30 самых влиятельных современных художников

Современное искусство отражает мир и создает неизгладимое впечатление, которое влияет на многие годы вперед. К категории современное искусство можно с уверенностью отнести произведения искусства, созданные во второй половине 20-го или в 21-м веке.

По мере того как время идет те, кого мы называем современные художники сегодня, оставят после себя прочное наследие, на которое мы будем оглядываться на завтра. Здесь вы найдете актуальный список самых известных современных художников.

Самые известные современные художники

30. Лю Сяодун

Лю Сяодун (Liu Xiaodong) родился в 1963 в Китае. Он один из самых известных современных художников Китая. Родился в 1963 году. Покинул Цзиньчэн, чтобы заняться искусством в Пекине. Лю поступил в Центральную академию изящных искусств, где получил степень бакалавра, затем и магистра. Он до сих пор живёт в Пекине и в настоящее время является профессором.

Сяодун — фигуратор, пишущий на темы простых людей, работников секс-бизнеса и бездомных. Его современная живопись черпает вдохновение в своём окружении, но его работы часто изображают социальные проблемы, которые он подчеркивает в своих произведениях в таких местах, как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай. Лю Сяодун создает чрезвычайно реалистичные работы, используя цвета для усиления эмоций.

Художник выставлялся на международном уровне и представлен рядом галерей.

29. Такаши Мураками

Такаши Мураками (Takashi Murakami) родился в 1962 г. в Токио, Япония. Он был отмечен и, одновременно, раскритикован за его культурно насыщенный стиль современного искусства. Его критики утверждают, что он «распродает» искусство, применяя коммерческий подход к искусству и создавая стиль псевдо-японской поп-культуры.

Отталкиваясь от обзоров, Такаши Мураками становится знаковым вкладчиком в современное искусство с его придуманным стилем под названием «superflat», который является теорией, основанной на плоских, 2-D образах японского стиля манги и аниме. В 2002 году Такаши Мураками получил приглашение от Марка Джейкобса, дизайнера Louis Vuitton, для сотрудничества в 13-летнем проекте по воплощению стиля Мураками в фирменный бренд LV.

Мураками имеет обширную коллекцию современной живописи со средними ценами в 1,8 миллиона долларов за работу. Его рекордная картина продана на аукционе за 4,2 миллиона долларов, называется «Замок олова» (1998). Хотя искусство Такеши высоко ценится, среди его катин можно найти работы начального уровня, стоимостью в 30 000 долларов.

28. Сесили Браун

Сесили Браун (Cecily Brown), родившаяся в 1969 г. в Лондоне — британский художник. Она создает яркие, атмосферные изображения и сравнивается с Виллемом де Кунингом и Фрэнсисом Бэконом. Работы Сесили Браун часто наполнены эротическими позициями и фрагментированными телами. Критики смешаны во мнениях о ее работе, но она, безусловно, присутствует на арт-рынке. Аукционный рекорд в 2,2 миллиона долларов.

27. JR

JR родился в 1983 г. во Франции. JR art — это мятежная фотография с неподтвержденной личностью, который постоянно рискует, чтобы поделиться своими фотографиями. Художник признан за свои потрясающие портреты и уличное искусство.

В 2011 году JR получил премию Теда (награда для людей, творческих и смелых, желающих изменить мир) и основал проект Inside Out. Премия присудила ему 100 000 долларов США в поддержку его проекта, и JR продал еще 6 фотографий за 850 000 долларов США, чтобы выделить больше средств для помощи начинающим местным художникам. JR продолжает вдохновлять и превосходить всех в своей области. У него невероятный уровень продаж, почти 80%, что дает ему около 600 000 долларов в год.

26. Аниш Капур

Аниш Капур (Anish Kapoor) родился в 1955 г., в Бомбее, Индия. Он популярный современный британо-индийский художник, известный своими абстрактными скульптурами и картинами, которые не один раз приносили ему престижные награды. Капур был удостоен премии Тернера (1991), он кавалер Ордена Британской империи (2003) и рыцарь (2013) за его вклад в изобразительное искусство. В дополнение к известным общественным скульптурам, Аниша Капура также создал множество экзотических пластин с заманчивыми цветами.

Творения Аниша Капура, кажется, бросают вызов границам пространства и доводят ограничения архитектуры до невообразимых крайностей. Цена современного искусства Аниша Капура колеблется от нескольких тысяч долларов до миллионов. Многие из скульптур Аниша Капура Без названия были проданы на аукционе в среднем за 1,4 миллиона долларов.

В целом, чистая стоимость работ Капура оценивается в 180 миллионов долларов, что поместило его 832-м из 1000 самых богатых художников 2016 года.

25. Микель Барсело

Микель Барсело (Miquel Barcelo) родился в 1957 г. в Испании. Он художник с экспериментальным подходом к живописи. Независимо от того, что он использует в текущей картине — отбеливатель, органические вещества или даже живых насекомых, творчество неэкспрессиониста Микеля Барсело исследует разложение, свет и естественный ландшафт.

«Мне нравится изобретать новые методы, я думаю, что это часть моей работы, изобретать технику — подходящую для всего. Я родился в Испании, учился в Школе декоративных искусств в Пальма-де-Майорке и в Школе изящных искусств в Барселоне».

Работа Микеля Барсело является одновременно абстрактной и церебральной, о чем свидетельствует широкий спектр картин, керамики и инсталляций. В 2011 году художник выставил свою скульптуру «Великий слон» (2008) на нью-йоркской Юнион-сквер.

В настоящее время живет и работает между Парижем, Франция, и Майоркой, Испания, работы художника хранятся в частных коллекциях всего мира.

24. Нджидека Акунили Кросби

Нджидека Акунили Кросби (Njideka Akunyili Crosby) родилась в Нигерии, училась в колледже Свартмор в США, где изучала биологию и студийное искусство, после окончания Йельского университета получила степень магистра.

Акунили Кросби исследует культурную гибридность через множество отсылок к творчеству различных художников. Нджидека создает современные картины о себе, своей семье и друзьях.

23. Ло Чжунли

Ло Чжунли (Luo Zhongli) — художник, известный своими портретами рабочих из сельских районов своей страны. Его знаменитая работа — «Отец» (1980) — портрет морщинистого пожилого мужчины. Ло Чжунли посвятил своё творчество фермерам, символизируя, тем самым, начало времени людей.

Родился в 1948 году, Китае, учился в Сычуаньском институте изобразительных искусств. Затем отправился в Бельгию, где получил степень магистра в Королевской академии изящных искусств в Антверпене. Его работы были выставлены в городах по всему миру. В настоящее время художник живет в Китае. Его картины хранятся в коллекциях Национального художественного музея Китая в Пекине, Шанхайского художественного музея и Сингапурского художественного музея.

22. Лю Вэй

Лю Вэй (Liu Wei) родился в 1965 г. в Китае. В настоящее время живет и работает в Пекине, Китай. Художник исследует социально-политические тенденции 21-го века, такие как противоречия современного общества, трансформация развивающихся городов и изменение городского ландшафта.

Лю Вэй использует найденные материалы, чтобы извлечь новые из них значения. Лю Вэй использует в своих произведениях архитектурные формы. Он пытается сослаться на свое городское окружение. Художник окончил Национальную академию изящных искусств, Ханчжоу, Китай в 1996 году.

21. Шон Скалли

Шон Скалли (Sean Scully) — американский художник. Родился 30 июня 1945 года в Ирландии. Он уехал в Лондон, чтобы изучать искусство в Центральной школе искусств и Кройдонском колледже искусств. В 1972 году получил степень бакалавра в Университете Ньюкасла.

Он известен всему миру своими абстрактными картинами, состоящими из множества слоев и чередующихся цветных квадратов или полос. Работы Шона не имеют какого либо второго дна или отсылки к чьему либо творчеству. Он рисует из конкретных воспоминаний о местах и ??событиях.

«Из моей студии, к югу от Мюнхена, я часто езжу на машине в Венецию. И по дороге собираю впечатления от этих поездок, которые потом оформляю в студии. Я часто рисую воспоминания о Венеции в своих произведениях.

Скалли уехал в Соединенные Штаты в 1975 году. Он живет и работает между Нью-Йорком, Барселоной и Мюнхеном. Его работы хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Национального музея королевы Софии в Мадриде и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

20. Джордж Кондо

Джордж Кондо (George Condo) родился в 1957 году. Работа Джорджа Кондо наполнена персонажами. У его персонажей выпученные глаза, выпуклые щеки. Опираясь на самых разнообразных мастеров современной живописи — таких как Пабло Пикассо, Диего Веласкес, Анри Матисс и Сай Твомбли — Кондо впитывает художественно-исторические источники. Джордж Кондо создает изобразительный язык. Некоторые говорят, что язык характерен для него, другие не согласны.

Джордж Кондо называет свой сюрреалистический стиль «психологическим кубизмом».

Он эксплуатирует человеческие недостатки или невидимые аспекты человеческого существа. В абстрактных работах Джорджа Кондо, таких как «Внутреннее пространство» (2005), исследуются самые далекие крайности человеческой психики.

19. Чжоу Чуня

Чжоу Чуня (Zhou Chunya) родился в 1955 году в Чунцине, Китай. В 1982 году поступил в Сычуаньскую Академию изящных искусств. В 1988 году поступил в МИД Кассельской Академии изящных искусств в Германии.

«За границей я принял западные методы современной живописи и был вдохновлен немецким экспрессионизмом. Он использует его вместе с традиционными китайскими техниками каллиграфии. Чжоу Чуня — художник, известный своей серией картин «Зеленая собака». Чжоу Чуня изображает ярко-зеленую немецкую овчарку в разных позах и условиях. Его серия пейзажей № 5 выглядит почти абстрактно. Мазки напоминают древние китайские пейзажи.

Сегодня работы Чжоу Чуни можно найти в коллекциях All Show Art Center и Центра современного искусства Tang в Пекине. В настоящее время Чжоу Чуня живет и работает в Чэнду, Китай.

18. Чжан Сяоган

Чжан Сяоган (Zhang Xiaogang) родился в 1958 году в Куньмине, Китай. Поступил в сычуаньскую Академию Изящных Искусств в Чунцине.

Временами он был вынужден работать на стройке и на других работах, вместо того чтобы изучать живопись, как намеревался. Чжан Сяоган впал в глубокую депрессию, подпитываемую алкоголизмом, что, в конечном итоге, привело к его госпитализации в 1984 году. Он живет и работает в Пекине, Китай. Чжан Сяоган — выдающийся представитель современного китайского Авангарда. Его сюрреалистические портреты выполнены в гладкой масляной краске.

Работы поддерживают формальную и жестко поставленную эстетику. Чжан сосредоточен на последствиях культурной революции, значении семьи, истории и памяти в Китае сегодня. Чжан Сяоган был вдохновлен на создание своей серии «Bloodlines», когда обнаружил старый альбом своей семьи. Серия «Bloodlines» — это работа, которая приесла ему много наград.

Чжан был выставлен в галерее Pace в Нью-Йорке, Венецианской биеннале 1995 года и художественном музее Тэгу.

17. Альберт Олен

Альберт Элен (Albert Oehlen) родился 17 сентября 1954 года в Крефельде, Германия. Поступил в Колледж изящных искусств, где в 1978 году получил высшее образование. Свою первую персональную выставку он провёл в 1981 году в «Galerie Max Hetzler» в Берлине. С 2000 по 2009 год Альберт Элен работал профессором в «Kunstakademie Dusseldorf».

Альберт Элен — влиятельный современный художник. Он работает в различных техниках и стилях. Его интерес — исследование среды как жанра. Альберт Элен прошел путь от абстракции до реализма, часто создавая пародии или имитации традиционных моделей живописи. Серия «Bad Paintings», замечательная работа включает в себя портрет Адольфа Гитлера 1986 года. «Albert Oehlen Computer Paintings» занимается исследованием абстрактных образов, полученных с ноутбука. Он живет и работает в Бюлене, Швейцария.

Работы Элен находятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея современного искусства в Страсбурге и Музея искусств Кливленда.

16. Марк Брэдфорд

Марк Брэдфорд (Mark Bradford) родился в Лос-Анджелесе в 1961 году. В 1997 году поступил в Калифорнийский институт искусств, после окончании которого получил степень магистра.

Его работа показывает злодеяния и борьбу рас и бедности. Марк Брэдфорд — современный афро-американский художник. Он работает в широком диапазоне концептуальных практик. Марк Брэдфорд создает мультимедийные абстрактные картины. Художник изображает раскопки эмоциональной и политической местности. «Я сосредотачиваюсь на деталях, которые указывают на большую вещь». В 2017 году Марк Брэдфорд представлял павильон Соединенных Штатов на Венецианской биеннале со своей работой «Завтра другой день»». Он живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Сегодня работы художника хранятся в музее Хиршхорна и в Саду скульптур в Вашингтоне, округ Колумбия, в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в галерее Тейт в Лондоне и в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе.

15. Джон Керрин

Джон Керрин (John Currin) родился в 1962 году в Боулдере, Колорадо. Вырос и учился в Коннектикуте. Получив степень бакалавра искусств в Университете Карнеги-Меллона в 1984 году, Джон Керрин отправился учиться в Йельскую школу искусств. Он принимал участие в выставках в штаб-квартире «Sadie Coles» в Лондоне и в галерее «Gagosian» в Нью-Йорке. Джон Керрин живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк. Его жена иногда служит моделью для его картин.

Джон Керрин считается одним из самых влиятельных художников, работающих сегодня. Он сочетает в себе приемы художников Северного Возрождения. «У меня сатирическое отношение к своему предмету». Художник создает произведения с богатой историей искусства и китчем, как это видно из его картины «День благодарения» 2003 года.

Сегодня работы художника хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

14. Джефф Кунс

Джеффа Кунс (Jeff Koons) родился в 1955 г. в США. Его работы стали заметны в начале 1980-х годов. Он известен своими очень популярными скульптурами, изображающими животных и и других существ. Джефф Кунс освещает художественные сцены своими умными творениями, используя нержавеющую сталь, отполированную до зеркального блеска. Скульптуры Джеффа Кунса называют тревожными, ошеломляющими и сложными, но всегда внушающими иллюзию безупречного совершенства.

«Balloon Dog» (Orange) Джеффа Кунса (Orange), оцененный от 35 до 55 миллионов долларов, был продан участнику тендера по телефону за неожиданные 58 миллионов долларов в 2013 году. Это стало одним из самых продаваемых произведений живого художника. Джефф Кунс также сотрудничал с «Louis Vuitton», в результате цены на аксессуары, созданные при его помощи, варьируются от 585 долларов за брелок до 4000 долларов за сумочку. Оценка Джеффа Кунса была определена рейтингом «Wealth X» в 2008 году в более чем 100 миллионов долларов.

13. Томас Шютте

Томас Шютте (Thomas Schutte) родился 16 ноября 1954 года в Ольденбурге, Германия. Учился в Кунстакадеме в Дюссельдорфе у Бенджамина Бухло и Герхарда Рихтера. Художник живет и работает в Дюссельдорфе, Германия.

С 1998 по 2000 год Томас Шютте был объектом трехчастного обследования в Центре искусств Диа в Нью-Йорке. Он работает с различными средами, печатью, акварелью и инсталляцией. Скульптуры Томаса Шютте варьируются от миниатюр до масштабных общественных работ. Работы часто вызывают беспокойство или дискомфорт. Он исследует роль художника в современном обществе. Его проект «Schutte» возглавил серию архитектурных моделей, среди которых модель для отеля (2003), которая заняла Четвертый постамент на Трафальгарской площади Лондона в 2007 году. Среди его наград-Золотой лев на Венецианской биеннале 2005 года и Дюссельдорфская премия 2010 года.

Его работы хранятся в коллекциях «Tate Modern» в Лондоне, Музее современного искусства в Нью-Йорке и Институте искусств Чикаго.

12. Цзэн Фанжи

Цзэн Фанжи (Zeng Fanzhi) родился в 1964 году в Ухане, Китай. Пошел учиться в Академию художеств Хубэй.

У него появился интерес к живописи немецких экспрессионистов. Пережив культурную революцию, Цзэн Фанжи часто фокусируется на этом опыте в своей работе. Цзэн живет и работает в Пекине, Китай. Современный художник критически исследует меняющееся лицо современной китайской культуры. Его знаковая картина Тяньаньмэнь (2004) является тому доказательством.

Цзэн Фаньжи был предметом большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2013-2014 годах. В 2009 году он представлял Китай на Венецианской биеннале 2009 года. Художник изображает человеческие лица с яркой и живой кистью. Иногда его работы граничат с абстракцией. Цзэн Фанчжи будет часто изображать своих персонажей, увиденными сквозь густые заросли ветвей, толпящихся и затемняющих полотно хаотичным и стилизованным вуалью.

Его картина «Серия масок» 1996 № 6 (1996) побила рекорды аукциона в 2008 году и стала самой кассовой работой современного азиатского художника.

11. Кристофер Вул

Кристофер Вул (Christopher Wool) родился 16 сентября 1955 года в Бостоне, штат Массачусетс. Поступил в колледж Сары Лоуренс и учился в Нью-Йоркской студийной школе.

Кристофер ввёл граффити в свою работу. Так же Кристофер Вул подключил» к своему творчеству шелкографию и малярные валики. Его работы были выставлены во многих учреждениях по всему миру, в том числе в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе, в музее «Gesellschaft fur Moderne Kunst am Ludwig» в Кельне и в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Кристофер Вул в настоящее время живет и работает между Марфой, штат Техас и Нью-Йорком, со своей женой художницей Шарлин фон Хейл. Художник создает контраст в своих работах с помощью жирных трафаретных текстов или абстрактных мазков и белого фона.

10. Дэмиен Херст

Дэмиен Херст (Damien Hirst) родился в 1965 г. в Великобритании. Играет заметную роль на сцене современного искусства с 1990-х годов. Картины и скульптуры Дэмиена Херста известны как неясные интерпретации реальности с неясной одержимостью смертью.

В 2008 году Дэмиен Херст сделал один из самых знаковых шагов для сольного художника, создав целую галерею для «Beautiful Inside My Head Forever». В конце своего шоу на Sotheby’s Дэмиен Херст выставил на аукцион картин на 198 миллионов долларов, став одним из самых богатых художников современности. В целом, Дэмиен Херст занял 422-е место в списке 1000 самых богатых людей в 2016 году благодаря капиталу в 362 миллиона долларов.

Несмотря на заявление Дэмиена Херста о славе и непомерных ценах, ему несколько раз предъявляли иск за плагиат. Тем не менее, эти судебные процессы не помешали Херсту продолжать расширять свои доходы от современного искусства до колоссальных размеров.

9. Ансельм Кифер

Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) — немецкий художник и скульптор. Родился в 1945 г. в Германии. Учился на протяжении всех 1970-х годов.

Его работы включают в себя микс-медиа. Ансельм Кифер разработал темы для своих картин на основе немецкой истории и ужасов Холокоста и духовных концепций каббалы. Ансельм Кифер спорит с прошлым и рассматривает спорные вопросы из недавних историй, например, темы нацистского правления. Его работы отражают готовность противостоять темному прошлому его культуры и нереализованному потенциалу. Его работы имеют подписи и / или имена людей исторического значения, легендарных деятелей или исторических мест. Ансельм Кифер стремится обработать прошлое, будучи связанным с движениями Нового Символизма и Неоэкспрессионизма.

8. Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй (Ai Weiwei) родился в 1957 г. в Китае. Известен своими мощными современными картинами, которые отражают человеческую борьбу как в политическом, так и в культурном плане. Ай Вэйвэй был признан на международном уровне как политический активист и открыто относится к правительству Китая.

В 2017 году Ай Вэйвэй воссоздал популярный образ утопающего сирийского беженца. Это побудило некоторых считать Ай Вейвея сторонником бесчеловечности, в то время как другие утверждают, что он постыдно извлекает выгоду из человеческих страданий. Хотя Ай Вэйвэй подвергается жесткой критике, он продолжает очаровывать мир своими невероятными, культурно-жестокими работами. Две из его наиболее известных скульптур — это «Круг животных», «Зодиакальные головы», проданные с коллекцией золота на аукционах за 4,4 миллиона долларов и бронзовой коллекцией за 5,4 миллиона долларов. Другие произведения современного дизайна, созданные Ай Вейвеем, включают вазу «Coca-Cola» (665 000 долларов на аукционе), велосипеды «Forever» (730 000 долларов на аукционе) и цветные вазы (735 296 долларов на аукционе).

7. Ёшитомо Нар

Ёшитомо Нар (Yoshitomo Nar) — японский художник. Родился 5 декабря 1959 года в Хиросаки, Япония. Художник учился в Университете изящных искусств и музыки префектуры Айти, чтобы получить степень бакалавра и магистра. Также он занимался «Kunstakademie Dusseldorf» в конце 1980-х. Йошитомо Нар живет и работает в Токио.

Он известен своими картинами детей и животных. Эти элементы кажутся одновременно сладкими и зловещими, как видно из работы «Не беспокоить!» 1996. Ёшитомо Нар находился под влиянием массовой культуры как в восточного, так и в западного обществ. Его разносторонняя практика исследует темы изоляции, восстания и духовности с помощью гравюр, живописи, скульптуры, керамики и инсталляций. Некоторые люди неверно истолковывают произведения Ёшитомо Нар как мангу из-за образов, которые обычно рисуют на его картинах. Иногда Ёшитомо Нар говорил, что не многие люди видят духовную сторону его работы. Он заявляет, что его работа наполнена религиозными и философскими соображениями.

Работы художника хранятся в коллекциях Чикагского художественного института, Национального музея искусств в Осаке и коллекции семьи Рубелл в Майами.

6. Ричард Принс

Ричард Принс (Richard Prince) родился 6 августа 1949 года в зоне Панамского канала. Переехал в Нью-Йорк в 1973 году. В настоящее время Принс живет и работает в северной части штата Нью-Йорк.

Ричард Принс известен своим необычным использованием образов. Художник делает фотографии из рекламы, развлечений и социальных сетей. Он исследует идеи вокруг подлинности и собственности. Спорная практика Ричарда Принса вызывает дискуссии об авторском праве, интеллектуальной собственности и воровстве в мире искусства. На Ричарда Принса оказал влияние Виллем де Кунинг в его технике живописи. Он фотографировал рекламные страницы, выявлял типологии и повторяющиеся архетипы. Его серия «Ковбои» (1980–1992, продолжается) была снята с рекламы сигарет Marlboro. В 2014 году художник вновь доказал свою способность вызывать споры. На этот раз над вопросами владения и содержания. Серия «Новые портреты» Ричарда Принса состояла из взорванных скриншотов, сделанных из селфи, опубликованных юношами и девушками в социальных сетях.

Его работы хранятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Чикагского художественного института, коллекции Гетца в Мюнхене и Музея Виктории и Альберта в Лондоне.

5. Георге Виртосу

Георгий Виртосу (Gheorghe Virtosu) родился в 1968 году в Кишиневе, Молдова. Считается одним из самых влиятельных современных художников. Учился в Санкт-Петербургской Академии художеств. Однако он покинул художественную академию для учебы в Академии государственной безопасности. Оставив военную карьеру в 1992 году, он отправился в Лондон, где получил британское гражданство.

Особый интерес он проявляет к абстрактной живописи и письму. В настоящее времи Виртосу живет и работает в Лондоне, Амстердаме, Люксембурге.

Художник пишет, ориентируясь на свой опыт и знания, переводя социальные явления и персонажей в абстрактные.

Он разработал свой собственный стиль, и доказательством тому является серия иконописи «Пророки Мухаммеда» (2016). Художник был центром большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2016-2017 годах. В 2017 году он представлял Великобританию на Венецианской биеннале. Художник освоил абстракцию, однако не отрицает реализм в своей живописи.

Его картина Фатима Бинт Мухаммед (2016) побила рекорды в 2017 году и стала самой кассовой работой современного британского художника. Его работы продаются в 39 странах, и есть в частных колекиях Дмитрия Рыболовлева и Салмана бин Абдулазиза.

4. Питер Доиг

Питер Доиг (Peter Doig) родился 17 апреля 1959 года в Эдинбурге, Великобритания. Переехал в Лондон в 1979 году, чтобы учиться в Уимблдонской школе искусств. Вскоре Питер Доиг получил степень магистра в колледже искусств и дизайна в Челси. С 2002 года Доиг живет в Тринидаде.

Сегодня его работы хранятся в коллекциях Чикагского института искусств, Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, в галерее Тейт в Лондоне и в коллекции Гетца в Мюнхене.

Питер Доиг отмечается как один из самых представительных художников, работающих сегодня. Его картины характеризуются одинаковой ориентацией как на пейзажи, так и на рисунки. Он делает личные ссылки в живописных абстракциях с характерными композициями. Работы Питера Доига — и дневниковые, и универсально значимые. Его практика не разделяет центральной формулы. Он делает картины, используя фотографии в качестве ссылки.

3. Рудольф Стингель

Рудольф Стингель (Rudolf Stingel) родился в 1956 году в Мерано, Италия. Стингель живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.

Он известен с конца 1980-х годов благодаря своей серебряной живопись, в которой смешивает серебро с различными основными цветами. В 1990 году Рудольф Стингель начал тестировать отношения между живописью и пространствами. Он создал серию инсталляций, которые покрывали стены и полы коврами. Сама архитектура действовала как живопись. Рудольф Стингель использует в своём творчестве такие материалы, как резина, ковер, окрашенный алюминий и краски. Художник подвергает сомнению и разрушает понимание зрителем традиционного художественного объекта. В своих работах он часто размышляют над фундаментальными вопросами относительно живописи: таких, как роль подлинности и контекста в современном искусстве.

Рудольф Стингель принимал участие в Венецианских биеннале в 1999, 2003 и 2013 годах и был предметом ретроспективы в середине карьеры в Музее современного искусства.

2. Марк Гротян

Марк Гротян (Mark Grotjahn) — американский художник. Родился в 1968 году в Пасадене, штат Калифорния, затем поступил в Колорадский университет в Боулдере, а затем получил степень магистра искусств в Калифорнийском университете в Беркли.

Художник известен своими абстрактными картинами. Работа Марка Гротяна исследует исчезнувшую точку зрения. Он использует её как катализатор для создания выразительных и ярких картин. Марк Гротян также известен своими скульптурами в маске. Он работает с бронзовыми листами и картонными коробками. В 2008 году у него была единственная выставка «Танцующие черные бабочки» в Гагосянской галерее в Нью-Йорке. Гротян живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Его работы хранятся в коллекциях Музея Молота в Лос-Анджелесе, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Стеделийк в Амстердаме.

1. Фрэнк Стелла

Фрэнк Стелла (Frank Stella)  родился 12 мая 1936 года в Малдене, штат Массачусетс. Стелла поступил в Принстонский университет, а в 1958 году переехал в Нью-Йорк. Он находился под влиянием абстрактного экспрессионизма. Черную живопись Стеллы вдохновила работа Джаспера Джонса 1958-1960 годов.

Художник известен своими геометрическими узорами и формами при создании картин и скульптур. Работы Фрэнка Стеллы изображают типичные свойства формы, цвета и композиции. Абстракция не должна быть ограничена видом прямолинейной геометрии или даже простой геометрией кривой. В них может быть геометрия, которая оказала бы повествовательное влияние, как работы Виртосу, рассказывающие историю с формами. Художник утверждает, что это не будет буквальная история, но формы и взаимодействие форм и цветов дадут вам ощущение повествования. В течение следующих десятилетий Фрэнк Стелла завоевал популярность в мире искусства. В 1970 году он стал самым молодым художником, когда-либо проводившим персональную выставку в Музее Современного Искусства.

Фрэнк Стелла живет и работает в Нью-Йорке, Нью-Йорк.

Его работы хранятся в коллекциях Метрополитен-музея в Нью-Йорке, художественного музея Базеля, художественного института Чикаго.

источник: https://bit.ly/2FboaC7

Похожие сообщения:

ТОП 10 современных художников мира и их картины

Картины самых известных современных художников могу соперничать с классическими полотнами. В них слились воедино новаторство и традиционные способы изображения. Эти шедевры украшают лучшие картинные галереи мира и частные коллекции. Одни полотна «гастролируют» по выставочным залам, другие украшают стены Белого дома и некоторых дипломатических миссий. Их дарят послам и президентам, монархам и кинозвездам.

Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою

Вильям Хенритс (Голландия)

«Сладкий Певец Урбанизма». Примерно так окрестили искусствоведы Хенритса на одной из персональных выставок. Работы известного современного художника из Голландии известны далеко за пределами его родины.

Кто только не пытался запечатлеть старые улочки Амстердама, с его каналами, мостами и улицами «красных фонарей»! Но те, кто знаком с его творчеством, узнают его шедевры и влюбляются с первого взгляда

Акварель, пастель, акрил или масло… Какая разница, чем творить шедевры? Главное, чтобы это было «мега-талантливо», как сказал один из экспертов современной живописи!

Болгарское искусство – Цвиатко Кинчев

Изумительная игра с цветом – так кратко можно охарактеризовать работы одного их самых известных художников современности. Поразительная палитра, продуманная композиция и простые сюжеты для зарисовок из городской жизни.

Ни для кого не сереет, что его шедевры нельзя назвать «полотнами» или «живописью». Он не использует краски и кисти в традиционном смысле. Болгарин в совершенстве овладел секретами цифровой живописи.

Кинчев гениально «творит» в программе Photoshop на своем компьютере. Даже великие современные художники удивляются, как можно подражать манере импрессионистов в цифровом формате?!

Канадская художница Линда Вайлдер

Линда Уайлдер (Вайлдер) выросла среди горных лесов Канады. Красота природы всегда восхищала одаренную девочку, из которой выросла одна их самых известных художниц современности. Ее картины есть в частных коллекциях Канады и в музеях современного искусства по всему миру.

Восхитительные пейзажи, выполненные особой кистью в характерной манере – узнаваемый почерк автора. Размашистые, но точные мазки, удивительно точно подобранные краски и тонко подмеченная игра света и тени создают иллюзию наполненности картин светом. Кажется, что вода вот-вот польется за пределы резной рамки.

Кен Хонг Лунг (Китай)

«Мастер волшебных пейзажей» – так окрестили одного из самых знаменитых современных художников. Эти провинциальные пейзажи, рыбацкие деревни и окутанные утренним туманом горные вершины никого не оставят равнодушным.

Пейзажи одного из самых красивых мест «Поднебесной империи» навсегда поселились в сердце необычайно одаренного Кен Хонг Лунга из Гонконга. Его полотна быстро стали известными за границей. Теперь картинные галереи Китая и Гонконга отстаивают свое право на стационарное размещение его работ.

В конце 70-х он получил американское гражданство, что дало больше свободы в творческом развитии. Но его сердце всецело принадлежит азиатской вотчине.

Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою

Леонид Афремов (Беларусь)

Многие стараются подражать особой манере живописи Леонида Афремова, с размашистыми крупными мазками. В них угадывается влияние импрессионистов, но знаменитый современный художник всегда безошибочно узнаваем среди других репродукций, выполненных всего лишь как жалкое подражание мастеру.

Его полотна одновременно напоминают фейерверк красок, мозаику, вихрь осенних листьев, песню ветра и калейдоскоп из битого стекла. Некоторые молодые художники думают, что и они так смогут, но это всего лишь иллюзия.

Работа маслом и акрилом под впечатлением путешествий – источник вдохновения знаменитого белоруса. Ах, Париж, Париж мечта поэта…

Эжен Джей Папроски (США)

Восхитительная живопись Эжен Джей Папроски из Чикаго удивительным образом трогает за душу с первого взгляда. Путешествия по Европе – источник вдохновения американца, профессионально обучавшегося живописи в профессиональной школе при местном университете.

Секрет его творчества – увлечение полотнами импрессионистов, но его манера отличается от всего, что было известно искусствоведам до него.

Многие частные коллекции и музеи мира охотно приобретают его шедевры. Ценители и просто досужие зрители с удовольствием рассматривают его живописные полотна. Многие сходят к тому, что их не хочется обсуждать, а просто молча рассматривать все мазки и мелкие детали.

Никас Сафронов (Россия)

В списки знаменитых современных художников вошло имя эпатажного светского повесы из России. Никас Сафронов – безусловно, очень талантливый человек.

Сафронов – один из самых высокооплачиваемых художников России. Но он предпочел растиражировать свою одаренность на сомнительную деятельность, делая пародии в стиле классической портретной живописи.

Кто-то с завистью называет его «придворным художником», критикуя портреты первых лиц в подаче Сафронова. Другие «становятся в очередь», чтобы заказать у него свой «особый портрет». В любом случае, о его талантах не спорят.

Такаши Мураками (Япония)

Такаси (Такаши) Мураками – пожалуй, обладатель наиболее незаурядного таланта среди самых известных художников современности. Ему подвластны практически все жанры. Работы этого гениального творца запоминаются с первого взгляда, настолько интересна его игра красок и образов. В большинстве работ просматривается типично японская «мультяшность» и детский оптимизм.

Такаси демонстрирует особый взгляд на мир – борьба живой природы и серого урбанизма. Эта идея находит воплощение во всем, к чему прикасается рука Мураками – от анимации до настоящей живописи. Он предлагает свою версию дизайна бытовых вещей и «подиумной» моды. Во многих странах известные его граффити и инсталляции, керамика и предметы интерьера.

Ло Чжунли (Китай)

Особое дарование Ло Чжунли признают многие, соотечественники из Китая и не менее талантливые художники-современники. Этот портрет деревенской девушки с водоносом называют «Китайской Джокондой»:

Китайские передвижники прообразы для своих гениальных полотен обычно подыскивают не среди горожан, а в отдаленных горных деревнях. Мастер портретной живописи может изобразить едва уловимую эмоцию, тень улыбки и молчаливую просьбу.

Как-то по-особому трогают грустные образы знаменитых современных художников из Китая. Посмотрите, сколько в этих морщинах из «Портрета отца» пережитых трудностей.

Мигель Барсело из Каталонии

Среди лучших работ современных художников мира нередко вспоминают яркое и удивительное творчество Мигеля Барсело. Скептики говорят, что «ничего особенного», искусствоведы твердят, что он «гений современности».

Часто Мигеля приглашают в качестве оформителя престижных международных мероприятий. Он автор панно во Дворце Наций в Женеве. На Пальма-де-Майорка (его родине) кисти художника принадлежит необычное оформление Кафедрального Собора Ла Сеу.

Незаурядный испанец – автор иллюстраций к книгам Родриго Рея Росы, Пола Боулза и классической «Божественной комедии» Данте. Его жизненная позиция – бросать вызов обществу, искусству и себе (в первую очередь).

TOP-30 cамых дорогих художников XX века

Больше, чем искусство, или просто бизнес?

 

 

 

Автор

Поль Сезанн

Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль постимпрессионизм

 Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».

130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах

Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.

Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.

Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.

В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.

Самая дорогая картина в мире


Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани

Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.

 

 

Автор

Джексон Поллок

Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль абстрактный экспрессионизм

Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».

122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.

 

 

Автор

Виллем де Кунинг

Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль абстрактный экспрессионизм

Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.

121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.

С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.

На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей.  Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.

 

 

Автор

Густав Климт

Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль модерн

 Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.

138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.

Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена  аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.

В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.

 

 

Автор

Эдвард Мунк

Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль экспрессионизм

Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».

73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.

Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.

На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.

 

 

«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»

Автор

Пабло Пикассо

Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль кубизм

По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.

130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.

 

 

Автор

Энди Уорхол

Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт

«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.

358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах

Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.

Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.

 

 

Автор

Марк Ротко

Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль абстрактный экспрессионизм

 Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.

206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.

Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.

 

 

Автор

Фрэнсис Бэкон

Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм

Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.

147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».

Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.

 

 

Автор

 Клод Моне

Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль импрессионизм

Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.

210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.

 

 

Автор

 Джаспер Джонс

Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт

В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.

137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.

 

 

 

Автор

Амедео Модильяни

Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм

Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.

65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s

В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.

 

 

 

 

 

Автор

Ци Байши

Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа

Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.

10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian

Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.

 

 

Автор

Клиффорд Стилл

Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм

В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание

79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.

 

 

 

 

 

Автор

Казимир Малевич

Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм

Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат.  «доминирование»).

71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.

 

 

 

Автор

 Поль Гоген

Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм

До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.

93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s

В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.

 

 

 

 

«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»

Автор

Анри Матисс

Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм

В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.

65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s

Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.

 

 

 

 

Автор

Рой Ли

хтенштейн

Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт

Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.

91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

 

Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.

 

 

 

Автор

Пит Мондриан

Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм

Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.

27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s

Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.

 

 

 

Автор

Василий Кандинский

Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм

Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.

275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s

Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.

 

 

Автор

Фернан Леже

Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм

Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу  в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.

 

 

 

 

Автор

Эрнст Людвиг Кирхнер

Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм

Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.

95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s

После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.

 

 

 

 

Автор

Эдгар Дега

Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм

История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.

64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?

 

 

Автор

Хуан Миро

Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стиль абстрактное искусство

Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.

 

89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.

 

 

Автор

Ив Кляйн

Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись

Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.

 

153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.

 

 

Автор

Сэр Лоуренс Альма-Тадема

Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм

Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.

213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.

 

 

 

 

«Портрет спящей обнаженной чиновницы»

Автор

Люсьен Фрейд

Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись

Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.

219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.

 

 

 

 

 

Автор

Хуан Грис

Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм

Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.

5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.

 

 

Автор

Сальвадор Дали

Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм

«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.

 

 

 

 

Автор

Марк Шагал

Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард

Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.

80×103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s

Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.

 

 

 

проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (май-июнь 2013)

Картины современных художников мира 21 века

Модные художники современности создают совершенно иные произведения искусства, в отличие от тех, что писались в прошлые века. Традиционные техники остались все такими же популярными, однако существенно выражено желание экспериментировать с поверхностями и техниками. Наши современники черпают вдохновение в различных популярных жанрах, смешивают их, добавляют индивидуальности и в итоге получают нечто новое, еще не виданное. Их работы дышат свежестью, а сами произведения искусства немного напоминают кино, где соединены реальность и вымысел.

Современные картины в интерьере

Украсить свое жилье или рабочее место произведением великого или как минимум талантливого художника современности – хорошее решение. Картина станет изюминкой интерьера и дополнит атмосферу, которую вы стремились создать.

В народной галерее «Мансарда Художников» вы можете приобрести картину в любом современном стиле. К ним относится:

  • соцреализм;
  • поп-арт;
  • гиперреализм;
  • абстракционизм;
  • минимализм и многие другие.

Популярные картины современных художников – это еще и отличный подарок, который надолго запомнится вашим близким людям и будет напоминать о вас. Особенно удачным подарок окажется в том случае, если вы знаете о вкусовых предпочтениях близкого человека и о его увлеченности творчеством современных художников.

 

По всем интересующим Вас вопросам обращайтесь по телефону: +7 (812) 309-28-38

 

Как подобрать картину для себя или в подарок

Если вас интересуют произведения известных современных художников мира, вам стоит знать, как подобрать шедевр для себя или в качестве презента близкому человеку. Для этого следует:

  • определиться, в какой комнате будет размещена картина – гостиная, спальня или же рабочий кабинет;
  • учесть стилистику и размеры помещения;
  • обратить внимание на цвета – картина может стать ярким цветовым акцентом в комнате или же наоборот, как бы сливаться с оформлением помещения;
  • позаботиться о должном освещении – на картину не должны падать прямые солнечные лучи, иначе она быстро выцветет, но при этом в комнате должно быть достаточно дневного и искусственного света.

И, конечно же, присматриваясь к лучшим картинам известных современных художников 21 века с желанием купить одну из них, стоит ориентироваться на собственные предпочтения. Ведь, в конце концов, не так важно, как картина будет смотреться в помещении, если ее вид просто доставляет вам радость.

Если вам нравятся дорогостоящие произведения искусства от художников с мировым именем, но вы не можете их себе позволить, стоит обратить внимание на качественные произведения созданные современными художниками. Цена в этом случае будет вполне доступной.

Почему галерея «Мансарда Художников»?

Мы не просто познакомим вас с картинами современных художников мира и позволим окунуться в атмосферу творчества и искусства, но и поможем с выбором подходящего полотна. При этом цены у нас одни из самых низких в Санкт-Петербурге, что позволяет нашей галерее полностью оправдывать звание «народной». Обращаясь к нам, рассчитывайте на:

  • широкий выбор произведений искусства от начинающих до известных и модных российских художников 21 века;
  • оперативную доставку картины по Петербургу, а также в любой другой город России и за ее пределы;
  • богатый выбор рам нашего собственного производства (типовые или изготовленные по вашему заказу).

Также у нас много других услуг, к примеру, можно заказать реставрацию картины, написание картины по вашему фото на любом носителе, взять картину домой на несколько дней «на примерку» и т.д. Если у вас есть вопросы, позвоните по указанным контактным телефонам или просто приезжайте к нам в гости. Мы всегда рады видеть гостей, и нам есть что вам предложить.

 

7 ПРИЧИН купить у нас:

 

1. Акции до 35%

2. Более 7000 произведений

3. Регулярное пополнение картин

4. Удобное местоположение

5. Своя Багетная мастеская

6. Реставрация картин

7. Возможность взять картину на примерку

 

Рейтинг самых успешных молодых российских художников возглавил поджигатель деревень Данила Ткаченко

Аналитическое агентство InArt в третий раз подсчитало рейтинг самых успешных ныне живущих российских художников. По традиции рейтинг делится на две части: признанных авторов и авторов молодых.

Если в рейтинге корифеев изменений почти не произошло (наверху списка по-прежнему Кабаковы, Булатов и AES+F), то в рейтинге молодых произошли серьезные перемены. Список впервые возглавил Данила Ткаченко, получивший скандальную известность в 2017 году за свой фотопроект «Родина», во время которого он поджигал заброшенные деревни на Русском севере и фотографировал устроенные им пожары.

Методология

С 2016 года команда InArt при поддержке российских галеристов, коллекционеров, кураторов и самих художников составляет список российских современных художников (от послевоенного периода до нашего времени). В постоянно пополняющейся базе — 1500 имен, которые, как считают создатели рейтинга, войдут в энциклопедию современного российского искусства. Из них более 800 художников — ныне живущие авторы. Для каждого художника командой InArt заведена анкета и заполнена данными из открытых источников (сайт художника, галереи, музея, публикации в прессе, результаты аукционных продаж).

По федеральному закону «О персональных данных №152 ФЗ» данные физического лица могут обрабатываться только с его согласия, поэтому все анкеты были отправлены художникам для проверки точности информации и для получения письменного согласия на обработку данных. Все полученные анкеты загружены на сайт in-art.ru и находятся в открытом доступе.

При составлении рейтинга успешности художников учитывалось: участие в персональных и групповых выставках в галереях и музеях, получение грантов и стипендий фондов, номинации на художественные премии, участие в знаковых художественных проектах, таких как биеннале современного искусства, присутствие в пуле авторов профессиональной галереи, покупка работ в музейные коллекции и продажа на аукционных площадках.

10 художников, которые покорили цвет / AdMe

Яркие пятна, брызги света, искрящийся воздух – эти художники видят мир трогательно красивым и восхитительно цветным.
AdMe.ru предлагает взглянуть на мир глазами этих волшебников. Вашему вниманию подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.

Работы болгарского художника Цвиатко Кинчева в стиле импрессионизма – это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчеркивают красоту и яркость окружающего мира.

Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения – это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всем мире в виде высококачественных постеров и литографий.

Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.
 

Линда Вайлдер – канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин – один из любимых ее инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии – картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя.  Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.

Йохан Мессели живет и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.

Джилл Чарук – современная канадская художница. Двадцать лет творила в индустрии одежды и интерьера. Она обожает утрировать цвета, усиливать контрасты. Ее яркие картины получили международное признание, они есть в коллекциях современного искусства в Северной Америке, Мексике и Европе. Джилл пишет в основном маслом и акрилом.

Леонид Афремов – всемирно признанный художник-импрессионист. Уроженец города Витебска, Республика Беларусь. Художник использует мастихин, работает в основном масляными красками. Вдохновение, по его собственным словам, черпает из многочисленных путешествий. Леонид видит мир ярким, сочным и умеет поделиться своим чудесным видением.

Эжен Джей Папроски родился в Чикаго. Большинство картин импрессиониста написаны на пленэре. Он любит быстро уловить суть, поймать настроение города и выплеснуть точно подмеченную эмоцию на холст. Некоторые картины художника находятся в стенах Белого дома, американских посольствах в Кувейте и Уругвае.

Художники влияющие на развитие современного искусства

Статьи об искусстве – Статьи о искусстве
Автор: Павел Ин   
22.04.2019 14:54

Mark Grotjahn at Blum and Poe

Современное (актуальное) искусство – интригующие художественные практики, которые притягивают к себе взгляды и интерес. К нему относятся произведения, созданные позднее второй половины XX века. Актуальное искусство не просто охватывает мир сегодняшнего дня, оно оказывает влияние на дальнейшее развитие художественных практик.

Многие ошибочно полагают, что оно всегда эпатажное и провокационное, но это не так: его тематический спектр безгранично широк. Современное искусство реагирует на различные проявления человеческой деятельности, что явно отражается в созданных художественных практиках. На сайте о современном искусстве https://www.virtosuart.com вы найдете подробную информацию о 30 самых влиятельных современных художников: https://bit.ly/2FboaC7. В этой же статье расскажем о самых известных художниках.

Самые известные художники современности

Спустя долгие годы современные художники уйдут в историю. Но что они оставят после себя? Многие художники вносят огромный вклад в развитие искусства, оставляя прочное наследие для потомков. Ниже приведены биографии трех наиболее известных и успешных художников современности:

  1. Takashi Murakami. Такаси – самый популярный японский художник. Он придумал собственный стиль «superflat» («суперплоскость»). Критики часто обсуждают его произведения. В 2002 году дом моды Louis Vuitton предложил ему принять участие в проекте по воплощению стиля художника в фирменный бренд LV. В настоящее время у Мураками обширная коллекция живописи, средняя цена за одно произведение – 1,8 миллиона долларов. Самой дорогостоящей является картина «The Castle of Tin Tin», которая была продана за 4,2 миллиона долларов.
  2. Richard Prince. Ричард Принс – американский художник, широко известный публике необычным использованием образов. Он делает фотографии из социальных сетей и рекламы. В начале 1980 годов начал копировать карикатуры со страниц популярных журналов, постепенно добавляя собственные элементы. На специфику его живописи оказал влияние Виллем де Кунинг (лидер абстрактного экспрессионизма). Произведения хранятся в художественных институтах и музеях по всему миру. В 2008 году Ричард Принс сотрудничал с Marc Jacobs при создании весенней коллекции для бренда LV (рисовал монограммы на сумках).
  3. Mark Grotjahn. Марк Гротьян – художник из Калифорнии, получивший известность благодаря своим абстрактным полотнам. Впервые он поразил публику в 2007 году, когда представил на выставке 11 холстов в синих оттенках. Только при внимательном рассмотрении можно было увидеть композиции из монохромных полос. Полосы сходятся в точку, а краска накладывается плотным слоем, в результате чего появляется иллюзия глубины.

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

< Предыдущая   Следующая >
Обновлено 22.04.2019 15:00

Лучшие современные европейские модельеры

Модели представляют свои творения на выставке J.W. Дефиле Андерсона на Неделе моды в Лондоне | © REUTERS / Alamy Stock Photo

Парижская высокая мода, авторитет «Сделано в Италии» и творческие улицы Лондона сыграли свою роль в установлении моды глубоко у истоков европейской культуры. От голландки Ирис ван Херпен до англичанки Стеллы Маккартни — вот список дизайнеров, которые продолжают поддерживать репутацию европейских модных брендов.

Будучи дочерью певца Beatles Пола Маккартни и фотографа Линды Маккартни, Стелла Маккартни обладает творческим потенциалом в своей ДНК. Дизайнер окончила ведущий лондонский университет дизайна Central Saint Martins и, несмотря на многочисленные сомнения критиков, зарекомендовала себя, успешно привнеся женственность и романтику в парижский бренд Chloé. Маккартни оставалась креативным директором до 2001 года, после чего она основала собственный лейбл, отличающийся современным женским дизайном и пошивом, а также этическими ценностями, дружественными к животным.У нее также есть линия женской спортивной одежды в сотрудничестве с Adidas с 2004 года, а в 2012 году она разработала форму для британской олимпийской сборной.

Одним из самых громких имен в мире моды является французский дизайнер-самоучка Николя Гескьер. Получив свою первую крупную работу помощника Жана-Поля Готье, в конце 1990-х он стал креативным директором модного дома Balenciaga. В то время Гескьеру было всего 25 лет, и, превратив лейбл в один из самых востребованных, он сделал себе имя авангардного визионера.Он проработал в доме в общей сложности 15 лет, прежде чем занять свой нынешний пост креативного директора Louis Vuitton, благодаря которому он продолжил укреплять свою репутацию одного из самых влиятельных модных имен нашего времени.

Голландский дизайнер Ирис ван Херпен известна своими футуристическими и инновационными проектами, стирающими границы искусства, технологий и моды. Ее можно сравнить с Александром МакКуином, на чьем лейбле она работала до того, как в 2007 году основала свой одноименный лейбл.Она часто сотрудничает с художниками и учеными, а ее более концептуальные наряды можно увидеть в известных музеях и на выставках. Как концептуальная линия haute couture, так и несколько более удобная линия готовой одежды демонстрируют некоторые из самых прогрессивных на сегодняшний день дизайнов, которые представляют собой результат необычного сочетания традиционных методов и новых технологий.

Модели на подиуме показа Iris Van Herpen | © Matt Crossick / Alamy Stock Photo

В 2017 году британский дизайнер Фиби Фило отказалась от должности креативного директора французского бренда Céline после 10 лет работы в модном доме (к большому разочарованию многих знаменитостей).Ее работы считаются воплощением шика. Говорят, что Фило изменила представление о женской одежде благодаря своей минималистичной эстетике, нейтральной цветовой палитре и удобному дизайну, и она является одним из самых популярных дизайнеров во всем мире. Она также обучалась в Central Saint Martins и пошла по стопам Маккартни, став ее помощником по дизайну в Chloé. Журнал Time назвал ее одной из 100 самых влиятельных людей мира.

Современный европейский дизайнер с самым крутым урбанистическим подходом — Изабель Марант.Французский дизайнер основала свой модный дом в 1994 году, и ее коллекции легко отражают влияние парижской богемы, часто вдохновленной путешествиями и этническими культурами. Она известна аксессуарами, особенно ботинками, а также своими коллекциями готовой одежды. Marant также является дизайнером более доступной линии, состоящей из упрощенных предметов гардероба под названием Etoile. Фирменная эстетика дизайна, одновременно женственного и дерзкого, настолько популярна, что, когда ее коллаборация с H&M была опубликована в Интернете, она обрушилась на веб-сайте и была распродана за считанные минуты.

Хайдер Акерманн родился в Колумбии, но был усыновлен французской семьей и вырос в Нидерландах. Он изучал дизайн в Бельгии в Королевской академии изящных искусств в Антверпене и создал свой лейбл в 2001 году. Подобно Изабель Марант, он создает современную городскую одежду, но в более резком, мрачном и авангардном стиле. Акерманн известен драпировкой, многослойностью и контрастом. Его сравнивали с Ивом Сен-Лораном, и он обращался к дизайнерам многих крупных дизайнерских домов, включая Dior и Martin Margiela, но пока отказался.Карл Лагерфельд даже публично назвал его достойным звания следующего креативного директора Chanel.

Симона Роча — молодой ирландский дизайнер, окончившая в 2010 году лондонский Central Saint Martins со степенью магистра. Она быстро завоевала международное признание и получила множество наград, в том числе Британскую премию моды 2014 года в номинации «Новый дизайнер». Она использует классические элементы с романтическими, но одновременно мятежными поворотами и делает акцент на качестве и деталях.Сначала Симону признали дочерью модного дизайнера Джона Роча, но она зарекомендовала себя как одна из лучших новичков в современной британской моде.

Модели представляют свои творения во время дефиле Simone Rocha на Лондонской неделе моды в Лондоне | © REUTERS/Alamy Stock Photo

Томас Майер — один из самых известных немецких дизайнеров в мире. Помимо собственного одноименного лейбла, он работал в Hermès и до 2018 года был креативным директором итальянского бренда Bottega Veneta.Он разработал как мужскую, так и женскую одежду для бренда и отвечал за его рост и высокий статус, который он приобрел с момента его назначения в 2001 году. Бренд наиболее известен своими высококачественными кожаными аксессуарами, подходом к роскоши без логотипов, и простой, элегантный дизайн. Собственный лейбл Майера разделяет некоторые из тех же ценностей, что и Bottega Veneta, и уделяет особое внимание качеству, сдержанному дизайну и мастерству.

Швед Джонни Йоханссон изначально был гитаристом, но вошел в моду с тех пор, как в 1996 году стал соучредителем Acne Studios.Он начал свою карьеру в качестве дизайнера и креативного директора компании Acne, что означает «Стремление к созданию новых образов», сшив 100 пар джинсов с красной строчкой для своих друзей и семьи. Йоханссон известен своей характерной скандинавской эстетикой и умением легко сочетать современную культуру и городской образ жизни с высокой модой. По сей день джинсовая ткань является важной частью бренда наряду с сезонными коллекциями, но Acne не ограничивается одеждой — есть еще книги, журнал Acne Paper , мебель и выставки.Это один из немногих брендов с непоколебимым культом во всем мире.

Северная Ирландия Джонатан Андерсон запустил свой лондонский бренд J.W. Андерсон в 2008 году с коллекцией мужской одежды. Два года спустя он перешел на женскую одежду и теперь является одним из самых выдающихся дизайнеров Великобритании. Он наиболее известен и высоко ценится за свое современное, постгендерное отношение, большая часть его успеха связана с его способностью ломать границы и исследовать границы между женским и мужским как в его мужских, так и в женских коллекциях.Помимо собственного бренда, Андерсон начал сотрудничать с Донателлой Версаче над лейблом Versus в 2013 году, и он также привнес современный, оживляющий штрих в испанский люксовый бренд Loewe в качестве креативного директора.

Модели на подиуме во время показа J.W.Anderson | © PA Images / Alamy Stock Photo

Хенрик Вибсков — датский художник, музыкант, дизайнер интерьеров, кинорежиссер и модельер. Он разрабатывает одежду, а также аксессуары под своим одноименным лейблом, который он основал после окончания Central Saint Martins в 2001 году.Показы его коллекций известны как одни из самых интересных в отрасли, поскольку они сочетают моду с искусством. Он выиграл множество наград в области искусства и моды, а также участвовал в международных выставках. Vibskov находится в авангарде скандинавского дизайна во всем мире.

Александр Терехов — ведущий российский дизайнер, известный своей элегантной минималистской эстетикой. После окончания Московского института моды и дизайна в 2001 году Терехов стажировался в Париже в дизайнерском доме Yves Saint Laurent и показал собственную дебютную коллекцию на Неделе моды в Москве в 2004 году.Он использует роскошные ткани, женственные силуэты и элегантный крой в своей линии готовой одежды, которая пользуется популярностью среди модных редакторов, знаменитостей, высококлассных блоггеров и других представителей индустрии.

Родом из Бордо, Оливье Рустен — французский модельер, который учился в Высшей школе искусств и технологий моды в Париже. После окончания учебы он стал руководителем отдела женской одежды в итальянском доме Roberto Cavalli и оставался относительно неизвестным до 2011 года, когда в возрасте всего 25 лет он занял свою нынешнюю должность креативного директора французского лейбла Balmain.Рустинг разрабатывает для этого лейбла как мужскую, так и женскую одежду. Его подход к утонченному гламуру, а также внимание к моде смягчили предыдущую рок-н-ролльную эстетику бренда. Дизайнер также успешно сделал бренд более доступным, снизив цены и помог Balmain стать первым французским брендом, у которого более миллиона подписчиков в Instagram.

Оливье Рустен и модели идут по подиуму во время финала показа Balmain | © Anton Oparin / Alamy Stock Photo

От холста к подиуму: как история искусства вдохновляет современную моду

История искусства и мода связаны давними отношениями.Заинтригованные новыми формами, цветами, текстурами и более широкими социокультурными отсылками, модельеры регулярно обращались к изобразительному искусству за вдохновением в пошиве одежды. Но мода как живая форма искусства заслуживает того, чтобы ее анализировали в тех же рамках, что и историю искусства.

От модных показов Dolce & Gabbana Alta Moda, вдохновленных картинами итальянского Возрождения, до любви Александра МакКуина к елизаветинским силуэтам и показным рюшам миры живописи и высокой моды часто сталкивались.

Признание в любви

1731 г., холст, масло Жана Франсуа де Троя (1679–1752)

В преддверии Недели моды в Лондоне вот несколько известных примеров того, как искусство вдохновляло моду.

Средневековье

Возможно, вы будете удивлены, узнав, что Иероним Босх, нидерландский художник, чьи работы отражают средневековые моральные кодексы, является одним из излюбленных образцов истории искусства в мире моды.

Его знаменитый триптих пятнадцатого века Сад земных наслаждений вдохновил бесчисленное количество дизайнеров, от Зандры Роудс до Рафа Симонса и Александра МакКуина.

Сад земных наслаждений

ок. 1495–1505, дубовая панель, масло Иеронима Босха (ок. 1450–1516)

Для кампании Gucci SS18 под названием «Галлюцинация Gucci» испанскому художнику Игнаси Монреалю было поручено создать проект на основе Instagram, вдохновленный историческими отсылками к искусству.В данном случае он создал фантастическую цифровую анимацию, вдохновленную знаменитым триптихом Босха. Ссылаясь и смешивая исторический и современный миры, изобразительное искусство и моду, Монреаль возрождает и заново адаптирует традиционный живописный жанр.

Дизайнер Valentino Пьерпаоло Пиччоли также был очарован сюрреалистичным и небесным садом Bosch. Он предложил Зандре Роудс переосмыслить рай и ад Босха, приняв цветовую палитру землистых оттенков зеленого и коричневого на фоне кислотно-розового и фиолетового.

Возрождение

В прошлом году мода, вдохновленная ренессансом, пережила ренессанс в тенденциях моды двадцать первого века. Продолжая тему Met Gala 2018 года «Небесные тела», дизайнеры начали создавать смелые формы и силуэты, имитирующие итальянские картины пятнадцатого и шестнадцатого веков.

Еще до всплеска интереса к формам эпохи Возрождения такие дизайнеры, как Dolce & Gabbana, Пьерпаоло Пиччоли и Мари Грация Кьюри, уже экспериментировали с этой эпохой в истории искусства, создавая легендарные образы от кутюр, которые штурмом покорили мир моды.

Мода и живопись эпохи Возрождения были переосмыслены такими образами, как вздымающийся «Рукав Джульетты», платья из шифона и тафты, детализированные цветочные принты и шекспировские рюши. Аксессуары для волос – ободки, украшенные драгоценностями головные уборы – также вернулись в моду.

Dolce & Gabbana даже разработала платья, украшенные картинами Леонардо да Винчи, Рафаэля, Джованни Беллини и Сандро Боттичелли, для показа Alta Moda 2018 года.

В этом экземпляре модель носит платье с изображением Портрета Джованны Торнабуони , выполненного в 1488 году Доменико Гирландайо. Изысканный профильный портрет был заказан мужем натурщика Лоренцо Торнабуони после смерти его жены в том же году.

Елизаветинцы

Елизавета I, несомненно, одна из величайших икон моды в истории. Ее драматические силуэты вдохновили многих дизайнеров высокой моды, в том числе Валентино и Вивьен Вествуд среди многих других.

Возможно, больше, чем любой другой член королевской семьи, королева-девственница использовала одежду, чтобы создать для себя мощную мифологию, которая узаконила и укрепила ее богоподобное правление и царственный статус.

Элизабет была известна своими роскошными расшитыми платьями, украшенными редкими и дорогими драгоценностями, блестящим жемчугом и замысловатыми богато украшенными брошками.

Как и все аристократические елизаветинские женщины, она носила сорочку, жесткий корсет, нижнюю юбку, фартингейл, чулки, платье и обычно показной воротник на шее.Укрепленные крахмалом (полученным из зерна, пшеницы или кукурузы), некоторые из самых экстремальных ершей были более фута в ширину (известные как ерши с колесом телеги), и на их изготовление уходило много часов. Ерш был символом статуса, который ясно давал понять, что человек, носящий его, имеет большое значение и не занимается физическим трудом.

Барочная роскошь

Итальянское барокко также стало источником вдохновения для современных дизайнеров.Известный своей театральностью и величием в изобразительном искусстве, музыке и архитектуре, стиль барокко возник из маньеризма и Высокого Возрождения и вызвал интерес к декоративным деталям, избытку и великолепию.

Композиции и формы в стиле барокко характеризуются движением и энергией, аспектами, которые понравились модельерам, стремящимся воплотить театральность в своих предметах одежды. Барочные портреты женщин из знати вдохновили Dolce & Gabbana, увиденные в этих изысканных туфлях выше.

Японский укиё-э

Японский жанр гравюр укиё-э часто переводится как «изображения плывущего мира» и процветал в семнадцатом веке, во время периода Эдо в Японии.

В следующем столетии « Большая волна в Канагаве » Кацусики Хокусая (1760–1849) стала одной из самых известных существующих японских гравюр на дереве. Неудивительно, что яркий визуальный образ был переосмыслен дизайнерами одежды, такими как российский дизайнер Алена Ахмадулина.

Большая волна

«Под волной у Канагавы» из серии «Тридцать шесть видов на гору Фудзи», 1831 г., цветная гравюра на дереве Кацусика Хокусай (1760–1849)

.

 

 

 

Посмотреть этот пост в Instagram

 

Рококо

Очарование восемнадцатого века постоянно пересматривается дизайнерами высокой моды, стремящимися воссоздать причудливый декаданс, характерный для моды Марии-Антуанетты и ее придворных в Версальском замке в середине-конце 1700-х годов.

От Christian Dior до Balenciaga подиумная мода по-новому интерпретировала такие образы, как шелковая тафта пастельных тонов, халаты и платья на подкладке с меховой отделкой, напудренные парики и предметы одежды с ракушками и цветочными узорами.

Хотя Dolce & Gabbana ссылаются в своем тексте на картину Рубенса “Венера у зеркала “, общая эстетика этого изображения напоминает французское рококо. Художником, олицетворяющим этот стиль, был Франсуа Буше (1703–1770).Он был известен своими идиллическими сценами, изображающими придворную любовь или сладострастных мифологических богинь, окруженных путти и херувимами. В 1759 году он нарисовал знаменитую любовницу Людовика XV, мадам де Помпадур, как показано выше.

Жанр рококо «Туалетная комната», в котором художник запечатлел женщину в раздетом состоянии перед ее туалетным столиком и служанкой, популяризировался такими художниками, как Буше (хотя эта традиция зародилась столетия назад). Роскошные и часто вуайеристские, эти изображения давали мимолетный взгляд на частную, женскую, домашнюю обстановку, которая отражала моду рококо на наводящие на размышления и чувственные сцены.

Туалет Венеры

1751 г., холст, масло Франсуа Буше (1703–1770)

Мода Регентства

Моду эпохи Регентства в Британии часто называют «эпохой Джейн Остин», когда женщины носили относительно сдержанные элегантные платья (обычно без корсетов), а мужчины — сшитые на заказ брюки-кюлоты, бриджи, жакеты и гессенские сапоги.

Вдохновленная простотой классической одежды, мода того времени отражала меняющиеся моральные и социальные ценности, которые выступали за возвращение к природе и простоте.Эта эпоха также породила термин «денди», модный персонаж, который гордился утонченным портняжным вкусом, отражающим «естественное совершенство».

Женская мода часто включала муслиновые сорочки с обнаженными руками, платья с высокой талией, известные как силуэт «ампир», пастельные ткани, тюрбаны и перчатки. В отличие от обычаев прошлых веков, женская талия не имела особого значения. Вместо этого одежда выделяла грудь, плечи и руки.

Здесь Кэтрин, герцогиня Кембриджская, одета в расшитое золотом платье от Alexander McQueen с силуэтом в стиле ампир.

Викторианцы

К началу эпохи Виктории в девятнадцатом веке причудливая классическая мода восемнадцатого века исчезла и была заменена более формальной, ограничивающей одеждой. Вернулся корсет, а вырезы подчеркнули V-образную форму. Женские халаты были тяжелее, темнее и имели больше оборок, бантов и кружев.

В то время как платья до 1850-х годов часто имели заниженные рукава и глубокие вырезы, во второй половине века женщины редко показывали обнаженную кожу, и были введены более высокие вырезы и воротники.

Продается 1857

Джеймс Коллинсон (1825–1881)

Городские музеи и галереи Ноттингема

Вот поразительное сравнение платья молодой викторианской женщины 1857 года с коллекцией ERDEM Весна/Лето 2019.

Прекрасная эпоха

На рубеже девятнадцатого века мы видим культовый образ Вивьен Вествуд, который Кристи Терлингтон продемонстрировала на подиуме в начале 1990-х.

Направляя парижскую эпоху Belle Époque в fin-de-siecle, Вествуд напоминает карикатуры Анри де Тулуз-Лотрека на провокационных танцовщиц кабаре в Мулен Руж.

Танцующая Джейн Аврил

Этюд для плаката «Парижский сад», 1893 г., картон, гуашь Анри де Тулуз-Лотрека (1864–1901)

С почти безграничным диапазоном стилей для изучения, что бы ни случилось с модой в будущем, несомненно, искусство будет продолжать вдохновлять дизайнеров на долгие годы.

Лидия Файджес, создатель контента Art UK

6 Visionary Art and Fashion Collabors | От сотрудничества с глобальными брендами до сотрудничества с независимыми дизайнерами мы наблюдаем, как художники стирают границы между модой и искусством.

От объединения с глобальными брендами до сотрудничества с независимыми дизайнерами мы наблюдаем, как художники стирают границы между модой и искусством.

 

Между модой и современным искусством всегда была синергия.От сотрудничества между модными домами и художниками до современных креативщиков, которые своими руками занимаются производством одежды, мы рассмотрим шесть художников, которые помогли разрушить барьер между искусством и модой.


 

КАВС

Назовите успешный модный бренд, и вполне вероятно, что они обращались к KAWS за сотрудничеством в какой-то момент за последние 25 лет. От роскошных модных брендов, в том числе Dior и Comme des Garçons, до модных брендов уличной одежды, включая Bathing Ape и Supreme, KAWS сделала все это.

 

 

В своем последнем сотрудничестве KAWS объединился с японским брендом роскошной моды Sacai, чтобы создать то, что основатель и дизайнер Титосэ Абэ, как сообщается, называет «пригодным для носки искусством». Коллекция, выпущенная в июле, также создана в сотрудничестве с Nike, которая создала специальную обувь, соответствующую яркой серии одежды.

 

Яёи Кусама

В 2012 году современная японская художница Яёи Кусама объединилась с Louis Vuitton для создания потрясающей коллекции.По словам Марка Джейкобса, коллекция Vuitton-Kusama, включающая сумки, одежду и аксессуары, преследовала цель «познакомить широкую публику с Яёи Кусамой и современным искусством в целом».


ЯОЙ КУСАМА Х LOUIS VUITTON

 

Даже если публика не была знакома с Кусамой, помешанный на зрелище художник не был чужд моде. В 1960-х Кусама запустила собственную линию готовой одежды. Имитируя ее традиционный мотив в горошек, в одежде были стратегически прорезаны отверстия, превращая владельца наряда в часть дизайна.

Такаши Мураками

Основатель движения «суперплоскости» Такаси Мураками известен тем, что игнорировал разделение между высоким и низким искусством. Включая основную японскую культуру в свои работы, его картины, гравюры и скульптуры вдохновлены яркими цветами и смелым дизайном. На протяжении своей блестящей карьеры Мураками сотрудничал с рядом модных брендов, включая Louis Vuitton, Billionaire Boys Club, Vans, Porter, Crocs и Uniqlo.

 

В 2020 году Мураками объединился с брендом уличной одежды Supreme, чтобы создать оригинальную футболку для сбора средств для HELP USA, фонда, созданного для поддержки семей, оказавшихся бездомными в результате пандемии. Рубашка была настолько успешной, что продажи собрали для некоммерческой организации более 1 миллиона долларов, что позволило благотворительной организации построить доступные дома и предоставить приюты для нуждающихся молодых людей.


ТАКАСИ МУРАКАМИ Х ВЕРХОВНЫЙ

Дэмиен Херст

Современный британский художник Дэмиен Херст известен своим увлечением смертью.Будь то мотив черепа, таксидермия бабочки или акула в формальдегиде, Херст никогда не уклонялся от столкновения со смертью. Хотя невероятно успешный, в течение многих лет в начале его карьеры болезненность и в определенной степени безумие искусства Херста не поддавались моде. Так было до тех пор, пока в 2013 году икона британской моды Александр Маккуин не предложил художнику сотрудничество.

 

Также известный своим использованием мотива черепа, Александр МакКуин сотрудничал с Херстом, чтобы создать серию из тридцати шарфов ограниченного выпуска, украшенных черепами и бабочками.Проистекающая из одержимости Херста энтомологией, геометрическая форма дизайна перекликается с работой Херста, сохраняя при этом фирменный стиль Маккуина. Это безупречное партнерство было чрезвычайно успешным, и почти десять лет спустя коллаборация Херста и МакКуина стала важной вехой в богатой истории модного дома.


ДЭМИЕН ХЕРСТ Х АЛЕКСАНДР МАККУИН

Ёситомо Нара

Пионер современного искусства Ёситомо Нара — японский художник, прославившийся своими характерными рисунками детей и животных.Происходя из японской эстетической традиции каваи, что означает миловидность, Нара изображает детей с широко открытыми глазами, которые кажутся столь же милыми, сколь и зловещими.

 

Для коллекции Весна/Лето 2021 модельер Стелла Маккартни приняла прогрессивный панк-отношение рисунков Нары, сотрудничая с художницей для создания We are punks, линии унисекс одежды с дизайном Нары. Ассортимент одежды от шелковых брюк до вязаных джемперов устраняет разрыв между субкультурой, искусством и модой.


ЁСИТОМО НАРА Х СТЕЛЛА МАККАРТНИ

Брэдли Теодор

Известный своим классическим стилем Dia de los Muertos, Теодор создает красочные полотна, украшенные цветами и черепами. Его динамичные мазки и яркая цветовая палитра делают его работы идеальным выбором для украшения одежды.

 

В 2018 году, чтобы отпраздновать 50-летие культовой замшевой обуви Puma, компания совместно с Брэдли Теодором создала поразительно смелую осенне-зимнюю коллекцию.Включая пару кроссовок, топ и черные спортивные штаны T7 с подходящей курткой, одежда включает в себя культовый мотив Теодора в виде скелета, а также яркие всплески цвета, напоминающие его аппликацию в стиле кисти. Калейдоскопическое сотрудничество было настолько успешным, что в 2019 году Теодор воссоединился с брендом, чтобы создать большую коллекцию из 23 предметов.


БРЭДЛИ ТЕОДОР Х PUMA


 

15 современных дизайнеров, работающих с принтами

Вдохновитесь созданием уникальной и очаровательной одежды с прекрасными принтами всемирно известных модельеров

Джулия Пеллетье (@julia_pelletier) — дизайнер по текстилю, специализирующаяся на трафаретной печати, рисовании и обучении более 15 лет.На своем курсе «Доместика» она научит вас сочетать творческие приемы для создания уникальной одежды.

Создание предметов искусства, которые можно носить, — отличный способ продемонстрировать свой стиль и индивидуальность. Прежде чем вы приступите к своему творению, она советует вам обратиться за вдохновением к некоторым из самых креативных современных дизайнеров, работающих с принтами. Найдите список ниже:

Джулия Пеллетье
Ричард Куинн

Ричард Куинн основал свой одноименный лейбл женской одежды в 2016 году, получил награду H&M Design Award, был включен в список Dazed Magazine «Dazed100» и назван «One to Watch» Британского совета моды.Ему была вручена Премия королевы Елизаветы II за британский дизайн, которая присуждается начинающим британским дизайнерам за их «талант и оригинальность, демонстрирующие ценность для общества и устойчивую политику».

Ричард Куинн
Амелия Грэм

Выпускница Колледжа искусств и дизайна Челси, Амелия провела десятилетие, разрабатывая принты для женской одежды в Лондоне, прежде чем переехать в Париж, работая фрилансером для таких брендов, как Paul&Joe, Topshop и Calvin Klein.

Амелия Грэм
Маримекко

Marimekko — финская дизайнерская компания, известная своими оригинальными принтами и цветами.Он был основан в 1952 году Вильо и Арми Ратиа на территории старой клеенчатой ​​фабрики. Арми попросил своих друзей-художников применить свои графические рисунки к текстилю. Их непревзойденные набивные ткани используются для создания высококачественной одежды, сумок и аксессуаров, а также текстиля с уникальной индивидуальностью.

Маримекко
Мэри Катранцу

Уроженка греческого происхождения Мэри Катранцу, которую называют «королевой печати», вдохновляла как дизайнеров высокой моды, так и уличных дизайнеров. На ее выпускном показе были представлены принты в стиле trompe l’oeil с крупными украшениями на платьях, и она произвела фурор в индустрии.Ее бренд продается от Selfridges до Joyce, Matchesfashion.com, Harrods и Saks.

Мэри Катранцу, Джованни Джаннони WWD
Янтарный день

Эмбер Дэй, родившаяся в Торонто, работает в Нью-Йорке. Она смешивает трафаретную печать, цифровую печать, вязание, коллаж и вышивку, создавая палитры, в которых ткань заменяет краску.

Янтарный день
Тали Фурман Вольф

«Текстура — это новый цвет» — таков девиз этого выпускника Королевского колледжа искусств, специализирующегося на дизайне узоров и разработке текстиля.Она создает невероятно яркие принты, используя палитру нейтральных цветов от темно-синего до серого.

Тали Фурман Вульф
Джемма Блэквелл
Прекрасные коллекции

Джеммы Блэквелл созданы путем игры с формами и цветами для создания роскошной современной вышивки. Она использует неожиданные материалы, такие как розовые губки, винил или махровая ткань.

Джемма Блэквелл
Гуччи

Культовый бренд не нуждается в представлении. Принты Gucci были главными действующими лицами в мире моды на протяжении многих лет, вплоть до экспериментов нового креативного директора бренда Алессандро Микеле.

Гуччи
Proenza Schouler

Этот бренд женской одежды, основанный в 2002 году нью-йоркскими дизайнерами Джеком Макколлоу и Ласаро Эрнандес, вдохновлен современным искусством и молодежной культурой. Сочетание кроя и использования специально разработанных тканей принесло дуэту множество наград на протяжении многих лет.

Проэнца Шулер
Родарт
Компания

Rodarte была основана в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, в 2005 году Кейт и Лорой Малливи. В основе уникального романтического подхода Кейт и Лауры к моде лежит их стремление к инновациям посредством рассказывания историй.Их видение расширяется до мультихудожественных начинаний, включая их работу в качестве художников по костюмам, сценаристов и режиссеров. Эскизы и костюмы Кейт и Лоры Малливи были представлены на персональных выставках в престижных музеях.

Родарте
Дрис Ван Нотен

Работы эксцентричного бельгийского модельера Дриса, барона Ван Нотена характеризуются использованием принтов, цветов, оригинальных тканей и многослойностью. Его проекты и их влияние были выставлены в Музее декоративного искусства в Париже в 2014 году.

Дрис Ван Нотен
Минакани

Minakani — студия дизайна поверхностей, базирующаяся в Париже, создающая принты для моды и дома с уникальным и свежим подходом к цвету и графике, создающая сильные и простые дизайны. Они описывают свое настроение как «изменчивое, иногда причудливое или поэтическое, но всегда позитивное!»

Посмотреть публикации

Издатель Дэвид Р. Шах запустил журнал Textile View, чтобы создать что-то, что люди будут считать библией текстиля, и открыть новые горизонты в графике, используя знающих людей, профессионалов отрасли, а не журналистов.В успешную независимую группу входят Viewpoint (теперь Viewpoint Design), PantoneView Color Planner, View2, Viewpoint Color.

Посмотреть публикации
Ева Уррег

Французский графический дизайнер Эв Уррег работает в сфере моды и домашнего текстиля.

Ева Оррег
Сесилия Соренсен

Финский независимый дизайнер Сесилия основала свою компанию в 2002 году в горах Майорки, Испания. Ее цель — использовать устойчивые материалы местного производства и обеспечивать безопасность производства для окружающей среды и людей.

Сесилия Соренсен

Если вас вдохновило создать красивую и уникальную печатную композицию для использования на предмете одежды, зарегистрируйтесь в программе «Техники текстильной печати для начинающих» Джулии Пеллетье и создавайте одежду такой же уникальной, как и вы.

Вам также может понравиться:

– Учебное пособие по цианотипии: печать с листьями и цветами
– Музей текстиля Канады: бесплатное и безграничное вдохновение онлайн
– Краткая история ботанической печати

Взгляд на современные показы мод и их связь с искусством перформанса

Недели моды имеют большое значение, поскольку в дополнение к представлению новых дизайнов, в течение этих недель эффект показа мод иногда опережает дизайн.Когда коллекции готовы, модные дизайнеры представляют их через «показ мод», поле, используемое для впечатляющей и яркой презентации идей своих коллекций. С помощью этой формы дизайнер использует перформативную презентацию, чтобы передать интеллектуальный смысл, очарование модного творения или представить различные творения визуальным образом в виде коллекции. Показы мод оказывают сильное влияние благодаря создаваемой атмосфере, окруженной музыкой, видео-артом, перформансом и сценографией.Эти 20-25-минутные показы представляют всю коллекцию через фоновую идею коллекции и внутренний мир дизайнера, используя цвета, текстуры, сюжеты, формы и визуальные эффекты. Таким образом, художественный подход является ключевым при оформлении показа, чтобы раскрыть идею коллекции в наиболее актуальном виде. Цель этой статьи — изучить, как показы мод курируются с помощью художественных приложений, и выявить способы повествования историй, которые не пишутся, а передаются сообществу посредством перформативных презентаций.В этом отношении был принят интерпретативный подход, и соответствующие художественные приложения из современных примеров, хранившихся в период с 2013 по 2018 год, были проанализированы как часть повествования о коллекции. Вывод этого исследования заключается в том, что зрители приобрели новую роль, став сами участниками показов мод с возможностями, предлагаемыми технологическими разработками, которые создают новые значения для показов мод. Понятно, что функция показов мод в настоящее время меняется от средства продвижения к общению с аудиторией.TASARIMCININ KOLEKSION ANLATILARI: MODA GÖSTERILERİ VE SANATSAL UYGULAMALAR ÖZ Moda haftaları, yeni tasarımların sunuluyor olmasının yanı sıra, etkisinin bazen tasarımların bisairmebilin geçebildiğeçebildiğ Moda tasarımcıları koleksiyonlarını tamamladığında, koleksiyonun ana fikrini etkin ve çarpıcı bir biçimde sergilemek için tasarımlarını “moda gösterileri” aracılığıyla sunmaktadır. Bu yöntemle tasarımcı, düşünsel mesajını, koleksiyonun büyüsünü iletmek veya farklı yaratıları bir koleksiyon olarak görsel bir şekilde ifade etmek amacıyla Performatif bir sunum kullanır.Bu yönüyle moda gösterileri, müzik, видео sanatı, Performans ve sahne tasarımı ile çevrelenmesinden ötürü güçlü bir etkiye sahiptir. Bu 20-25 dakika süren gösteriler, renk ve dokular, hikayeler, biçimler ve görseller kullanılarak tasarımcının iç dünyasını ve koleksiyonun arka planındaki fikirleri temsil etmektedir. Bu nedenle, koleksiyonun fikrini en uygun biçimde ortaya koymak için bir gösteri tasarlarken sanatsal bir yaklaşımda bulunmak önemlidir. Bu makalenin amacı moda gösterilerinin ne tür sanatsal uygulamalar gerçekleştirdiğini incelemek ve gösterilere ait yazılı olmayan, fakat Performatif sunumlarla anlatılan hikayelerin topluluklara hangi sunum şekilleriyle aktarıldığıyanıor.Буд Догрультуда, Йорумсамац Бир Яклашим Бенимсенмис Олунап, Конула Илишкин Гюнсель Örnekler 2013-2018 YLLLARY ARASında Düzenlenen Moda Gösterileerindeki Sanatsal 547 Uygulamalardan Elde Edilerek Koleksiyon Anlatımının Bir Parçası Olarak Incelenmiştir. Makalenin bulgusu, teknolojik gelişmelerin sunduğu olanaklarla yeni anlamlar kazanan moda gösterilerindeki izleyicinin Performansı gözlemleyen kişi olmaktan sıyrılarak, moda gösterilerine bizzat katılan kişi olarak yeni bir rol edinzerdiğedi. Moda gösterilerinin işlevinin artık tanıtım araçlarından farklılaşarak, izleyiciyle iletişim kurma yönünde değiştiği anlaşılmaktadır.Anahtar kelimeler: Moda Gösterileri, Moda ve Sanat, Moda ve Teknoloji, Moda Anlatıları. ВВЕДЕНИЕ Лондон, Париж, Нью-Йорк и Милан известны как четыре основных центра моды, и в рамках их недель моды проходят насыщенные события, на которых дизайнеры предлагают свои коллекции осень-зима, весна-лето и курортные коллекции. Основные шоу в этих городах часто освещаются в новостях по телевидению, в газетах и ​​журналах. Мода явно рассматривается как достаточно важная вещь, чтобы оправдать столь щедрое внимание — или именно это внимание делает моду важной (Svendsen, 2006: 10).Недели моды содержат несколько захватывающих событий, которые представляют их характер; создание новых дизайнерских ценностей, открытие дизайнерами новых коллекций, новых деталей или использование дизайнером инновационного материала в новой коллекции, а также презентация изобретений. Общее великолепие и впечатляющая атмосфера модных показов придают неделям моды дополнительную динамику. Они имеют большое значение, так как в дополнение к представленным новым моделям, в течение этих недель эффект показов мод иногда опережает дизайн.Демонстрация новой коллекции от дизайнера в художественном зале добавит волнения присутствующим и зрителям.

8 необычайно увлекательных дизайнеров-новаторов — Scene360

В мире, который постоянно развивается в научном и технологическом плане, существует и мода — одна из крупнейших индустрий с оборотом в несколько миллиардов долларов.

И хотя традиционно древние способы создания моды пользуются большим уважением, есть художники и дизайнеры, которые ломают стереотипы.Будь то новаторы в области готовой одежды Херпен, Ватанабэ, Ямамото и Мияке, есть еще одна сфера дизайнеров, которые, возможно, не имели академического или непосредственного образования в искусстве моды, но используют свои технические и научные знания и слияние с модой. Эти творческие люди используют свои изобретательные междисциплинарные исследования для производства авангардных носимых устройств, открывая новые горизонты в мире технологий моды.

Вверху: Херпен черпает вдохновение в силе природы для своей коллекции осень-зима 2013 на Неделе моды в Париже.

В сотрудничестве с Нери Оксман и Джулией Кернер Ирис ван Херпен создает эти необычные изделия с помощью технологии 3D-печати.

Ирис ван Херпен

Айрис Ван Херпен — творческий новатор, известный своим слиянием науки и цифровых технологий в модном дизайне. Она создает каждую коллекцию с большим мастерством, сочетая давно утерянные (почти забытые) и новаторские методы дизайна. Ее современный взгляд воплощается в художественном выражении, которое фокусируется на идее красоты и возрождения, воплощая их в носимом искусстве.Создание формы и структуры изобретательскими способами, основанными на междисциплинарных исследованиях и сотрудничестве с новаторскими художниками и учеными; воплощая в жизнь идею о том, что мода выходит за рамки одежды и нацелена не только на стиль, но и на технологии, искусство и науку.

Безумно круто: ретро-футуристическая мода в стиле поп-арт от Ватанабэ.

Джунья Ватанабэ

Ватанабэ — революционный японский дизайнер, который был учеником великого Рей Кавакобо, владельца и главного дизайнера Comme des Garçons.В то время как Ватанабэ по-прежнему занимается дизайном мужских и женских коллекций Comme des Garçons, ему удается выпускать собственные коллекции. Его использование «синтетических и технологически продвинутых тканей и тканей» [1] всегда выражается в великолепном футуристическом дизайне, который обычно уделяет пристальное внимание манипулированию тканью. Коллекции техно-кутюр, представляемые каждый сезон, всегда кардинально отличаются друг от друга, придавая глубину творческому самовыражению и видению. Инновации проникают не только в саму одежду, но и в брендинг и рекламу.

Влиятельный японский дизайнер Ямамото заключил партнерское соглашение с Adidas для выпуска одежды и обуви под названием Y-3.

Йоджи Ямамото

Провидец художественного самовыражения Ямамото создает моду таким образом, чтобы создаваемые изделия служили больше, чем просто одеждой, и по праву представляли собой формы искусства. Его эстетика обычно выражается в высококвалифицированных манипуляциях с тканями в негабаритных силуэтах, которые всегда создаются в нейтральной цветовой гамме.Нейтрально рассматривается не только палитра цветов, но и гендерный разрыв, что позволяет коллекциям иногда подходить как мужчинам, так и женщинам. Муза, стоящая за дизайном, представлена ​​аутсайдером, который не желает подчиняться, придерживаясь совершенно другой точки зрения; оставаясь иллюзорным, но всегда ломая форму.

Проект Оксмана «Странники» использует 3D-печать и вдохновлен множеством растущих структур.

Нери Оксман

Архитектор, дизайнер и профессор Медиа-лаборатории Массачусетского технологического института и группы Mediated Matter Group Нери Оксман проводит исследования в области вычислительного проектирования и цифрового изготовления научных материалов.Ее видение состоит в том, чтобы связать воедино искусственную и природную среду. Проект Оксман «Странники» является важной вехой в сфере 3D-печати в области моды. Она создала четыре прототипа одежды, используя процесс цифрового роста, который можно адаптировать к человеческому телу. Цель и точный огонь по производству объемных изделий заключается в том, что укоренившаяся живая материя захватывается чем-то носимым.

Одно из нововведений Мияке — создание ткани, которая может складываться в «плоские геометрические формы и оживать благодаря движениям тела.
[2]

Иссей Мияке

Проявившийся в 70-х годах модный дом Issey Miyake использовал творческие разработки новых технологий. Его концепции дизайна постоянно бросают вызов общепринятому и стремятся показать связь между телом и тканью. «Дизайн нужен не для философии, а для жизни», — утверждает Мияке, чей творческий процесс позволяет свободно течь мыслям и фокусируется на дизайне одежды, а не только на моде. Он также известен своей передовой модернизацией, в которой используются новые технологии в сочетании с историческими и традиционными методами.

«Звуковые костюмы» изготавливаются из самых разных материалов, таких как пряжа, мягкие игрушки, веточки, пайетки и многое другое.

Ник Кейв

Мастер на все руки, Ник Кейв носит шляпы художника-скульптора, профессора факультета моды Чикагского института искусств и артиста танцевальной труппы Элвина Эйли в Нью-Йорке. Он использует три художественных средства: скульптуру, инсталляцию и перформанс, чтобы объединить моду, искусство и танец в один интерактивный опыт.Его самые известные новаторские исполнительские ансамбли — «Звуковые костюмы», костюмы носят как выражение защиты от культурной дискриминации. Части используются в качестве средства изменения, оказывая влияние на объединение людей, изменение внешнего вида, а также используются для изучения отказа от инаковости.

«(нет)где(сейчас)здесь» — это интерактивный проект, состоящий из платьев из органзы, ПВДФ, фотолюминесцентной нити и электронных устройств.

Ин Гао

Модельер и профессор университета Ин Гао имеет обширный список из более чем 50 выставок в Швейцарии и Канаде. Она получила признание в более чем 300 статьях в прессе от Vogue до TIME за свои работы, в которых городской и медийный дизайн сочетаются с архитектурой. Ее проекты охватывают различные преобразующие социальные и городские среды; с использованием латекса или стекла среднего качества в качестве текстиля, может быть, это использование Facebook в качестве источника вдохновения или, возможно, это интерактивное платье, в котором размещены устройства слежения за взглядом, которые стимулируются зрителями.Независимо от проекта, Ying играет с модными технологиями неизведанным способом, выходящим за рамки только текстиля.

Целью «Выпуска футболок» было проанализировать мост возможностей в построении и изготовлении цифровых моделей.

Машалла Дизайн и Линда Кастовски

Созданный группой берлинских креативщиков Машаллы Дизайн и Линды Кастовски, «Выпуск футболок» был междисциплинарным коллективом искусства и моды, который использовал 3D-дизайн для создания отличительных предметов одежды.Дуэт начал проект по созданию рубашки без использования знаменитой 3D-печати, концепции, больше похожей на цифровую 3D-лепку, позволяющую создавать персонализированную рубашку по фигуре человека. В «Выпуске футболок» участвовали три человека, которые были отсканированы в цифровом виде. Затем сканирование было помещено в 3D-файл, связывающий биографическую память с цифровым двойником тела каждого человека, создавая одежду 1 из 1.

 Изображения © соответствующие дизайнеры, дома моды, владельцы. 
 Вебография:
1.«Джунья Ватанбе». Википедия. Проверено 7 января 2016 г.
2. Фитусси, Тали. «Иссей Мияке, текстильный новатор». Клаузетта.
 Проверено 7 января 2016 г. 

«Дерьмо художника» Пьеро Мандзони объясняет современную моду

Если вы читали учебник по истории искусства 20-го века, вы, возможно, знаете эту историю: в 1961 году итальянский художник Пьеро Манцони создал издание из 90 банок «Дерьмо художника» и продали их на вес золота. Художественное произведение с одной строчкой, тиражи которого с тех пор были проданы более чем за 250 000 долларов, читается как мем (или NFT) раньше времени.И он содержит две истины, которые становятся все более неизбежными в современной культуре: 1) что ярлык «культура» делает это более ценным, и 2) что другие люди ценят что-то больше, чем то, что оно действительно стоит.

Но что меня больше всего озадачивает в Художественное дерьмо , так это то, что он существует уже 60 лет, и все же людей до сих пор смущают его уроки о силе ярлыков.

Возьмем, к примеру, споры, происходящие в настоящее время из-за решения Gucci и Balenciaga «взломать» бренды друг друга в ходе двух показов Ready-to-Wear.Для скептиков Gucciaga (как мы в Highsnobiety любим его называть) — это четырехмерная версия Artist’s Shit, происходящая на уровне двух модных домов в многомиллиардной люксовой группе. Критики этого жеста говорят, что бренды, которые когда-то цинично брали наши деньги, размещая свои логотипы на вещах, теперь цинично берут еще больше наших денег, делясь своими логотипами.

И это далеко не единичный случай. Буквально в этот понедельник Dior и Sacai только что объявили о своем участии в роскошной коллаборации.И в тот же день арт-коллектив MSCHF запустил сатирическую линию одежды «Любой ценой», в которой представлены предметы одежды ограниченного выпуска с указанием их цен. Послание проекта ясно: мода — это волшебная палочка, которая говорит вам, сколько стоят вещи, и ваша роль в ее покупке — передать эти деньги другим.

Но есть что-то глубоко циничное в этом образе мыслей, который я отказываюсь подтверждать. Неужели люди действительно думают, что Демна Гвасалия и Алессандро Микеле сидят в своих студиях и изобретают новые способы обманом заставить потребителей покупать халтуру с дизайнерскими логотипами? И если да, то не будет ли такая схема опасна для бизнеса? Кроме того, исследование, которое мы провели среди молодых потребителей во время пандемии, показывает, что они на самом деле даже не заинтересованы в том, чтобы манипулировать богатством.

Чего эти скептики не улавливают, так это ключевого ингредиента, который связывает Манцони со всем этим: иронии.

По мере того, как мы все дальше погружаемся в мир, определяемый цифровой жизнью, разрыв между тем, как есть вещи, и тем, как они выглядят, продолжает увеличиваться; Пустота, оставшаяся между ними, — это площадка для иронии, которая во многом стала доминирующим настроением нашего поколения. Ирония — это импульс, который любит неправильно называть вещи. Носить бейджик с надписью «Мэри-Кейт», когда ты полузащитник весом в 300 фунтов, — это иронично.Ирония в том, что криптовалюта названа в честь изображения сиба-ину. Наклеивать этикетку на банку со своим дерьмом тоже иронично.

Сегодня мы живем в роскошном мире, которым теперь управляют дети Интернета. В эту эпоху дизайна мы видим, как многие дизайнеры борются (или просто развлекаются) с тем, что значит маркировать что-то, что значит взимать за что-то астрономические цены и что значит для роскоши вообще существовать. И ирония — лучший инструмент для этого.

Возьмите соучастников за Гуччиагой. Гвасалия прославился созданием роскошных футболок для доставщиков и охранников в первые годы работы в Vetements. Эти жесты активизировались лейблами, которые, казалось, играли с классовыми границами. Многие из его самых обсуждаемых продуктов в Balenciaga были роскошью, казалось бы, банальными и недорогими — высокие каблуки Croc, кто-нибудь?

И хотя работы Микеле кажутся более романтичными, это романтика, в которой присутствует изрядная доза кэмпа. Давайте также не будем забывать, что мы говорим о человеке, который поручил граффити-художнику GucciGhost нарисовать баллончиком «НАСТОЯЩЕЕ» на сумках Gucci.Этот жест похож на милфей иронии, который получил еще один слой, когда на весеннем показе Гвасалии 2022 года была представлена ​​сумка с монограммой и надписью «ЭТО НЕ СУМКА GUCCI», нанесенная аэрозольной краской. (Да, кстати, это тоже копия картины «Вероломство образов » Рене Магритта, еще одного мастера-ироника.)

Что общего у этих вещей? Готовность играть со своим собственным предметом как с «модой» и жить в противоречиях, связанных с изготовлением дорогих вещей.

Однако важно понимать, что ирония — это не условие, а стратегия создания вещей. И у него есть важный конкурент, который по-прежнему обладает большой силой: подлинность.

Десятилетиями в роскоши доминировала идея аутентичности. Происхождение, мастерство и отсутствие «подделки» имели решающее значение для того, чтобы сделать что-то роскошным. Сегодняшняя тяга к иронии явно является реакцией на это — желанием позволить обманщикам и бутлегерам победить — но ирония — не единственный способ сделать моду современной.Возьмем, к примеру, Рафа Симонса, дизайнера, чью работу отличает глубоко неироничное отношение к музыке, произведениям искусства и молодежной культуре.

Но что отличает подлинность Raf Simons от происхождения и мастерства старой роскоши? В исследовании Highsnobiety, посвященном новым потребителям предметов роскоши, мы узнали, что две трети молодых покупателей инвестируют в предметы роскоши как в способ передачи своих знаний (а не своего богатства). Работа Рафа Симонса — парадигматический тому пример: на ней нет выдающихся логотипов, в ней часто есть фрагменты исследований, прикрепленные прямо к одежде, и ее поддерживает культовая фанатская база, которая гордится тем, что запоминает его работы.(Тогда забавно, что Саймонс теперь объединился с сверхироничной Миуччей Прада, чья версия бренда теперь попадает прямо в этот спектр.)

Знание против роскоши, ирония против аутентичности — если посмотреть на эти силы в сочетании. друг с другом, мысль о том, что современная мода постоянно катится по нисходящей спирали цинизма, явно ошибочна. Скорее, различные практики, создающие предметы роскоши, находят новые пути к созданию ценности — ценности, которую можно добывать в самых разных местах.

Интересно, что когда вы читаете цитаты о Манцони и Художественном дерьме, становится очевидным, что произведение искусства было не циничной игрой, чтобы заставить коллекционеров покупать фекалии, а скорее желанием дать им то, что они действительно хотели от искусства.

Похожие записи

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.