произведений эпохи барокко и опер мастеров ХХ века. Наконец, в афишу фестиваля начали включать экспериментальные работы (одна из последних — «Фрекен Жюли» по А. Стриндбергу бельгийца Ф. Бэсманса). Кроме того, в дни фестиваля проходит множество концертов. Как правило, оперные дирижеры дают их помимо выступлений в театрах. Исключение составил в этом году Пьер Булез, который в свое время замечательно дирижировал тетралогией Вагнера в Байройте, но здесь ограничился только концертами.

По всему видно, что в городе не только чтят духовный опыт предшественников, но хотят воспитать новое поколение, приобщая к богатым культурным традициям. Потому интеллектуальный девиз фестиваля «Опера и миф» не случаен, а возможно, и противопоставлен рационализму современных буржуа, которых во Франции (в Провансе в том числе) пруд пруди.

Поэтому странно, что версия оперетты Ж. Оффенбаха «Орфей в аду», которую предложили дирижер Аллен Алтиноглу и режиссер Ив Бонен, рассчитана именно на вкусы буржуазной публики. В программку спектакля устроители заботливо вложили таблицу с генеалогией олимпийского «семейства», чтобы зрители вспомнили, от каких родителей произошли Плутон или Венера. Но таблица оказалась лишней: действие оперетты перенесено в Париж 1930-х годов. В похожих на дорогой ресторан интерьерах пируют и боги. А события напоминают скандал в благородном семействе. За поведением граждан с пристрастием наблюдает Каллиопа с фотоаппаратом и блокнотом (Мари Готро). Именно она воплощает Общественное мнение, которое и во времена Оффенбаха не карало за крупные грехи, но не прощало мелких. По-новому выглядят и другие боги: Амур в кепочке набекрень, похожий на Гавроша (Эммануэль де Негри), Меркурий (Пол Кремази), разъезжающий на велосипеде, Плутон на роликах. Последний, он же пчеловод Арист (Матиаш Видал), не в меру окарикатурен: случайно ему заехали ящиком стола в пах, после чего Плутон, веселя зрителей, начал петь высоким голосом.

Лучше других выглядит Жером Билли в роли Стикса, когда забавно импровизирует на заданную тему из «Орфея и Эвридики» К. Глюка. В стиле хорошей опереточной буффонады сделана сценка с Эвридикой, когда Юпитер надевает старые «летчицкие» очки, перевоплощается в муху и оба исполняют задорный дуэт «Жу-жу-жу». Изобретательно обыгрывается скрипичное соло Орфея, который еще по замыслу либреттистов Оффенбаха был преподавателем музыки. Так что режиссерские удачи в спектакле есть.

Афиша фестиваля.
Фото из архива автора

Замысел постановщиков прочитывается не сразу: Эвридика настолько обаятельней и лучше остальных героев, что они (Орфей — тем более) готовы от нее избавиться. Боги же охотно решают принять Эвридику к себе, сделав вакханкой. Но идея не складывается уже потому, что Паулин Куртен (Эвридика) значительно уступает в сценическом шарме и выразительности как Сабин Рево Аллоне (Юнона), так и Марии Калининой (Венера). Знаменитый канкан танцует не профессиональный кордебалет, а изображают все участники представления, кто как может. Необходимого эффекта не получается и здесь. Возможно, потому, что замысел подчиняется концептуальному решению режиссера, а не стихии музыки. И хотя А. Алтиноглу ведет спектакль очень темпераментно и живо, ему пока далеко до версии дирижера М. Минковского, который в Лионе вместе с режиссером Л. Пеаном и художником Ш. Томасом развернул захватывающее и остроумное музыкальное зрелище, не обремененное серьезными рефлексиями.

Сегодня Марк Минковский уверенно вписался в звездную когорту европейских дирижеров. Бывший фаготист, он осваивал искусство дирижирования у Шарля Брюка в американской музыкальной школе, которая носит имя другого культового французского дирижера Пьера Монте. Минковский еще в возрасте 20 лет создал свой оркестр «Музыканты Лувра» (сейчас они переехали в Гренобль). Сам дирижер признает в себе примесь нескольких кровей и религий. Американские корни у него со стороны матери, польские — от отца. Прадедушку наградил титулом барона еще российский монарх Николай II. Это во многом определяет музыкальные интересы Минковского. Но в интерпретации французской музыки (как старинной, так и современной) у него сегодня, пожалуй, нет конкурентов. В 2007 году Марк Минковский с режиссером Оливье Пи покорил музыкальную Москву постановкой оперы К. Дебюсси «Пеллеас и Мелисанда» в театре имени К. Станиславского и В. Немировича-Данченко.

В Экс-ан-Провансе они же поставили «Идоменея» Моцарта, который в последние годы вообще востребован оперной сценой. Сюжет из эпохи Троянской войны (взаимоотношения царя Крита Идоменея с его сыном Идамантом и двумя влюбленными женщинами) французы перенесли в тревожное время современных событий на Ближнем Востоке.

Еще памятна скандальная постановка Дойче Опер 2006 года, где режиссер Ханс Нойфельс в финале вывел на сцену царя Крита с окровавленным мешком. Из него Идоменей доставал отрубленные головы Посейдона, Иисуса, Будды и Мухаммеда. Таким образом воплощалась сомнительная мысль о том, что в «Идоменее» изображено восстание человечества против богов. Хотя во времена Моцарта подобная идея могла показаться дикой, и финал оперы — появление Посейдона — «deux et machina» — это подтверждает. Боги могут смилостивиться, но не отступить. Не столь радикальна мюнхенская премьера Кента Нагано и режиссера Дитера Дорна. Музыковед Марина Черкашина определяет ее как изображение «превратностей судьбы короля-воина». В спектакле, по ее словам добротном, но местами холодноватом (что свойственно более Дорну, чем Нагано), прослеживается мысль о том, что «любовь и власть — две вещи несовместные».

Спектакль М. Минковского — О. Пи нельзя отнести к категории радикальных, но и традиционным его не назовешь. Скорее претенциозным. Провансальский Идоменей тоже пытается «возразить» Нептуну и однажды даже угрожает богу его же бутафорским трезубцем. Это кажется тем более странным, что морское божество выглядит картинно, никого не трогает, только слоняется по сцене в белом атласном костюме с короной, мешая всерьез воспринимать события как драму современных героев. А ведь рядом существуют вполне реальные «штурмовики» с автоматами. Даже танцы в опере поставлены с использованием движений боевых искусств.

Как и в случае с «Орфеем в аду», музыкальная часть спектакля более выигрышна. Это доказали очень хорошие исполнители, психологически точно воспроизводившие сложные отношения героев: борьбу между долгом и отцовской любовью, женское соперничество, ревность и жертвенность… Из вокалистов был вне конкуренции Идоменей — Роберт Крофт. Наиболее выразительными актерски оказались две полярные женские роли: Электра (Мирей Делунсо) и Илия (Софи Карт Носен). Длинные и статичные арии, в которых Моцарт отдал дань оперному барокко, обе певицы исполняли с максимальной экспрессией, вместе с дирижером приближая оперу к современному слушателю. На этом бы и строить режиссерскую партитуру спектакля. Но Оливье Пи, подобно многим предшественникам, с большой натяжкой пытался придать произведению внешнюю современность. Хотя миф подобных доказательств и не требует. Конечно, прав был генеральный директор фестиваля Бернар Фоккрулл, когда писал в предисловии к фестивальной программе, что за мифологическими персонажами с давних пор скрывались индивиды, легко сопоставимые с современными людьми. Верно и то, что каждая опера, вдохновленная мифом, предлагает новое прочтение, которое приходится добавлять ко всем предшествующим. В бесконечной цепи интерпретаций каждая последующая обогащается, противоречит другой или ею же подпитывается. Но, добавим, не всегда это получается.

Главным противоречием оперы на мифологическую тему всегда остается сочетание эпоса и лирики. Поэтому самым сложным и наиболее масштабным спектаклем фестиваля стала тетралогия Р. Вагнера «Кольцо нибелунга», исполнявшаяся в течение четырех вечеров в новом театре Экс-ан-Прованса. Внешние постановочные приемы отошли в этой трактовке на второй план. Здесь безраздельно властвовал один из самых ярких европейских дирижеров последнего десятилетия сэр Саймон Рэттл, англичанин, возглавивший недавно оркестр Берлинской филармонии. Его вдохновенная трактовка успешно соперничает с самыми известными: в вотчине Вагнера (немецкий Байройт) и в санкт-петербургском Мариинском театре. Рэттл добивается такой гармонии оркестра и вокальных партий, что они безупречно сливаются в один насыщенный мелодический поток. Но режиссура и сценография С. Брауншвейга не столь богаты и выразительны. Наверное, был свой резон в том, чтобы отказаться от сказочно-мифологических атрибутов старинного немецкого эпоса — на сцене нет ни карликов, ни летящих валькирий. Но нет и поэзии, присущей музыке Вагнера. Одев персонажей на подиуме в цивильные костюмы, а волшебные превращения поручив свету (что, пожалуй, умеет делать только Р. Уилсон), режиссер приблизил оперу к концертному исполнению. Сужу по третьей части тетралогии «Гибель богов», которую довелось увидеть.

Весьма уязвимым оказался и актерский состав, особенно женский. Вокалистам в полуконцертном варианте невозможно «спрятаться» за характерный грим или «закутаться» в оболочку воображаемого персонажа. Поэтому тенор Бен Хеппнер, разменявший шестой десяток, хотя и справлялся с партией Зигфрида, но выглядел не доблестным героем немецкого эпоса, а, скорее, канадским лесорубом, высокорослым, но довольно неуклюжим. На этом фоне выгоднее смотрелись Хаген (солист Мариинского театра Михаил Петренко) и Гюнтер (Герд Грошовски). Но рациональность постановщика, лишившего Вагнера, опять же вопреки музыке, романтического флера, не оставила пространства для творческого воображения. И тем самым лишила внутреннего смысла произведения, которые, по словам Р. М. Рильке, дают зрителю возможность не наблюдать за происходящим со стороны, а погружаться внутрь художественного процесса. Разве не об этой интеллектуальной наполненности оперного зрелища пекутся организаторы фестиваля в Экс-ан-Провансе?

Сентябрь 2009 г.

♫ Пять самых страшных музыкальных инструментов ♫ ИМИ.Журнал

Мы писали о том, что делает музыку для хорроров страшной, теперь рассказываем, с помощью чего она создается. 

---

Терменвокс (Theremin)

Что это

Уникальный инструмент, на котором можно играть без прикосновений, изобретенный в 1920 году советским инженером-электромехаником и музыкантом Львом Терменом. 

Из деревянного корпуса терменвокса выходят две антенны, одна контролирует громкость звука, другая — его высоту. Приближение руки к вертикальной антенне увеличивает высоту звука, а к горизонтальной — уменьшает громкость. 

Терменвокс задумывался для исполнения классической музыки и даже как замена для целого оркестра, однако эти планы не осуществились. Тем не менее на рубеже 1940-х инструмент начали использовать на концертах и в записях американские биг-бэнды, а в 1960-х и 1970-х на нем играли среди прочих психоделические группы Lothar and the Hand People (США), The Bonzo Dog Doo-Dah Band (Великобритания) и даже Led Zeppelin (в песне «Whole Lotta Love»).

Как звучит

Из-за отсутствия физического контакта музыканта с терменвоксом мелодичная игра на инструменте требует особых навыков и повышенного внимания к движениям рук. Однако импровизация на терменвоксе позволяет добиться странного и таинственного звучания. Изобретение Льва Термена, пожалуй, лучше всего подходит для создания завывающих звуков, вызывающих ассоциации как с порывом ветра, так и с чем-то паранормальным.

Где можно услышать

В кино протяжные и зловещие звуки терменвокса стали использовать для озвучивания НЛО и других аномальных явлений в 1950-х годах. Так, инструмент можно услышать в классических научно-фантастических фильмах «День, когда Земля остановилась» (1951), «Оно пришло из далекого космоса» (1953) и «Запретная планета» (1956).

---

Волны Мартено (Ondes Martenot)

Что это

Один из первых электронных инструментов, созданный в 1928 году французским изобретателем Морисом Мартено. Волны Мартено представляют собой нечто среднее между органом и терменвоксом. Инструмент состоит из двух частей: корпуса со специальной проволокой, по которой нужно скользить надетым на палец металлическим кольцом, а также 6-октавной клавиатуры с подвижными клавишами.  

В середине XX века волны использовали композиторы Пьер Булез, Оливье Мессиан, Эдгар Варез, а в наши дни — Джонни Гринвуд из группы Radiohead.

Как звучит

Отчасти как терменвокс, однако возможности волн Мартено гораздо шире, чем у его советского предшественника. Инструмент способен выдавать как мягкие и спокойные звуки в духе классической музыки, так и мрачные потусторонние шумы. Кроме того, подвижные волны позволяют добиваться нервного вибрато, способного резко вывести слушателя из равновесия.

Где можно услышать

В конце XX века загадочное звучание волн Мартено стало известно не только специалистам по академическому авангарду, но и рядовым любителям кино. Инструмент звучит в первых «Охотниках за привидениями» (1984), фантастическом мультфильме «Черный котел» (1985), а также драме «Нефть» (2007).

---

Вотерфон (Watеrphone) 

Что это

Музыкальный инструмент, изобретенный американским художником Ричардом Уотерсом в 1968–1969 годах. Вотерфон состоит из резонаторной чаши из нержавеющей стали (которую можно наполнять водой — отсюда и название) и бронзовых стержней разной длины и диаметра. 

На вотерфоне можно играть смычком, палочками, постукивать по нему пальцами и так далее — зависит от вашей фантазии. Количество воды в резонаторной чаше инструмента позволяет регулировать его звучание, добиваясь тем самым разнообразных эффектов.

Как звучит

В зависимости от способа игры инструмент может издавать как нежные «эмбиентные» звуки, так и жесткий индустриальный скрежет.

Где можно услышать

С конца 1970-х годов вотерфон используют в озвучке хорроров и фантастики — от «Звездного пути» (1979) и «Полтергейста» (1982) до «Чужих» (1986) и «Матрицы» (1999).

---

Бластер-бим (Blaster Beam)

Что это

Созданный в начале 1970-х годов американским художником Джоном Лазеллом струнный электрический инструмент с длинным металлическим корпусом (от 3,5 до 5,5 метра), на который натянуты струны с магнитными датчиками как на электрогитаре. Играть на бластер-биме можно как пальцами, так и любыми подручными средствами.

Как звучит

Богатый спектр глубоких и атмосферных звуков бластер-бима вызывает ассоциации с чем-то жутким и гигантским — например, с обитателями водных глубин или движением звезд и планет.

Где можно услышать

Несмотря на то что бластер-бим создал Джон Лазелл, популяризировал инструмент музыкант Крейг Хаксли, который в 1970-х годах получил патент на необычное устройство. Впервые его «космическое» звучание массовая аудитория услышала в первом «Звездном пути» (1979), саундтрек к которому написал Джерри Голдсмит. С помощью бластер-бима авторы фильма озвучили Ви’Джера — загадочную форму жизни колоссальных размеров, угрожавшую уничтожить Землю.

Кроме того, бластер-бим звучит в фантастических фильмах и хоррорах «Черная дыра» (1979), «Запретный мир» (1982), «Бегство от сна» (1984), «Кловерфилд, 10» (2016) и других.

---

Машина страха (Apprehension Engine)

Что это

В отличие от других инструментов в нашем списке, машина страха была разработана специально для озвучивания фильмов ужасов. В 2016 году инструмент сконструировали канадский композитор Марк Корвен — автор музыки к хоррорам «Куб» (1997), «Ведьма» (2015) — и гитарный мастер Тони Дугган-Смит.  

По словам Корвена, к созданию машины страха его подтолкнуло однообразное и пластмассовое звучание саундтреков к большинству современных ужастиков. 

«Жуткий» инструмент состоит из подзвученного деревянного корпуса, к которому привинчены скрученные металлические линейки, пружины и другие материалы.

Как звучит

Когда слушаешь машину страха, понимаешь, что звучание инструмента не нуждается в какой-либо обработке. Металлические скрипы, скрежеты, шорохи и другие звуки «хоррор-устройства» и без того пробирают до мурашек.

Где можно услышать

Инструмент можно услышать в фильмах Роберта Эггерса «Маяк» (2019) и «Ведьма» (2015). Инструкция по сборке «генератора зла» выложена в открытом доступе.

Российские критики наградили Уральский академический филармонический оркестр

Уральский академический филармонический оркестр под управлением Дмитрия Лисса стал лауреатом ежегодной премии российских музыкальных критиков по итогам сезона 2019/20. Его наградили «за смелость и концептуальность симфонических программ».

Событиями сезона в Екатеринбурге, Петербурге и Москве стали представленные оркестром масштабные и редкоисполняемые партитуры ХХ века — симфония «Турангалила» Оливье Мессиана (1948) и оратория «Плот „Медузы“» Ханса Вернера Хенце (1968). Они вошли в программу V Международного музыкального фестиваля Евразия в Екатеринбурге. Исполнение сложнейших и редко звучащих произведений взбудоражило музыкальное сообщество двух столиц.

Мы гордимся нашими музыкантами и благодарим экспертов, высоко оценивших работу главного симфонического коллектива Свердловской филармонии и его руководителя Дмитрия Лисса. Поздравляем с общероссийским успехом и Симфонический хор Свердловской филармонии под руководством Андрея Петренко, вместе с оркестром представлявшим эти монументальные полотна.  

Журнал «Музыкальная жизнь» так отозвался об исполнении «Турангалилы»: «В центральных частях („Песнь любви II“ и „Радость крови звезд“), с их прорастанием от тонких загогулин пикколо с фаготом в полноценное симфоджазовое ревю, прояснилась стратегическая цель всего этого голливудски-французистого пышноцветья середины прошлого века. В исполнении УАФО оно отдавало шармом мелодий трофейного кино и упертостью в идею многоуровневой — от земли до неба — мировой гармонии». (Елена Черемных)

Газета «КоммерсантЪ» отметила удачу исполнения оратории «Плот „Медузы“»: «Несмотря на некоторую громоздкость выстроенной Хенце конструкции, Дмитрию Лиссу удалось на протяжении часа с четвертью держать зал в напряжении, неуклонно повышавшемся с каждым номером. И при том, как сильно действовали на слушателя в совокупности оркестр, хор, солисты, текст оратории и полотно Жерико на огромном экране (не говоря уже о душераздирающем сюжете), одним из самых впечатляющих моментов стал оркестровый финал — несколько минут чистой музыки, где как будто впервые удалось расслышать непосредственно голос автора. Как оказалось, он убеждает и сегодня.» (Илья Овчинников)

Приз Ассоциации музыкальных критиков вручается с 2015 года за достижения в области музыкального и музыкально-театрального искусства. Среди его обладателей — композитор Леонид Десятников, автор книги «Гендель» музыковед Лариса Кириллина, спектакль «Травиата» под управлением Теодора Курентзиса Пермского театра оперы и балета.

 

Журнал «Что в журнале» Журнал «Журнал» на церемонии вручения премии Olivier Awards

Победители Olivier Awards 2019 с картой Mastercard были объявлены на церемонии в Лондонском Королевском Альберт-Холле, которую организовал Джейсон Мэнфорд. What’s On Magazine в очередной раз пригласили на освещение этой усыпанной звездами красной дорожки.

Come From Away, Company и The Inheritance лидировали, получив по четыре награды каждый.

Come From Away получил премию Mastercard «Лучший новый мюзикл», «Выдающееся достижение в музыке», «Лучший хореограф театра» (Келли Девайн) и премию Королевского Альберт-Холла за лучший звуковой дизайн (Гарет Оуэн).
Джонатан Бейли получил свою первую премию «Оливье», получив за лучшую мужскую роль второго плана в мюзикле за роль Джейми в компании. Компания также получила награду Magic Radio за лучшее музыкальное возрождение, премию Blue-i Theater Technology за лучший сценографический дизайн (Банни Кристи) и лучшую женскую роль второго плана в мюзикле за Патти Лупоне.
Спектакль Мэтью Лопеса «Наследие» стал еще одним крупным победителем в тот вечер, выиграв лучшую новую пьесу American Airlines. Кайл Соллер, впервые выдвинувший свою кандидатуру, получил премию за лучшую мужскую роль за роль в постановке.Фильм «Наследие» также получил премию «Белый свет» за лучший дизайн освещения (Джон Кларк) и премию сэра Питера Холла за лучшую режиссуру (Стивен Долдри).
Восемь победителей были номинантами впервые, в том числе победительница за лучшую женскую роль Пэтси Ферран, победившую за свою роль в фильме «Лето и дым» (который также получил награду за лучшее возрождение Cunard).
Среди других впервые номинированных победителей были Крис Уолли, получивший награду за лучшую мужскую роль второго плана за роль лейтенанта Инишмора, и Кобна-Холдбрук Смит, получивший награду за лучшую мужскую роль в мюзикле за роль Айка в мюзикле Тины Тернер. .

Актриса, которая также получила свою первую премию Оливье, была Моника Долан, которая выиграла лучшую женскую роль второго плана за роль в фильме «Все о Еве».
Лучшая женская роль в мюзикле получила Шэрон Д. Кларк за роль «Кэролайн или изменение».
Хореограф и режиссер Мэтью Борн был удостоен специальной награды от Ее Королевского Высочества герцогини Корнуоллской в ​​знак признания его выдающегося вклада в танец.
На вечере выступили все музыкальные номинанты: Caroline, Or Change; Приходите издалека; Компания; Веселый дом; Король и я; Шесть; и Тина – Мюзикл Тины Тернер.Диснеевский «Король Лев», отмечающий свое 20-летие, открыл шоу специальным спектаклем.
Известная звезда Вест-Энда Беверли Найт выступила во время секции In Memoriam шоу, отдавая дань уважения тем деятелям театральной индустрии, которые скончались за последний год. На церемонии присутствовали
ведущих: Зау Эштон, Джоан Клифтон, Кевин Клифтон, Чарли Кокс, Артур Дарвилл, Дэнни Дайер, Глория Эстефан, Салли Филд, Келси Грэммер, Том Хиддлстон, Джуди Кун, Джек Макбрайер, Кэтрин Макфи, Рич Билл Пуллман, Шейн. , Лейтон Уильямс, «Донна и Динамо» от Мамы Миа (Сара Пойзер, Рики Батт и Кейт Грэм), Дарси Басселл и Ричард. E Grant.

Об авторе

«Come From Away» выиграли исторический лучший новый мюзикл на премии Olivier Awards 2019

Он начался в Sheridan College в Оквилле, Онтарио, стал хитом повсюду, от Великого Белого Севера до Великого Белого Пути, а теперь и любимого канадского мюзикла Come From Away – награжденный призером через пруд.

Прошлой ночью воодушевляющий мюзикл, рассказывающий историю о том, как сообщество в Гандере, штат Нью-Йорк, помогло пассажирам авиалайнера, оказавшимся в затруднительном положении после терактов 11 сентября, забрал домой четыре награды Olivier Awards – британский эквивалент премии Tony Awards – на церемонии Награды Лоуренса Оливье 2019. Come From Away награды : лучший новый мюзикл, лучший театральный хореограф (Келли Девайн), лучший звуковой дизайн (Гарет Оуэн) и выдающиеся достижения в музыке (книга, музыка и слова Дэвида Хайна и Ирен Санкофф; музыкальный руководитель , Аранжировки, Ян Эйсендрат; Оркестровки, Август Эриксмоен; музыкальный директор / музыкальный руководитель Великобритании, Алан Берри; и группа).

И не только награда Come From Away с мюзиклом Company принесла наибольшее количество наград в этот вечер, но и награда за лучший новый мюзикл вошла в историю как первое канадское шоу, получившее эту награду. Согласно CBC , Дивайн, получившая награду за лучший театральный хореограф, «посвятила награду в своей категории жителям Гандера, Нью-Йорк. который в реальной жизни «без особых усилий показал миру, как легко быть добрым.’”

Актеры мюзикла также выступили на церемонии награждения , которая проходила в лондонском Королевском Альберт-Холле.

Конечно, Come From Away – это , которым не привыкать награждать выставочными наградами . Мюзикл, включающий в себя традиционную музыку Ньюфаундленда и впервые поставленный в Шеридан-колледже в 2013 году, получил премию Tony Award, несколько наград Drama Desk и Outer Critics Circle Awards и был номинирован на премию Грэмми за лучший альбом музыкального театра в 2018 году.

Легенда сцены 69-летняя Патти Лупоне вчера вечером также получила премию Оливье за ​​лучшую женскую роль второго плана в мюзикле за роль в компании Company .

Нажмите здесь , чтобы увидеть полный список номинантов на премию Оливье 2019 года.

Эндрю Скотт, Уважаемый Эван Хансен Победа на конкурсе Olivier Awards 2020

Эндрю Скотт. Фото: Леон Беннетт / Getty Images

British Olivier Awards были одними из первых церемоний вручения наград, которые этой весной отложили церемонию награждения на неопределенный срок из-за начала пандемии коронавируса, отменив первоначально запланированную 5 апреля церемонию 17 марта.Однако после того, как прошедшие месяцы доказали, что карантин будет с нами какое-то время, организаторы пошли дальше и в воскресенье, 25 октября, выпустили в эфир предварительно записанный Оливье 2020 года (поскольку кандидатуры этого года были объявлены 3 марта, вероятно, было жестоко заставлять их делать их. больше не волнуйтесь.)

Среди победителей этого года – сам Hot Priest Эндрю Скотт, получивший в этом году награду за лучшую мужскую роль за свою роль в фильме « Настоящий смех ». Его партнерша по фильму Fleabag Фиби Уоллер-Бридж, однако, не получила награду за лучшую женскую роль за главную роль в спектакле, на котором основан ее сериал.Вместо этого Шэрон Д. Кларк выиграла за свою работу в представленной Молодым Виктором преимущественно черной версии сериала « Смерть продавца », шоу, которое также было признано Лучшим режиссером. В прошлом году Кларк выиграла лучшую женскую роль в мюзикле за работу в фильме « Кэролайн» или «Заряд ».

Говоря о мюзиклах, лучший новый мюзикл этого года достался (что еще?) Dear Evan Hansen , а лучший новый спектакль достался Tom Stoppard’s Leopoldstadt . Включая в этом году приз за лучшую мужскую роль в мюзикле за главную роль Сэма Тутти, Дорогой Эван Хансен, , связанный с и Джульеттой , музыкальное пересмотрение печально известной пары Шекспиров через поп-музыку Макса Мартина, и Эмилии , с тремя награждает каждого.Тем временем Иэн МакКеллен привез домой специальный тур Оливье, посвященный его 80-летию, « Ian McKellen On Stage », который он выступал на более чем 80 площадках, чтобы собрать деньги для региональных театров. И это было до COVID-19. Вы можете прочитать остальных победителей конкурса Olivier этого года здесь.

Olivier Awards 2018

Лауреаты премии Оливье (Лондонский театр) были объявлены сегодня вечером на блестящей церемонии в Лондонском Королевском Альберт-Холле.

Мюзикл Лин-Мануэля Миранды Hamilton выиграл семь премий Оливье: Джайлс Терера стал лучшим актером в мюзикле, а Майкл Джибсон получил награду за лучшую мужскую роль второго плана в мюзикле за исполнение роли короля Джорджа. Другие награды были за лучший световой дизайн, лучший звуковой дизайн, лучший новый мюзикл, лучшую хореографию и выдающиеся достижения в музыке. Лаура Доннелли получила премию за лучшую женскую роль в мюзикле за роль Кейтлин Карни в фильме Паромщик в Королевском дворе и в Вест-Энде, а награда за лучшую женскую роль второго плана досталась Дениз Гоф за серию Ангелов в Америке , которая недавно открылась. на Бродвее и первоначально работала в Национальном театре.Брайан Крэнстон получил награду за лучшую мужскую роль в спектакле Национального театра « Network ». Лучшую мужскую роль второго плана получил Берти Карвел, сыгравший в фильме Джеймса Грэма « Ink », который перешел в Вест-Энд после открытия в Алмейде. Грэм также получил премию Оливье за ​​лучшую новую комедию за политическую пьесу Труд любви .

Спектакль Джеза Баттерворта « Паромщик » получил три награды, выиграв лучший новый спектакль и лучший режиссер для Сэма Мендеса, в дополнение к победе Доннелли за лучшую женскую роль.

Ширли Хендерсон и Шейла Атим получили награды за свои выступления в новом мюзикле « Девушка из северной страны », который открылся в Old Vic в прошлом году перед тем, как перейти в театр Ноэля Кауарда.

Всего Национальный театр получил пять наград за свои постановки. Помимо побед Гофа и Крэнстона, Вики Мортимер выиграла лучший дизайн костюмов за работу над фильмом Follies , который также получил награду за лучшее музыкальное возрождение, а Ангелов в Америке и выиграл за лучшее возрождение пьесы.

Ведущей сегодняшнего вечера была Кэтрин Тейт, а в числе специальных приглашенных – Патти Лупоне, Чита Ривера и Куба Гудинг-младший.

Вот полный список лауреатов премии Оливье.

ЛУЧШАЯ НОВАЯ ИГРА
Паромщик в театре Джервуд Внизу в театре Роял-Корт и театре Гилгуд

ЛУЧШАЯ НОВАЯ КОМЕДИЯ
Labor Of Love в театре Ноэля Кауарда

ЛУЧШАЯ НОВАЯ ТАНЦЕВАЛЬНАЯ ПРОДУКЦИЯ
Схема полета от Crystal Pite для Королевского балета в Королевском оперном театре

ВЫДАЮЩИЕСЯ ДОСТИЖЕНИЯ В ТАНЦЕ
Франческа Велику за ее исполнение в постановке Английского национального балета из балета Пины Бауш « Le Sacre Du Printemps » в Sadler’s Wells

ЛУЧШИЕ РАЗВЛЕЧЕНИЯ И СЕМЬЯ
Дик Уиттингтон в London Palladium

ЛУЧШИЙ ДИЗАЙН КОСТЮМА
Вики Мортимер для шоу Follies в Национальном театре, Оливье

ЛУЧШИЙ ЗВУКОВЫЙ ДИЗАЙН
Невин Стейнберг для Hamilton в Victoria Palace Theater

Лучший актер второго плана
Берти Карвел за Ink в театре Алмейда и в театре герцога Йоркского

Лучшая актриса второго плана
Дениз Гоф за серию Ангелов в Америке в Национальном театре – Литтелтон

ВЫДАЮЩИЕСЯ ДОСТИЖЕНИЯ В ПАРТНЕРСКОМ ТЕАТРЕ
Killology в Jerwood Theater Наверх в Royal Court Theater, совместная постановка с Sherman Theater Cardiff

ЛУЧШИЙ ДИЗАЙН НАБОРОВ
Боб Кроули и 59 постановок для Американец в Париже в Dominion Theater

ЛУЧШИЙ ДИЗАЙН ОСВЕЩЕНИЯ
Howell Binkley для Hamilton в Victoria Palace Theater

ЛУЧШИЙ АКТЕР
Брайан Крэнстон для сети в Национальном театре – Литтелтон

ЛУЧШАЯ АКТРИСА
Лаура Доннелли для Паромщик в театре Джервуд Внизу в театре Royal Court и театре Gielgud

ЛУЧШИЙ ДИРЕКТОР
Сэм Мендес для Паромщик в театре Джервуд Внизу в театре Royal Court и в театре Gielgud

ЛУЧШАЯ НОВАЯ ОПЕРНАЯ ПРОДУКЦИЯ
Семирамида в Королевском оперном театре

ВЫДАЮЩИЕСЯ ДОСТИЖЕНИЯ В ОПЕРАХ
Джойс ДиДонато и Даниэла Барчеллона за выступления в спектакле Semiramide в Royal Opera House

ЛУЧШЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
Ангелы в Америке в Национальном театре – Литтелтон

ВЫДАЮЩИЕСЯ ДОСТИЖЕНИЯ В МУЗЫКЕ
Гамильтон – композитор-лирик: Лин-Мануэль Миранда; оркестратор: Алекс Лакамуар в Victoria Palace Theater

ЛУЧШИЙ ТЕАТРАЛЬНЫЙ ХОРЕОГРАФ
Энди Бланкенбюлер для Гамильтон в Victoria Palace Theater

ЛУЧШЕЕ МУЗЫКАЛЬНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
Follies at National Theatre – Olivier

Лучший актер второго плана в мюзикле
Майкл Джибсон для Гамильтон в Victoria Palace Theater

Лучшая актриса второго плана в мюзикле
Шейла Атим для Девушка из северной страны в Old Vic and the Noël Coward Theater

Лучшая актриса в мюзикле
Ширли Хендерсон для Девушка из северной страны в Old Vic and the Noël Coward Theater

Лучший актер в мюзикле
Джайлс Терера для Гамильтон в Victoria Palace Theater

ЛУЧШИЙ НОВЫЙ МУЗЫКАЛЬНЫЙ
Гамильтон в Victoria Palace Theater

Фото Оливера Попа и Тима Бароса

Номинированный на премию Оливье спектакль о жизни и музыке Джуди Гарланд – Rage Monthly Magazine

Тони Ревердитто –

Международный городской театр открывает сезон 30-летия с захватывающей музыкальной драмы о последних днях Джуди Гарланд. Конец радуги Премьера состоялась в Сиднейском оперном театре в 2005 году. Последующие постановки в лондонском Вест-Энде и на Бродвее были удостоены четырех номинаций на премию Оливье и трех номинаций на премию Тони соответственно.

Рождество 1968 года в мрачно забавной пьесе Питера Квилтера. Джуди прячется в лондонском отеле Ritz с женихом номер пять, Микки Динсом, а также своим верным другом и пианистом Энтони. Гарланд хватается за соломинку и считает, что ее шестинедельное выступление в кабаре в лондонском ночном клубе Talk of the Town принесет столь необходимые деньги и спасет ее карьеру.

End of the Rainbow не только рассказывает яркую историю, но и в шоу представлены некоторые из самых запоминающихся песен Гарленда, в том числе «Человек, который ушел», «Приходи дождь или светись», «Песня о тележке» и, конечно же, , «Над радугой».

Уроженка Лос-Анджелеса, Джиджи Бермингем известна прежде всего как актриса телевидения и театра, чьи роли включают Save the Date, Alex & Emma и в новом веб-сериале Kittens in a Cage . Она также является обладательницей премии “Овация” за свое выступление в роли легендарной певицы Марии Каллас в мастер-классе Международного городского театра.

THE RAGE ЕЖЕМЕСЯЧНО В ЧАТАЛИСЬ С GIGI О ЕЕ ТРЕБОВАННАЯ РОЛЬ В КАЧЕСТВЕ Джуди Гарланд:

Вы феноменальный и разносторонний актер. Какая часть до сих пор была вашей любимой и почему?

Моя самая приятная роль, вероятно, была Мария Каллас в Мастер-классе . Моя сольная пьеса, Non Vital Organs , была не менее приятной. Это повествование, в котором мне довелось сыграть всех персонажей. Я написал это для себя, что, если подумать, казалось мне невыполнимой задачей.Но я смог оказаться на высоте, и это было одновременно и страшно, и приятно.

Когда вы приближаетесь к этому легендарному персонажу, какой элемент в личности Джуди вам кажется наиболее близким?

Многое, хотя наша жизнь была совсем другой. Ее гиперчувствительность к тому, что думают люди, и ее волна ощущения, что «все в порядке», когда она была на сцене… ценились там, а не где-либо еще. Пребывание на сцене было для нее возможностью свободно выражать себя и чувствовать, что ее понимают и принимают.

С другой стороны, что, по вашему мнению, является самым большим препятствием на пути к роли?

Похоже на нее, похоже на нее, двигается, как она; внешность и мимикрия – вот что я считаю чрезвычайно сложным.

Что вы делаете, чтобы подготовиться к роли?

Смотрю ее концерты, телешоу, фильмы и читаю биографии. Еще я много слушаю, как она пела.

Есть отличный сборник песен, есть ли у вас любимые песни?

Наверное, «Человек, который ушел.«Мне нравится, как она поет, и ты просто чувствуешь ее боль. Я надеюсь стать уязвимым таким же образом, когда пою ее перед публикой.

Котята в клетке – это веб-сериал, в котором вы участвуете, и, насколько я понимаю, вы играете «матрону?»

Он еще не выпущен, но я очень взволнован, потому что я видел предварительный просмотр всего этого, и это абсолютно, безумно истерично. Это начало жанра «женщины в тюрьме» 1950-х годов, и снимать его было так весело.Я люблю своего режиссера Джиллиан Арменанте, блестящую актрису, которая в году только что с корабля. Я играю матрону с крюком вместо руки, и все это мерзко, в очень забавной форме.

Я люблю спрашивать актеров, какую роль мечты вы надеетесь сыграть когда-нибудь?

Я говорил это так много раз, что не знаю, случится ли это, потому что я нахожусь на грани возраста, но я хочу выполнить Who’s Afraid of Virginia Woolf . Это или Аманда Вингфилд в The Glass Menagerie .

Конец радуги запускает Среда, 18 февраля – воскресенье, 15 марта в International City Theater в Центре исполнительских искусств Лонг-Бич, 300 East Ocean Boulevard. Чтобы получить билеты и дополнительную информацию, позвоните по телефону 562.436.4610 или посетите: internationalcitytheatre.org .

Daft Punk – фиолетовый ЖУРНАЛ

Дафт Панк

Daft Punk надевает на заказ маски Saint Laurent от Hedi Slimane, костюмы и перчатки Le Smoking

звуковой пейзаж

Интервью и портрет ОЛИВЬЕ ЗАХМ

Я встретил Ги-Мануэля де Омема-Кристо и Томаса Бангалтера из Daft Punk в Chateau Marmont за день до всемирного релиза «Воспоминаний с произвольным доступом. «Они говорят, что это их самый амбициозный и сложный проект, и что они впервые записывают все вживую с участием таких известных музыкантов, как Нил Роджерс и Фаррелл Уильямс.

Как бы эти талантливые и плодовитые музыканты ни любили прятаться за своими масками, они честны и откровенны в отношении того, что нужно для создания альбома, который является одновременно экспериментальным и популярным на международном уровне. Как это возможно в мире расчетливого промышленного конформизма?

OLIVIER ZAHM – Daft Punk уже 20 лет! Думаю, это важная запись для вас.
THOMAS BANGALTER – Мы занимались этим 20 лет и работали над этим пять лет, так что да, это важно, потому что работать над одним и тем же художественным проектом в течение пяти лет – это немного навязчиво и немного безумно. Это не совсем нормальное положение вещей. Самым важным было то, что мы делали то, что хотели.
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Может быть. Важно было сказать себе, что через 20 лет кажется важным сделать что-нибудь подходящее. Мы не могли бы сделать другой альбом.Мы знали, что нам тоже ничего не гарантируют.

OLIVIER ZAHM – Ребята, вы понимаете, насколько вы успешны? Как оставаться креативным после такого успеха? Это сбивает вас с толку или меняет вашу точку зрения?
THOMAS BANGALTER – Скорее кажется, что мы создали что-то случайно, что имело большой успех. Так что теоретически у нас могли бы быть большие головы, но мы только что сделали компакт-диск, и это самый амбициозный, далеко идущий и сложный проект, который мы когда-либо делали. Как какой-нибудь кинорежиссер, который через 10 или 20 лет начинает делать более сумасшедшие проекты – в поп-музыке такое случается нечасто.Мы заметили в роке определенную буржуазную тенденцию: лучшие записи часто оказываются первыми. Затем, по прошествии 20 лет, художнику уже не о чем говорить. Многие застревают в своем успехе, живя в гигантском доме и без пылающей ярости с самого начала. Точно так же, если вы посмотрите на писателей, хореографов, художников, джазовых музыкантов, классических музыкантов или режиссеров, добившихся большого успеха, они, похоже, не следуют тому же образцу. В нашем случае мы создаем музыку визуальным, гипер-кинематографическим способом.

OLIVIER ZAHM – Ваш успех послужил трамплином для столь амбициозного проекта? Вы говорили своим друзьям усилить его?
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – В самом начале, когда нам было 17, нас вдохновила идея создать рок-группу Darlin ’, которая была нашим способом познакомиться с девушками. Это сработало бы лучше, если бы вы были в группе.

OLIVIER ZAHM – Итак, у вас были успехи с девушками?
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Не совсем. Поэтому мы решили продолжать заниматься искусством.Нашей мотивацией всегда было искусство в целом, не только музыка, но и такие фильмы, как фильм Энди Уорхола. Мы познакомились как фанаты кино, потом как общие фанаты музыки, так что продолжали. У нас была страсть к искусству, которая до сих пор движет нами.
THOMAS BANGALTER – Исторически были успешные художники, которые могли превратить свой успех в непрерывные эксперименты, пробовать более безумные и безумные проекты…

OLIVIER ZAHM – Нравится Кристоф Франс? Он начал процесс экспериментов, которого никто не ожидал, работая с музыкальным материалом, который был довольно далек от типичного звучания Кристофа.
THOMAS BANGALTER – Да. Речь идет об экспериментах, чтобы не быть недоступным для основной работы.

OLIVIER ZAHM – Вы чувствуете необходимость откликнуться на массовую аудиторию?
THOMAS BANGALTER – Нет. Спрос наш. Мы сами себе подопытные кролики. Работа похожа на съемку изображений для фильма. Мы сидим в кинозале с пустым экраном и тусклым светом, а затем представляем, что хотим увидеть. Вот как мы творим. Он очень интровертный, может быть, даже эгоистичный, но мы не думаем о своей аудитории.Это своего рода шизофрения, когда мы спрашиваем себя, какую музыку мы хотим слышать, как доставить себе удовольствие. Когда мы были подростками, мы любили Уорхола, «Фабрику», «Бархатное метро», фильмы Пола Моррисси. Возможно, они были немного дилетантами, но они создали глобальную вселенную, культовые вещи, поп-арт, поп-культуру. До сих пор мы могли поделиться этим опытом, используя музыку в качестве вектора. Постепенно наш художественный проект трансформировался – сначала чисто музыкальный, потом визуальный. Наконец, мы выбрали устаревший мультимедийный подход. Итак, мы говорим себе, что создали музыку, которую хотели сочинять, слышать. К счастью, он соединяется с людьми.

OLIVIER ZAHM – Я где-то читал, что в начале 2000-х, после вашего первого большого успеха, вы отказались делать громкие ремиксы и вместо этого сконцентрировались на визуальном аспекте своей музыки, сознательно предпочитая оставаться за пределами звездной системы.
THOMAS BANGALTER – Мы отказались от многих вещей.С самого начала мы сказали, что не будем делать ничего, чтобы добиться успеха. Обычно есть два способа сделать это художественно или иначе: либо вы готовы делать что-нибудь, либо наоборот, вы делаете только то, что хотите. Оба подхода могут работать, хотя мы не стремимся к этим целям.

OLIVIER ZAHM – Когда вы выбрали маски?
THOMAS BANGALTER – Когда мы подписали контракт с нашим первым рекорд-лейблом Virgin 17 лет назад, мы сказали им, что не будем делать фотографии, мы будем оставаться в тени. Люди по связям с общественностью взбесились, заявив, что мы не можем этого сделать, и настаивали на том, чтобы мы играли в игру. Мы даже сказали, что если возникнет проблема, мы не будем записывать с ними запись, что сделаем это сами. Мы блефовали, говоря: «Вот как нам нужно, чтобы это работало, иначе нам это неинтересно».

OLIVIER ZAHM – Как вы поддерживаете целостность и глобальный успех?
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Нам повезло. Мы также были достаточно высокомерны и решительны, чтобы сойти с рук. Когда нам было 18, нам было все равно.Поэтому, когда они предложили нам деньги, если мы не были заинтересованы в проекте, мы не стали его делать. Мы всегда ставим искусство выше денег. Девяносто процентов наших проектов так и не состоялось из-за неподходящих обстоятельств, а оставшиеся 5-10 процентов, которые действительно имели место, – те проекты, в которых мы определили термины – весь процесс – имели чистоту, радикальность и целостность. это радовало нас тогда и сейчас, 20 лет спустя. Это подтверждает нашу художественную строгость. Я думаю, что мы до сих пор не пошли на компромисс, и нас не вводили в заблуждение или не принуждали делать то, чего мы не хотели делать, как это делают некоторые политики, чтобы достичь вершины.

OLIVIER ZAHM – По словам Томаса, это амбициозный альбом, обширный и более сложный. Это были амбиции?
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – На самом деле нет никаких амбиций…
THOMAS BANGALTER – Но были артистические амбиции…

OLIVIER ZAHM – Ваш последний проект – концептуальный альбом? Каждый инструмент, каждый период времени, создает свою собственную атмосферу, возвращающуюся в прошлое, вращающуюся вперед. Он такой открытый, и все это наслоено.
THOMAS BANGALTER – Это хороший способ описать наш новый альбом.Мы думали о чем-то панорамном, в момент, когда поп-музыка немного опустилась и стала меньшим окном. Музыка, которую мы слышим по радио, гораздо более привязана к реальности. Он должен помещаться в клип, на канал, как мелодия звонка. В этом компакт-диске мы хотели разбить форматы и поэкспериментировать с историей поп-музыки. Мы работали с людьми из разных поколений и разного времени, чтобы создать что-то, что не вернулось бы в прошлое. Мы интегрировали элементы того прошлого в сегодняшнюю музыку.Итак, мы работали с Мородером, с Нилом Роджерсом, гитаристом и продюсером Chic…
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – и с песнями Мадонны «Like a Virgin» и «Let’s Dance» Боуи…
THOMAS BANGALTER – и «Upside Down» Дайана Росс…
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – и Duran Duran…
THOMAS BANGALTER – Это отцы-основатели современной музыки. Поскольку мы больше не узнавали себя в музыке, которую слышали по радио, мы решили создать своего рода команду, работая с Джулианом Касабланкасом из The Strokes, с Ноа Ленноксом, певцом из Animal Collective и Panda Bear, и с Фарреллом Уильямсом. …

OLIVIER ZAHM – На разных трассах?
THOMAS BANGALTER – Да, разные коллаборации на разных треках и с бриджами. Например, на треке, где поет Фаррелл, это гитара Нила Роджерса. У нас было много студийных музыкантов, которые работали с Куинси Джонсом над «Триллером», над «Стеной» и барабанщиком Джорджа Бенсона. Идея заключалась в том, чтобы писать танцевальную музыку, но с людьми, теперь, когда компьютеры взяли на себя этот процесс. Речь идет о том, чтобы придать эмоции, чувствительность и элегантность чему-то более глобальному.

OLIVIER ZAHM – Как и в случае с фотографией, оцифровка музыки дает каждому доступ к созданию всего, что он хочет.
THOMAS BANGALTER – Это волшебный трюк, решение которого известно каждому. Каждый – волшебник, поэтому не осталось ни одного выдающегося волшебника. Поэтому мы сделали этот альбом в других условиях. Мы спросили себя, что мы можем сделать в музыкальном плане, чего люди не смогли бы сделать дома. Это должно было показать то, что они не могут создать сами. Что позволяет художнику представить что-то другое? Ваш вопрос о том, что представляет собой художественный проект – это то, что мы постоянно задавали себе, и поэтому на завершение каждого из наших альбомов уходило пять или шесть лет. Мы посмотрели на уместность, законность этого проекта – должно было быть что-то помимо красивой мелодии и стиха. В таком глобальном проекте, как этот, сработает ли символика объединения всех этих артистов и замены цифрового битбокса настоящим барабанщиком? Затем есть визуальная вселенная и изобретение роботов заново … Вы упомянули Кристофа. Исторически сложилось так, что было много моментов, когда у музыкантов была своя точка зрения. В настоящее время преобладание компьютерных процессоров делает человеческую точку зрения несколько слабой.Проблема в том, что вы осознаете это не так, как в других видах искусства.

OLIVIER ZAHM – Кроме рэпа, разве нет? Рок не потерял всей своей креативности. Но в последнее время много позирования и мало музыки. Когда я слушаю рэп на радиостанции Лос-Анджелеса, в словарном запасе, ритме слов и их произношении чувствуется жизненная сила, креативность. Как вы сказали, это человеческое, есть прямое выражение.
THOMAS BANGALTER – Ну, это слова и музыка.
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – В наши дни в некоторых хип-хоп треках больше рок-н-ролла, чем в рок-песнях.У меня сложилось впечатление, что большинство рок-групп обращаются к прошлому, с небольшой группой, возможно, с более акустической, кустарной и импровизированной записью, и это здорово. Интересные вещи случаются во всех стилях. Но в хип-хопе насилие прыгает на вас и более прямолинейно. В то же время крупные радиостанции, которые всего два года назад играли хип-хоп, подхватили транс и электронную музыку, EDM [Electronic Dance Music]. Это действительно популярно здесь за последние два или три года…
THOMAS BANGALTER – Журналисты называли это электроникой, а до этого «французским прикосновением», а до этого техно.Это то, что взорвалось в США за последние три года, на рок-концертах на стадионе и гигантских рейвах, на которые ходят все дети. Это действительно EDM. Теперь они стали менее подрывными и более организованными. Будь то хип-хоп или электронная музыка, куда бы ни пошли дети, именно там вы найдете больше всего энергии. Итак, говоря о массах, верно, что там, где больше действий, больше музыки. Это самый чистый звук в электронной музыке, где крайняя жестокость звуков просто поражает вас в самое живот.Стиль стал нормой: включаешь радио в США или в Париже, и получаешь тот же стиль электронной музыки, те же ритмы и звуки, которые сейчас воспроизводятся на ноутбуке, даже не на синтезаторах. Когда мы только начинали, мы не работали с цирконами – и никогда в студии до сих пор. Мы работали с определенным оборудованием, синтезатором, может быть, сэмплером, микшерной доской. Теперь все это есть на ноутбуке. Мы старались не работать с заранее заданными звуками или музыкальными палитрами. Музыка, созданная с помощью компьютеров, обычно начинается с очень доступных, заранее определенных патчей и палитр, предустановок и фильтров.Они уже очень точны и эффективны. Когда вы делаете снимок на телефон, это прекрасно: все, что вы делаете, это щелкаете мышью – больше ничего не нужно делать. Но как выделить себя как художника? Это законность или уместность художественной точки зрения. Сегодня эти точки зрения широко разошлись.

OLIVIER ZAHM – D Какие технологии подталкивают вас?
THOMAS BANGALTER – Простота процесса подталкивает нас быть более амбициозными и сложными. Нам нужно найти решения.Человеческий мозг любит решать проблемы и находить решения. Фактически, когда у нас их нет, мы их создаем! И они становятся все больше и больше, потому что они нужны мозгу. Это касается и творческого процесса.

OLIVIER ZAHM – А в студии?
THOMAS BANGALTER – Да, это наш первый студийный альбом. Мы все записали. Из заранее записанного звука ничего не вышло. Наша сделка заключалась в том, чтобы создать все. Мы начали работу над альбомом в 2008 году. Мы оба работали над макетами, затем мы остановились на год, чтобы написать музыку к фильму TRON для Disney.Затем, после нашего опыта с TRON, мы снова начали с симфонического оркестра. Нам было очень интересно работать с другими музыкантами над нашей музыкой, поэтому мы вернулись к нашим макетам, но решили использовать их только как отправную точку.

OLIVIER ZAHM – Итак, у вас была база, которую могли бы послушать другие музыканты?
THOMAS BANGALTER – Нет, у нас, по большей части, были записанные партитуры, с треком для барабанщика в определенных разделах и смесью некоторых ранее существовавших слоев и треков, которые мы создали, и музыканты играли над ними.Затем мы удалили первые слои, которые напоминали костыли.

OLIVIER ZAHM – Нравится выдвигать фундамент?
THOMAS BANGALTER – Точно, и восстановление оттуда. Это было немного похоже на документальный фильм Анри-Жоржа Клузо «Тайна Пикассо». В нем Пикассо рисовал на стеклянных пластинах, вы наблюдали, как он создает картину, и из этой картины он решил сохранить, возможно, небо. Затем он рисовал вторую картину поверх первой, а затем перерисовывал ее.В итоге было нарисовано около пяти картин друг на друге, и последняя картина не имела ничего общего с первой. Так мы работали слоями. Это как Вавилонская башня или изысканный труп, знаменитый сюрреалистический словесный коллаж и игра в рисование. В нашей Башне вы будете подниматься по лестнице, постепенно убирая нижние этажи, которые в основном представляют собой строительные леса. Это был действительно замечательный процесс, потому что для нас, музыкантов, было полной фантазией иметь возможность сказать себе, что теперь, когда вы можете записывать целую пластинку на ноутбуке в своей спальне, мы решили поступить так, как поступили продюсеры. 30 лет назад, в духе приключений, который проник в эту музыку.То, что мы воссоздали, довольно искусственно вначале, создало условия для повторного переживания другого музыкального опыта.

OLIVIER ZAHM – Итак, это объясняет название альбома: Random Access Memories .
THOMAS BANGALTER – RAM в компьютере – это оперативная память в единственном числе. Память управляет миром, в котором мы живем, а ОЗУ – это память, используемая процессором компьютера для выполнения определенных задач. Что было интересно, так это идея памяти, а то, что произошло за последние 20 лет, – это цифровая память. Это своего рода каламбур на параллели между человеческим мозгом и памятью компьютера, подчеркивающий, что теперь есть часть мозга, которую мы больше не используем, потому что у нас есть все эти жесткие диски для хранения всего, что мы делаем.

OLIVIER ZAHM – Это объясняет нашу потерю кратковременной памяти из-за того, что мы всегда делегируем полномочия.
THOMAS BANGALTER – Да. Вот как это [показывает на цифровой диктофон]. Без диктофона это интервью было бы совершенно другим процессом.Вам нужно будет записать это, чтобы вы не записали все, и в результате получится смесь того, что вы написали, и того, что помните. С этой маленькой машиной вашему мозгу не требуется ничего обрабатывать или запоминать то, что мы говорим. Это метафора того, как мы живем сейчас как личности, благодаря технологиям, оставаясь на связи с чем-то вроде капсулы, которая постоянно находится в наших карманах, со связями между жестким диском, памятью компьютера и нашим мозгом, все это становится все более и более взаимосвязанным. .

OLIVIER ZAHM – Вы начали с 13 треков. Когда добрались до конца, не пожалели ли вы, что убрали несколько этажей?
THOMAS BANGALTER – Нет, самое приятное – это убрать строительные леса. Когда вы видите собор, покрытый лесами, он такой уродливый – намного лучше, когда леса сняты и все открыто.
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Как форма для торта.
THOMAS BANGALTER – Это немного похоже на волшебство. Вы спросили, как это было сделано.Все строительные леса и наслоения были тем способом, которым мы пришли к нашему окончательному результату.
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Который вначале был неизвестен.
THOMAS BANGALTER – О чем мы вообще не смогли бы догадаться.
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Или план.
THOMAS BANGALTER – Это было похоже на игру с изысканным трупом, в которой вы стираете свои шаги по мере продвижения, и вы начинаете каждый день заново, продвигаясь все дальше и дальше, не зная, где именно.

OLIVIER ZAHM – Разве это не значит, что часть этого находится без сознания?
THOMAS BANGALTER – Совершенно неконтролируемый. Здесь и появляется слово «случайность»: неспособность все контролировать. В начале процесса мы не знали, что это будет новый альбом. Мы только начали заниматься музыкой. Это было чистое исследование, которое в итоге оказалось на диске, с готовым продуктом, чем-то осязаемым – вроде режиссера, который начинает с нуля, каждый день что-то пишет и снимает фильм, продолжая писать сценарий.
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Как Годар. Полтора года назад у нас было так много материала, с таким количеством людей, которые не имели ничего общего друг с другом, так много мест, которые мы записали, так много идей … все началось как Pink Floyd.Это мог быть одиночный трек продолжительностью в час. Мы не знали, чем это закончить.
THOMAS BANGALTER – Это было похоже на пластическую операцию – трудно перестать делать это. Как знать…
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – У меня никогда не было!

Тизер альбома Random Access Memories на бульваре Сансет

OLIVIER ZAHM – Вы упомянули Pink Floyd. Вы – нынешний Pink Floyd?
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Я не думаю, что у нас есть перспектива увидеть, кто мы есть.
THOMAS BANGALTER – Но он уверен, что идея глобального момента, как основного, так и экспериментального, является хорошим примером того, что мы надеялись сделать. Это то, что мы хотели сделать с альбомом.

OLIVIER ZAHM – Музыкальные журналисты что-то об этом говорили?
THOMAS BANGALTER – Нет. Мы объединили множество вещей, чтобы не застревать в одной категории. Мы всегда чувствовали тяжесть прошлого, вес всех альбомов, всех артистов, написавших эти классические мелодии, и то, что артистам нашего поколения трудно уйти от этого авторитета, от такого рода отцовства.

OLIVIER ZAHM – Выбраться из-под ног можно, только создав новую классику.
THOMAS BANGALTER – Да, в остальном все еще существует определенный авторитет поколения – те, кто создал самые амбициозные работы.

OLIVIER ZAHM – Если запись начиналась как концепция альбома, у вас была идея о структуре, длине каждой песни, количестве треков и так далее?
THOMAS BANGALTER – Когда мы начинали, работа и записи были просто для создания музыки, но мы не знали, делаем ли мы сингл, серию треков или трек, который будет длиться час. Совершенно случайно мы сделали концептуальный альбом. Мы сказали, что работа заключается в том, что мы сделали альбом из 13 треков, и каждый из них является частью диска, его место и роль четко определены в соответствии с тем, что мы хотели сказать. Это не просто сборник из 13 песен: каждый трек связан друг с другом, как сцены в фильме.

OLIVIER ZAHM – Вы работали над переходами между треками?
THOMAS BANGALTER – Сначала мы работали в одних и тех же тональностях, затем мы изменили их, но когда мы говорим, что каждый элемент имел свое место, мы также говорили об этом сотрудничестве, поскольку в музыке нас интересуют его контрасты.Когда мы сделали наш второй сингл с «Da Funk» и «Rollin’ and scratchin ’», мы играли с идеей мягкости, чего-то фанкового с одной стороны и чего-то очень жестокого и агрессивного с другой. И именно связь между песнями определяла точку зрения и контраст. Это было самое интересное. Таким образом, даже если треки не связаны между собой полностью, их ассоциация и различие определяют их индивидуальность, что похоже на рецепт, в котором сочетаются курица и мята.

OLIVIER ZAHM – Итак, есть и отдельные треки, и ансамбль.
THOMAS BANGALTER – Вы поняли.

OLIVIER ZAHM – Вы позволите этим вещам появиться сами по себе?
THOMAS BANGALTER – Мы понимаем, что это очень доступно, с треками, которые исторически выглядят в формате поп-музыки, которые можно выпускать как сингл, проигрывать по радио и работать с клипами – и в то же время есть треки которые не подходят для клипов, но, тем не менее, необходимы для альбома.И это правда, что с записями лучшие треки – это те, которые текут прямо в каналы. Остальные – нет. Один с Джорджо Мородером длится девять минут, что выходит за рамки любого формата и не подходит для радио. В то же время это один из самых важных треков на диске – и он немного ближе к альбомам Pink Floyd, таким как The Dark Side of the Moon – он тоже не отформатирован для радио.

OLIVIER ZAHM – Вы видели возможный финал?
THOMAS BANGALTER – Я не знаю финала, но всегда есть такая возможность. Когда мы записывали третий альбом, мы даже не подозревали, что будет еще один. Плохой альбом может все разрушить.

OLIVIER ZAHM – Как и при плохом запуске ракеты, если она взорвется в воздухе, вам действительно не захочется делать это снова.
THOMAS BANGALTER – Когда вы создаете эстетическую микромифологию, когда каждая стадия является дополнительной гранью, если одна из них гниет, это демистифицирует все.

OLIVIER ZAHM – Вы слишком требовательны. Иногда в карьере музыканта бывает менее хороший альбом, а потом следующий отличный.
THOMAS BANGALTER – Да, но, может быть, они менее замучены и не перфекционисты, и им не нужно пять или шесть лет, чтобы сделать запись. Когда ты так работаешь, запись лучше не будет хуже, чем та, которую ты записал шесть лет назад, потому что это будет пустой тратой времени.

OLIVIER ZAHM – Вернемся к маске – неидентичности, которая стала вашей личностью. Ваше отсутствие видимости – это наследие звездной системы?
THOMAS BANGALTER – Мы начали использовать маски, чтобы спрятаться в 90-х. На первом альбоме мы носили пластиковые маски с фольгой на голове.

OLIVIER ZAHM – Это пережиток отношения 90-х?
THOMAS BANGALTER – Да, анонимно. Но это еще не все. В 2001 году, когда мы превратились в роботов, мы хотели сохранить анонимность и создать белую этикетку. Мы хотели сделать что-то более гламурное, как из 70-х, когда были настоящие персонажи и шоу. Была фантастика, что-то вроде супергероя или альтер-эго, у которого есть сверхспособности.Так что это не было антитезой белой этикетке; это был следующий этап. Как будто мы накинули на голову капюшоны, а затем поверх этого капюшона и стирания самих себя создали личность. Фактически, под нашими масками все еще есть капюшон, и он остается там.

OLIVIER ZAHM – Второй шаг в этом отношении – создание фантастики, например персонажей манги или научной фантастики…
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – Это универсальное и вечное.
THOMAS BANGALTER – Он не стареет.Это научная фантастика и тоже загадка. Потому что загадка альтер эго, секрет супергероя – это загадка, вопросительный знак с другим вопросительным знаком. Что нас интересует, так это идея взаимодействия без предоставления ответов и, возможно, добавления других вопросов. Как сказал Гай-Мануэль, это чувственный, чувственный художественный опыт.
GUY-MANUEL DE HOMEM CHRISTO – И очень абстрактная визуальная проекция.
THOMAS BANGALTER – Который можно читать на многих различных уровнях, от довольно простого до очень теоретического и универсального.Это гламурное и в то же время шоу, похожее на мюзикл или цирк, в традициях чистого развлечения и шоу-бизнеса. И мы даже говорим о пиджаках с блестками – что-то несвязное, отсутствие зрелищности – потому что настоящее выступление подразумевает совместное использование, и сейчас все находятся на сцене. Но когда все на сцене, где сцена? В настоящее время все инструменты для творчества являются общими, и каждый является художником, так как же нам определить магическую силу художника по отношению к мировому сообществу художников?

OLIVIER ZAHM – Это сценическое чувство… Вы уловили это спонтанно. Как?
THOMAS BANGALTER – Это потому, что мы очень любим музыку и искусство.

OLIVIER ZAHM – Дэвид Боуи и Led Zeppelin были выдающимися шоуменами.
THOMAS BANGALTER – Да, мы сочетаем зрелищность с художественными идеями, а также с нашей застенчивостью и стремлением к анонимности, а также со всеми неврозами и парадоксами, которые кристаллизуются вокруг всего этого. Люди действительно ценят эту часть нас, потому что она сочетает в себе две вещи: чистое развлечение и сильный характер, не попадая в ловушку поклонения знаменитостям.

OLIVIER ZAHM – Без пошлости.
THOMAS BANGALTER – Voilà, борьба с эмбиентной пошлостью с элегантностью.

КОНЕЦ

Lea Salonga On Theater, Song & Family

Эллис Нассур

Лауреат премии Оливье и Тони, принцесса Диснея, певица и международная концертная звезда Леа Салонга вернулась на Бродвей в захватывающем возрождении оперы Линн Аренс и Стивена Флаэрти «Однажды на этом острове». Это любовный треугольник, действие которого происходит на разоренном штормом Карибском острове, с соблазном тропических ритмов и первых романов. И есть боги – Бог Воды, Мать Земли и Демон Смерти. Салонга, бедный сельский житель по имени Эрзули, переживает самый завидный переход. Она становится Богиней Любви.

Это подходящая роль для любимой уроженки Филиппин, которую в 17 лет вырвали из относительной безвестности продюсер Кэмерон Макинтош и режиссер Николас Хитнер, чтобы сыграть Ким в фильме «Мисс Сайгон» на премьере лондонского Вест-Энда.Действие мюзикла происходит во время войны во Вьетнаме, когда Ким устраивается на работу в дайв-бар, который часто посещают утомленные войной солдаты, мечтающие о том дне, когда они смогут вернуться домой. У нее роман с солдатом из лучших побуждений, который после рождения ребенка хочет вернуть ее в Штаты.

РОДИЛАСЬ ЗВЕЗДА
В одночасье произошла слава и признание критиков. Внезапно она стала «гордостью Филиппин» и национальным достоянием. Однако ничто не могло подготовить Лею Салонгу к судьбоносным событиям – ее роли в фильме «Мисс Сайгон».«Было давление. Что может сравниться с открытием крупного мюзикла в лондонском Вест-Энде и выступлением перед королевой Англии? Но я был дисциплинирован благодаря тому, что много лет играл в театре дома. Культурный шок был большим событием. Со мной была мама, но началась тоска по дому.

«По пути в Нью-Йорк и Бродвей, – продолжает она, – был некоторый страх. Я слышал истории о том, насколько быстро и печально это могло быть. Но как только я вышел из самолета и начал репетиции, я понял, что это мое место.Однако у меня не было жизни. Я снялся в шоу, в котором были сокрушительные моменты, поклонился и пошел домой спать ».

Она благодарит свою мать Лигайю за то, что она направила ее по правильной карьере и жизненному пути. «Мама никогда не слышала слова« невозможно ». Она сформировала мою решимость преуспеть в том, что я хотел делать, и помогла превратить меня в волевого человека. Я верил, что у меня есть талант, и я был готов им воспользоваться, но мама продолжала мне говорить: «Ты должен убедиться, что он у тебя действительно есть.’”

Леа Салонга в Анни

ЭТО РАЗВЛЕЧЕНИЕ
Задолго до того, как стать удостоенной наград актрисой, Леа развлекала публику в клубах и выступала на концертах не только на своих родных Филиппинах, но и по всей Азии и в США. в семь и выпустила свой первый альбом в 10. «Мы продавали мою музыку, переходя из музыкального магазина в музыкальный магазин. Это произошло не в одночасье. Что значит? Затем поступали заказы – больше, чем мы могли себе представить.Примерно в то же время она дебютировала на профессиональной сцене в качестве одной из детей в «Короле и я» Роджерса и Хаммерштейна. За этим последовал ряд мюзиклов, в том числе в роли Анни. Имея бестселлеры, она получила известность благодаря тому, что вела свое собственное национальное телешоу «Любовь, Леа».

Естественно, ее родители подчеркивали важность образования. «Мама сказала мне, что это то, что никто не может забрать, что это повлияет на мой взгляд на вещи.Я также узнал, что интеллект – это еще не все. Если вы хотите добиться успеха, важны подготовка и настойчивость ».

Леа прислушалась к словам матери и начала обучение в предмедицинской школе. Фактически, она хотела быть дерматологом, что могло объяснить ее нестареющую красоту и безупречный цвет лица. Принимая это к сведению, в 1991 году журнал People включил ее в число 50 самых красивых людей мира. «Я счастлива», – говорит она. «Я азиат, но в моей семье есть ген молодости. Я занимаюсь большим делом, занимаюсь любимым делом.Это не похоже на работу, поэтому стресса немного “.

ПРИЗЫВАЕТ ЕЕ КОНФИДЕНЦИАЛЬНОСТЬ
Однако, как она признает, успех все же имел свою цену. «Понадобилось одно, что я ценю – конфиденциальность. Когда я стал старше, мне стало лучше. Мне очень понравилась анонимность Лос-Анджелеса, где мы бывали и где я познакомился с Диснеем ». Она озвучивала песни принцессы Жасмин в «Аладдине», а также главного героя в «Мулан».

Помня о диктате своей матери в отношении образования, она взяла перерыв, чтобы продолжить учебу, изучая философию и европейскую историю в Фордхэмском университете.Тем не менее, она никогда не прекращала петь и устраивала аншлаг в шикарном Café Carlyle, 54 Lower и Town Hall. Однако Бродвей был всегда рядом. Она появилась в «Отверженных» (как Эпонина и Фантина) и в возрождении песни Роджерса и Хаммерштейна «Цветочный барабан». В 2012 году она сыграла одну из главных ролей в Сан-Диего «Старый глобус» в новом мюзикле «Верность», в котором говорится об интернировании американцев японского происхождения в 1941 году после Перл-Харбора. Он получил местную награду за лучший музыкальный фильм, побил рекорды кассовых сборов и продержался на Бродвее четыре с половиной месяца.

Lea Salonga Cinderella Asia Tour 2008

ГЛОБАЛЬНАЯ СЕНСАЦИЯ
Леа всегда поражается тому, как популярные бродвейские шоу принимаются за границей. Одна из ее любимых ролей была в роли Золушки Роджерса и Хаммерштейна, и она отмечает: «За семь месяцев мы сняли пять городов в континентальном Китае, Гонконге, Филиппинах, Сеуле, Сингапуре и Таиланде – все на английском языке». Совсем недавно на Филиппинах она сыграла Гризабеллу в «Кошках» и появилась в «Веселом доме» с большим успехом.

Артистка немного смущается, когда ее называют новаторской актрисой / певицей из Филиппин. «Многие другие, коренные жители или американцы-филиппинцы, положили мне начало!» Она хорошо помнит интенсивные поиски во всем мире роли Ким в «Мисс Сайгон». Последующее безумие, когда она дебютировала в Лондоне (1989), выиграв премию Оливера вместе с партнером по фильму Джонатаном Прайсом, было ошеломляющим. «Я никогда не думала, что выиграю», – объясняет она. Впоследствии она и Прайс повторили свои роли на Бродвее в 1991 году и выиграли Тонис.«Мне было 17, когда я проходила прослушивание в Маниле, – говорит Ли, – 18 лет, когда я приехала в Лондон, и 20, когда мы играли на Бродвее». Тем не менее, ничто не сравнится с воспоминаниями о ее первом прослушивании. Салонга пришел подготовленным. Она знала песни. Когда она закончила, они нашли свою Ким!

СЛЕДУЮЩЕЕ ПОКОЛЕНИЕ
Кажется, в семье Salonga музыка течет. 11-летней дочери Николь может быть суждено пойти по стопам мамы. Выступает в школьных спектаклях с пяти лет, она скрипачка в школьном оркестре и получает стипендию от Kids Act Philippines.Также она выступала сольно на некоторых концертах. Недавно она завершила свою первую профессиональную роль – сыграла Алису в манильской постановке «Матильды». Салонга говорит: «Подожди и посмотри. Она любит петь, но может быть склонна к изобразительному искусству. Мой муж был настоящим художником, когда был моложе, и у нас есть двоюродные братья, аниматоры и иллюстраторы. Это тоже в ее генофонде “.

Имея место наставничества на Филиппинах в The Voice, ведя газетную колонку, расписание концертов и будучи мамой, как она нашла время, чтобы вернуться на Бродвей в «Однажды на этом острове», где она собирается играть до июня.«Вы выкладываете время, особенно когда это то, чем вы хотите заниматься», – объясняет Ли. «Я впервые участвую в шоу, но долгое время оно было моим любимым. Когда меня спросили, я не видел, как упустить возможность ».

Леа Салонга в Once On This Island

BROADWAY’S SWEETHEART
Ведущий продюсер Once On This Island Кен Дэвенпорт отмечает: «Ли – принцесса Диснея, а также актриса Тони и Оливье, не говоря уже о том, что она вдохновляет окружающих, особенно молодых девушек. мир.Для меня ее голос – это то, как звучит любовь. Она идеальный выбор для нашей Богини Любви! »

Ли говорит, что мюзикл заслуживает интимной обстановки. «Но не ждите подражателя оригинала. Когда вы входите, действительно чувствуете, что оставили Нью-Йорк позади и оказались в тропиках. Дизайн – отличный способ рассказать его очаровательную историю ». Музыкально в шоу всего пять участников. Однако большую часть музыки создают актеры, которые собирают битое стекло и предметы, перемещенные штормом, и создают из них инструменты.По словам Ли, выступление в раунде открывает новое измерение истории, поскольку актеры часто входят в аудиторию, вовлекая участников в историю.

Жизнь Ли безостановочная. У нее и ее 14-летнего мужа Роберта Чиена есть дома здесь и в Маниле. Мы задавались вопросом, учитывая все путешествия и работу, как вам удается удержаться вместе? Ли объяснила: «Это трудно, только если вы двое не понимаете, что вас ждет. С самого начала у меня не было ничего, кроме благословения и поддержки Боба.Я никогда не смогу забыть, когда он сказал мне, что я могу вдохновлять людей, и он никогда не отнимет у меня этого. Я вышла замуж за правильного парня! »

Леа Салонга издавна считалась сокровищем, и не только на Филиппинах. У нее очень преданные поклонники. «И, конечно же, на концертах фанаты хотят слышать песни Диснея. Моя цель – быть лучшим представителем своей страны, насколько это возможно ». Она сделала это великолепно и покорила наши сердца!

---

Эллис Нассур пишет о развлекательном бизнесе.Он ветеран The New York Times, New York Daily News и Playbill; автор окончательной биографии «Хонки Тонк Ангел: интимная история Пэтси Клайн» и популярного ревю «Всегда, Пэтси Клайн».

No related posts.